Mira el primer corto de Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón

Mira el primer corto de Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón

 

Es muy común que la gente demerite el trabajo de un cineasta cuando éste apenas comienza su camino. Si a ti te gusta el cine y te late grabar, seguramente has realizado algún clip súper improvisado, alguna pequeña historia que se te ocurrió o has hecho algún ejercicio con tu cámara. Y, por supuesto, el resultado no es profesional ni nada por el estilo, pero es un primer paso.

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El cine es un oficio que requiere de mucha dedicación: uno debe intentarlo una y otra vez, aunque al principio las cosas no salgan como uno espera (o más bien, como los demás esperan –pues nomás se la pasan criticando–). Los grandes cineastas llegaron hasta donde están luego de echar a perder un montón de proyectos; luego de practicar una y otra vez. No fue como que un día se despertaron y ya, por arte de magia, dominaban la técnica y tenían los recursos necesarios para hacer una gran película.

Para ilustrar mejor esto, podemos recurrir a dos de los cineastas que han logrado llevar su talento a las más altas esferas del cine internacional: Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón. En el primer caso, del Toro se ha convertido en el héroe nacional mexicano por excelencia. Además de ser un pan de dios, es un cineasta que nunca ha abandonado su pasión por los monstruos y que siempre es fiel a su estilo. Nadie puede negar que Guillermo del Toro es uno de los cineastas más talentosos del planeta, ¿no?

Alfonso Cuarón es un cineasta distinto. Su trabajo es mucho más polémico, pues sus relatos no siempre logran convencer a los espectadores. Sin embargo, es innegable que el tipo sabe mucho de cine y que sus imágenes siempre logran llenarle el ojo hasta al más quisquilloso de los cinéfilos. Cualquier cineasta emergente aspira a poder realizar un proyecto con imágenes tan bellas como las que Alfonso Cuarón logra en sus películas.

Pues bien, te tengo una noticia: Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón no nacieron sabiendo hacer cine. Comenzaron cagándola igual que todos: haciendo videos horrendos y echando a perder las cosas una y otra vez. Y es que el cine es así. Sólo puedes aprender si te sacudes el miedo y comienzas a grabar; si le pierdes el temor a las críticas que te van a llover; si te vale madre que lleguen los exquisitos a pedirte que tu primer video de 10 segundos se compare con Roma o La Forma del Agua.

¡Haz lo que te gusta! Publica tus videos, no importa que salgan feítos. Toma un curso, mira un tutorial en YouTube, busca conocimiento por todas partes y luego pon en práctica lo que aprendiste (aunque no salga súper chingón), sólo así podrás avanzar y, quizá, luego de esos videos que vas a realizar, puedas dar el salto y llevar a la pantalla un proyecto mucho más ambicioso.

Te voy a dejar aquí el primer proyecto de cada uno de los directores mencionados: Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón. Como ves, son películas de media hora que no se comparan, ni de pedo, con sus grandes producciones, pero que lograron realizar luego de un montón de intentos fallidos. 

 

Doña Lupe, primer cortometraje de Guillermo del Toro

 

Cuarteto para el fin del tiempo, primer cortometraje de Alfonso Cuarón

 

Después de ver estos cortos, dime: ¿te siguen pareciendo inalcanzables? No lo creo.

¡Vamos a grabar! :D

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¿Por qué nos gustan los Zombies?

¿POR QUÉ NOS GUSTAN LOS ZOMBIES?

Si bien el cine de terror no atraviesa una de sus mejores épocas, lo cierto es que un personaje bastante sólido que a su vez se ha convertido hasta en producto de consumo (como funkos o videojuegos) es el zombie.

Pero ¿qué es lo que provoca esta fascinación por películas de zombies? En primera instancia hay que decir que el ser humano siempre se mostrará interesado por aquello que no conoce, pero a su vez esto es algo que le da miedo, de ahí que nos guste tanto el terror, porque es un género que de alguna manera nos mantiene en expectativa y asombro.

En cuanto a los zombis, según explica Jorge Fernández Gonzalo en su libro “Filosofía zombi”, este personaje representa la falta de otredad y a su vez sirve como metáfora para entender la complejidad de la sociedad.

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Este último punto sin duda es bastante certero. Pienso en  “Los muertos no mueren” (2019) de Jim Jarmush, donde vemos una escena en la que los muertos vivientes caminan sin rumbo y lo único que ven es su celular, entonces aquí podríamos entender que la sociedad actualmente vive en modo zombi: hay muchas cosas que pasamos de largo por estar con la vista fija al celular.

El género del zombie a lo largo del tiempo ha servido como una forma también de concientización sobre la humanidad y sus errores, más allá de ser una identidad sobrenatural. Estas películas, además, muestran el miedo a lo desconocido y también a algunas creencias, como el vudú. Como ejemplo tenemos “White zombie” (Dir. Victor Halperin, 1932), en la que vemos a Béla Lugosi como Legendre, un hechicero vudú que convierte a una mujer en zombi porque ella así se lo pide. Otro ejemplo es “I walked with a zombie” (Dir. Jacques Turneur, 1943), en ella también encontramos encantamientos vudú. Y ocurre en la cinta “La serpiente y el arcoíris” (Dir. Wes Craven, 1988), que nos muestra un ritual vudú y además aborda la idea de quiénes son en realidad los muertos vivientes.

A lo largo de la historia del cine zombi encontramos diversas teorías de por qué surgen, muchos de ellos se basan en algún virus que se expande velozmente por el mundo hasta crear un apocalipsis (como es el caso de Exterminio 1 y 2, y Soy leyenda). Sin embargo, también hubo relación con los nazis y el miedo a las bombas atómicas, como se ve en la película “Creature with the atom brain” (Dir. Edward L. Cahn, 1955). En ella vemos a zombis atómicos creados por científicos nazis. Sin duda alguna, el director más conocido en este subgénero del cine de terror es George A. Romero, quien en 1968 llevó al cine “Night of the living dead”. La cinta de Romero fue producida por él y sus amigos, en realidad no tenían gran financiamiento y seguro jamás se imaginaron el impacto que tendría “La noche de los muertos vivientes” en el cine.

¿POR QUÉ ES IMPORTANTE EL CINE DE ZOMBIS DE ROMERO?

Cuando George A. Romero nos presenta al ente “ghoul” (los zombis)  le da una esencia a este personaje que incluso  en películas mexicanas de “El Santo” llegamos a ver. Romero nos presenta al zombi como un ente que vuelve a la vida cuya misión ahora es comer cerebros humanos para continuar su camino. En este punto también conocemos una de las formas infalibles para matar zombis: atacarlos directamente a la cabeza.

Esta fórmula se repite en la mayoría de las películas zombies que siguieron a la de Romero. Es como el cine de vampiros, todos sabemos que para terminar con un vampiro la mejor manera es con una estaca o con la luz del sol. De hecho, ahora que llegamos a este punto, en realidad los vampiros también podrían ser zombies, porque igual son muertos vivientes, sólo que mantienen su forma humana intacta y sólo viven de noche, pero a final de cuentas son muertos eternos que aún pueden caminar y andar entre los vivos como si ellos también poseyeran vida. De hecho Romero llegó a decir que su película está basada en la novela “Soy leyenda” de Richard Matheson, pero él no quiso usar vampiros como lo hizo Matheson y optó por los zombis.

Aunque inicialmente él no los concebía como zombies, Romero señaló que lo que buscaba con su película básicamente era mostrar el colapso de la sociedad, y eso mismo hizo con su segunda película, “Dawn of the dead” (1978). En esta entrega vemos que la mayoría de la trama se desarrolla en un centro comercial, donde quienes están vivos se resguardan de los zombies; sin embargo, pese a la tragedia que viven, aún siguen consumiendo.

Recordemos que a finales de los 70 y durante la década de los 80, el consumismo se desató en Estados Unidos, porque fue cuando terminó la recesión estadounidense. Entonces los centros comerciales comenzaron a abarrotarse, todos buscaban gastar y gastar y parecía que hacer compras era un deporte.¿Cuál es la lección? Que el mundo se ha convertido en materialista y que ya no se trata de si necesitas algo, sino más bien de lo que quieres. Y si lo puedes comprar, pues lo compras.

Entonces ¿qué muestra Romero? Un mundo superficial y materialista en el que sin importar que la humanidad esté en decadencia y entre en una terrible catarsis, aún consume sin parar, como si no hubiera un mañana. ¿Qué es el zombi? Sólo un ser que pierde la razón, anda por ahí, sin vida y sin esperanzas, come lo que encuentra, destruye lo que hay en su paso, no razona y no se comunica. ¿Acaso no suena similar al humano actual?

Si analizamos a fondo todas las historias de zombis veremos que todas son una absoluta crítica a la sociedad. Incluso “Zombieland” (Dir. Ruben Fleisher, 2010 y 2019) es una parodia no sólo de las películas de zombis, también de la sociedad. Aquí lo muestran de una manera más irónica y sarcástica, pero continúan mostrando al humano que desperdició sus momentos en vida y que al regresar de la muerte tiene un intento desesperado por tratar de ser quien era o al menos la mitad de lo que fue, pero no lo logra.

Incluso en “Train to busan” (Dir. Yeon Sang-ho, 2016) vemos al protagonista, un hombre ocupado que presta poca o nada de atención a su hija, intentar reivindicarse cuando ve que se acerca su final a manos de los zombies.

Los zombies no son más que una muestra de una humanidad egoísta y carente de alma, un humano que sólo avanza y destruye lo que hay por su paso. Ésa es la analogía que nos dejan muchas de las películas zombies en la historia del cine y por eso es que este tipo de cintas nos gustan, porque nos identificamos plenamente con ellas.

Por Dany Boo

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Influencias de Jacqueline Durran para crear traje de Batman

Influencias de Jacqueline Durran para crear traje de Batman

 

Luego de la prueba de cámara que Matt Reeves compartió en sus redes sociales, donde pudimos ver por primera vez el traje que vestirá Robert Pattinson en The Batman (2021), surgieron un montón de opiniones encontradas. Por un lado, los fans se quejaron del filtro rojo del teaser que hacía que el traje se pareciera más al de Daredevil que al del hombre murciélago; y por el otro, hubo un grupo de nerds de los cómics que se emocionaron al descubrir un secreto en la insignia del pecho del superhéroe.

Para descifrar dicho secreto debemos acudir a Jacqueline Durran, vestuarista que estará al frente del proyecto de Reeves. Además de haber participado en 1917 y de recibir el Óscar por Mujercitas en la pasada edición de los premios de la Academia, Durran es reconocida por su trabajo detrás del vestuario de Anna Karenina y La Bella y la Bestia, así que sabe muy bien cómo hacer las cosas.

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Por ello, la vestuarista se documentó al máximo antes de entrarle a un proyecto como The Batman y encontró la insignia perfecta para el personaje. Resulta que en Detective Comics #1000, escrito por Kevin Smith e ilustrado por Jim Lee, se narra la historia de un momento decisivo en la vida de Bruce Wayne. Luego de realizar una investigación e infiltrarse en los más oscuros círculos delictivos de Gotham, logra dar con el paradero del arma con la cual Joe Chill asesinó a sus padres. Es un momento crucial para Wayne, pues decide utilizar el arma para crear la insignia de su traje y ésta se transforma en una especie de motor para su rol como justiciero.

Durran se basó en este cómic para diseñar el traje de Robert Pattinson y la insignia que portará en el pecho. Así que todo comenzó bien, ¿no? Si le quitamos el filtro daredevilense, parece que Jacqueline Durran pensó en las implicaciones de cada elemento y no se guió únicamente por la emoción de hacer un traje chévere para un badass como Batman.

Ahora bien, al inicio hablé un poco sobre los trabajos más representativos de la diseñadora de vestuario y, como se puede notar, ha trabajado en películas que no están relacionadas en ningún sentido con el mundo de los superhéroes: películas de época, cintas bélicas, etc. Sin embargo, no hay que perder de vista que Jacqueline Durran se formó codo a codo con su mentora Lindy Hemming.

Hemming es la diseñadora que trabajó con el vestuario de la trilogía de The Dark Knight, de Christopher Nolan, protagonizada por Christian Bale y Heath Ledger, y además estuvo al frente del proyecto de La mujer maravilla, de Patty Jenkins, protagonizada por Gal Gadot. Así que Jacqueline Durran aprendió de una de las mejores vestuaristas que las películas de superhéroes han tenido entre sus filas. En parte, es precisamente esta influencia de Lindy Hemming lo que llevó a Durran a aceptar un proyecto como The Batman.

Por último, pero no menos importante, vale destacar que Durran no trabajará sola en la película de Reeves. Formará equipo con David Grossman, diseñador de vestuario de cintas como Rogue One y The Force Awakens; y Glyn Dion, quien también participó en las últimas películas de Star Wars y fue el creador del concepto general del vestuario de Kingsman.

Sí, Jacqueline Durran y su equipo son garantía de que las cosas saldrán bien. Sólo queda esperar el tráiler de la película y observar cómo todas las dudas se disipan.

Hasta la próxima.

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Soundtrack de Trainspotting, el mejor de todos los tiempos

Soundtrack de Trainspotting, el mejor de todos los tiempos

 

"Hollywood come in... your time is up, Trainspotting is here and it's toe-curlingly good", decía la revista Empire antes del estreno de Trainspotting, en 1996, anunciando la llegada de un producto cinematográfico que dejaría en ridículo a las producciones hollywoodenses. Así ocurrió y Trainspotting terminó por moldear el tipo de cine que marcaría a toda una generación.

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Pero, ¿cómo es posible que una película realizada con tan sólo 2.5 millones de dólares haya podido dejar una huella indeleble en el cine y haya logrado recaudar más de 40 millones de dólares? Podríamos identificar muchas razones: la novela de Irvine Welsh que le dio vida a la película es un relato particularmente propenso a cautivar a propios y extraños; la dirección de un joven Danny Boyle que ya mostraba el talento que hoy lo tiene entre los mejores; el trabajo de Brian Tufano en la fotografía, quien trabajó con Jordan Cronenweth en Blade Runner (1982); etc.

Sin embargo, existe una razón que se levanta por encima de todas las anteriores: el soundtrack de la película. El tema principal, "Born Slippy", de Underworld, se transformó en el himno de la juventud, de los yonkis y de la cultura underground en general. La canción fue adoptada como símbolo identitario, pues implicaba la destrucción de Hollywood (lo tradicional) y la visibilización de los olvidados (los jóvenes).

A partir de la música, Trainspotting edificó el éxito. Y es que además de Underwolrd, basta con echarle un vistazo a todos los artistas que participaron en la película para darse una idea de la especial relevancia del asunto: Damon Albarn (vocalista de Gorillaz), New Order, Iggy Pop, Lou Reed, Blur, entre otros. Suena muy parecido a la playlist que se escucha en todos los bares underground de la ciudad, esos que están ambientados con luces rojas y que funcionan mejor a partir de las 3 de la mañana.

El soundtrack de Trainspotting es el mejor de todos los tiempos porque funciona perfectamente dentro y fuera de la película, como si transportara el contexto de la ficción a la realidad (y viceversa). Hasta aquí mi reporte.

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Mira el tráiler de la nueva película de Wes Anderson

Mira el tráiler de la nueva película de Wes Anderson

 

Hace algunas semanas, empezó a correr un fuerte rumor acerca de The French Dispatch, la nueva película de Wes Anderson (Isla de Perros): la cinta duraría más de 4 horas, al puro estilo de Érase Una Vez en América. Sin embargo, ahora que conocemos más detalles acerca de esta producción, puedo decirles que esto es completamente falso. The French Dispatch tendrá una duración de 1 hora con 48 minutos, algo bastante razonable y perfecto para no tener que soportar las incomodidades fisiológicas de estar sentado en una sala de cine por más de tres horas.

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Una vez que esto ha quedado claro, hay que pasar a revisar algunas de las virtudes de esta esperada película de Wes Anderson. Hace algunas horas se lanzó el primer tráiler de The French Dispatch, donde pudimos observar al poderoso elenco que, seguramente, dará mucho de qué hablar durante la siguiente temporada de premios. Tilda Swinton, Benicio del Toro, Léa Seydoux, Jeffrey Wright, Adrien Brody, Elizabeth Moss, Timothée Chalamet, Frances McDormand y el mismísimo Bill Murray forman parte del proyecto. Además de Edward Norton, Willem Dafoe, Saoirse Ronan y Christoph Waltz, aunque no aparecen en el adelanto de la película (o, si aparecen, se me escaparon).

Por otro lado, vale destacar que la música original de la película correrá a cargo de Alexandre Desplat, 11 veces nominado al Óscar y ganador del preciado galardón en dos ocasiones por su trabajo en El gran hotel Budapest y La forma del agua. En tanto, Robert D. Yeoman será el director de Fotografía, viejo conocido de Wes Anderson luego de formar una gran dupla en Moonrise Kingdom y El gran hotel Budapest. Por último, el encargado del diseño de producción de la cinta será Adam Stockhausen, quien ha trabajado con Anderson en Isla de perros, Moonrise Kingdom y El gran hotel Budapest

Así que todas las cartas están sobre la mesa. Wes Anderson trabajará con el equipo que mejor conoce, lo cual nos asegura ese estilo visual inconfundible de las cintas del director, y tendrá el respaldo del que podría presumirse como el mejor elenco del 2020. Les dejo el tráiler para que se vayan preparando. Hasta aquí mi reporte.

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Mira aquí Hair Love, cortometraje ganador del Óscar

Mira aquí Hair Love, cortometraje ganador del Óscar

 

Todo comenzó cuando Mathew A. Cherry escribió el guion de Hair Love y decidió lanzar una campaña de Kickstarter para recaudar fondos y llevar su idea a la pantalla. Sí, Cherry no tuvo el apoyo de grandes productoras ni contó con un presupuesto millonario como el que suelen tener las películas gringas.

La meta establecida en Kickstarter fue de 75 mil dólares. No obstante, el proyecto tuvo tanto alcance y aceptación por parte de los usuarios de la plataforma que logró recaudar casi 300 mil dólares para la realización del cortometraje.

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Hoy, ese proyecto independiente que surgió como una idea descabellada (o cabellada, en todo caso) ha recibido el premio Óscar como Mejor Cortometraje Animado y ha llevado a su realizador hasta la cima del éxito.

Pero, ¿cuál es el principal acierto de Hair Love y por qué obtuvo el preciado galardón?

 

Primero, por ser una película con un guion escrito prácticamente sin diálogos (a excepción del video de la madre de la pequeña niña). El libreto de Hair Love ilustra perfectamente lo que se ha dicho siempre acerca de la escritura cinematográfica: una historia poderosa es aquella que lo dice todo mediante las acciones de sus personajes, sin necesidad de recurrir al diálogo (una vez más: a excepción, por supuesto, de los grandes maestros como Quentin Tarantino que se las sabe todas acerca de los diálogos y sus implicaciones).

Por otro lado, Hair Love es un corto que visibiliza un conflicto tan cotidiano como interesante: la manera de lidiar todos los días con el cabello, en especial con el cabello afro. Busca generar empatía con esta situación y reconfigurar la forma de afrontar la misma. No avanzaré más en este asunto porque llenaría estas líneas con spóilers. Sin embargo, es importante identificar tanto el guion como el fondo del relato como las principales armas que llevaron a Hair Love a obtener el Óscar.

Les dejo el cortometraje aquí:

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Mira en línea la primera película de Quentin Tarantino

Mira en línea la primera película de Quentin Tarantino

 

La pasión por los diálogos, las secuencias sangrientas, el cuidado de cada plano y el fetichismo por los pies femeninos, forman parte del estilo inconfundible de Quentin Tarantino. Sin embargo, esto no siempre fue así, su camino comenzó de manera distinta. 

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Cuando Quentin era un joven de 25 años y trabajaba en un videoclub llamado Video Archives, en Manhattan Beach, California, se unió a un proyecto cinematográfico planeado por su compañero Craig Hamann. El guion ya tenía sus primeras páginas, pero aún no estaba terminado. Hamann y Tarantino decidieron unir fuerzas para concluir el libreto y llevar a cabo la película.

Poco a poco, el proyecto pudo concretarse y Tarantino fue el elegido para dirigir la cinta. Así fue como nació My Bestfriend's Birthday, un mediometraje de 70 minutos, filmado en 16 mm, que retrata la historia de un tipo que quiere asegurarse de que su amigo pase un gran cumpleaños luego de una decepción amorosa. 

Aunque la obra fue realizada con un presupuesto de apenas 5 mil dólares, salió a flote y, si bien no fue la gran obra que sus autores esperaban, marcó el inicio de Quentin Tarantino en la realización cinematográfica.

Para mala fortuna del cineasta y de los espectadores, hoy sólo se conserva la mitad de la cinta, toda vez que un incendió consumió el resto del filme. Así que hoy sólo se puede ver una parte y jamás conoceremos la totalidad de la obra (a menos que alguien tenga guardado el guion original en alguna parte –prometo que intentaré rastrearlo para que puedan leerlo–).

No obstante, el fragmento que sobrevivió es un testimonio que debe apreciarse por haber marcado el inicio de uno de los cineastas más reconocidos de nuestro tiempo y por ser una prueba de algo muy importante: hasta los cineastas más grandes comenzaron su trayectoria con proyectos de bajo presupuesto, hechos con pura pasión.

Les voy a dejar la película y espero que les sirva de motivación para iniciar sus propios proyectos sin miedo al éxito.

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Cómo dirigir actores y no actores, por Alfonso Cuarón

Cómo dirigir actores y no actores, por Alfonso Cuarón

 

 

Las aguas se han calmado y ya no hay más discusiones acerca de Roma, de Alfonso Cuarón, que probablemente se postula como la película mexicana más controvertida de todos los tiempos.

Así que ahora podemos ver la cinta desde panoramas distintos, sin necesidad de volver a revivir las viejas rencillas. Y una de las cuestiones principales que valdría la pena recuperar es la manera en la que se llevó a cabo el rodaje de la película.

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Se sabe que Alfonso Cuarón decidió explorar y explotar las emociones del elenco sin develar el guion de la cinta. El libreto, por supuesto, existía; sin embargo, el director estaba convencido de que era mejor trabajar con la espontaneidad.

Pero, ¿cómo lograr que las escenas funcionen si el elenco no tiene idea de lo que “debe” ocurrir? Cuarón habló precisamente de esto en una entrevista que Jean-Christophe Berjon le realizó para Mi cine, tu cine, en el marco del 16º Festival Internacional de Cine de Morelia.

El director mexicano reveló algunas estrategias para dirigir actores –y no actores–; habló del proceso creativo necesario para realizar un rodaje sin guion; y rescató algunos datos curiosos como la reacción de Marina de Tavira al enfrentarse a una forma distinta de encarnar a un personaje.

Sin mayor preámbulo, les dejo la entrevista y les recomiendo hacer una segunda revisión de la película: en esta ocasión, con el ojo puesto en los elementos técnicos y/o como mero ejercicio didáctico –porque la postura que tengan sobre el contenido de la cinta no va a cambiar, lo puedo jurar, y no vale la pena agarrarse del chongo una maldita vez más–.

 

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Mira en línea todos los episodios de Los Simpson

Mira en línea todos los episodios de Los Simpson

 

Los Simpson no se crean ni se destruyen, sólo se transforman. La serie creada por Matt Groening ha sido transmitida de manera ininterrumpida durante 31 temporadas y parece que seguirá por muchos años más. Aunque lo bueno de Los Simpson, hablemos con sinceridad, se terminó con las primeras 10 temporadas, hoy sigue dando de qué hablar y se mantiene en el corazón de sus fieles seguidores.

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Sobre todo por las míticas predicciones del futuro: lo que pasa en Los Simpson, termina por pasar en la realidad. Y no es un asunto místico/mágico ni nada por el estilo, pero el fenómeno es interesante: esta serie es una sátira de la familia y de la sociedad en general y, curiosamente, la realidad termina en muchas ocasiones por ser idéntica a aquellos elementos que deberían permanecer únicamente en la ficción y en el humor del tipo de Los Simpson.

Pero bueno, sin mayor preámbulo, ¿qué les parece si armamos un maratón legendario? Les voy a dejar aquí el link en donde podrán encontrar todos los episodios de todas las temporadas de esta serie animada. Tal vez podamos encontrar nuevas predicciones o simplemente pasar un gran rato con Homero, Marge, Bart, Liza, Maggie y compañía. 

Por último, cuéntenme, ¿Los Simpson es su serie animada favorita? Argumenten su respuesta en los comentarios y que se arme la sana convivencia. En mi caso, no lo es, pero sí está entre las mejores. Me parece que marcó un antes y un después en la manera de hacer comedia y normalizó el pensar en la animación como un vehículo de entretenimiento no sólo para niños, sino también para adultos. ¡Muchas gracias, Matt Groening, te rifaste!

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Emma Tillinger, la productora detrás de Joker, The Irishman y Uncut Gems

Emma Tillinger, la productora detrás de Joker, The Irishman y Uncut Gems

 

El 2019 fue un gran año para el cine. Se estrenó lo nuevo de Scorsese, Tarantino, Almodóvar y Bong Joon-ho; concluyó la fase más exitosa de Marvel en el cine y se sentaron las bases para la siguiente; Todd Phillips salió de la comedia para incursionar en el drama con Joker; y, en fin, hubo de todo y para todos.

Por un momento, pareció que la democratización de la oferta cinematográfica de la que hablaba Scorsese hubiese sido atendida. Sólo queda esperar que en este 2020 la tendencia se mantenga y las carteleras nos satisfagan a todos.

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Pero antes de desviarme del tema principal de estas líneas, quiero hacer una mención especial para tres películas que se posicionaron entre lo más destacado del año: The Irishman, Joker y Uncut Gems.

La primera, The Irishman, es una obra que podría pensarse como una oda de Scorsese al cine de gángsters que llevó su carrera a la cima. En el caso de Joker, hay que destacar la arriesgada propuesta de crear una película basada en el personaje de un cómic sin supeditarse a las exigencias de los universos cinematográficos. Y, por último, Uncut Gems, una cinta despreciada por las pomposas ceremonias de premios, es uno de los relatos más fascinantes del 2019: su ritmo vertiginoso y la manera de generar tensión mediante breves y sutiles pausas la transforman en una de las mejores películas de los hermanos Safdie.

Ahora, ¿qué tienen en común estas tres cintas? Curiosamente, este tridente de joyas fue producido por la misma persona: Emma Tillinger Koskoff (El lobo de Wall Street). La productora estadounidense ha sido el motor principal de las películas de Martin Scorsese al menos desde el 2006, cuando puso en marcha el proyecto de Los Infiltrados.

En esta ocasión, además de ser parte de la producción de The Irishmanjunto con el mexicano Gastón Pavlovich–, también participó codo a codo con el equipo de Joker para llevar a buen puerto la arriesgada propuesta y, además, fue productora ejecutiva de la obra protagonizada por Adam Sandler: Uncut Gems.

Así que mucho de lo bueno del 2019 se lo debemos a ella. Emma Tillinger Koskoff decidió sacar adelante tres proyectos completamente distintos entre sí y lo logró de forma magistral.

Prácticamente, Tillinger es la representación viva de la democratización antes mencionada. ¿A ustedes les gustaron las películas que produjo durante el 2019? Los leo en los comentarios.

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