Consejos de Cine, por Guillermo del Toro

Consejos de Cine, por Guillermo del Toro

 

Guillermo del Toro tiene una característica muy especial: siempre tiene las palabras precisas para el momento preciso. Sin planearlo, cuando habla frente a las cámaras, o por Twitter o como sea, pronuncia frases entrañables que se quedan en la memoria.

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Prácticamente, se la pasa dando consejos sin saberlo. Se ha convertido en una voz autorizada del cine y de la vida misma. Si ya de por sí logra inspirar a propios y extraños a través de sus películas, también lo hace mediante sus discursos: en defensa de los migrantes, de las historias personales, del arte en general.

Entre los consejos que Guillermo del Toro me ha dado (repito: sin saberlo) tengo grabados dos especialmente. El primero tiene que ver con la escritura de un libreto cinematográfico. Dice del Toro que todo lo que se escriba en un guion “debe ser comprobable por la cámara o por el micrófono”. Así se evita uno un montón de paja y produce un texto muy bien diseñado, que puede ser interpretado en un set.

El segundo está relacionado con la felicidad. Dice Guillermo del Toro algo como esto: no importa a dónde llegues, siempre que llegues haciendo lo que disfrutas. Él decía que obtuvo dos premios Óscar porque decidió llevar al cine una historia que ama. Una mujer sordomuda se enamora de un dios anfibio del Amazonas.

“Sería un fracaso haber obtenido estos premios por haber realizado un documental de la vida y obra de Luis Pasteur”, bromeaba del Toro.

Y sé que parece un poco cliché esto de dedicarse a lo que te gusta. En la mayoría de las ocasiones es algo imposible. Pero nunca está demás tenerlo presente, por si acaso.

Este par de cuestiones surgieron de una clase magistral que, me parece, ofreció en Guadalajara. Así que anduve buscando eventos de este tipo en internet y me topé con esto: se trata de la primera clase magistral que Guillermo del Toro ofreció en la 15ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).

Les voy a dejar el video acá abajo. Como mencioné, el cineasta mexicano no para de dar consejos: de cine, de la vida, del arte en general. ¡Que lo disfruten!

Por: Fernando Valdez

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Maratón de Cine Mexicano, por FilminLatino

Maratón de Cine Mexicano, por FilminLatino

 

Hoy es un día de fiesta porque se celebra el Día Nacional del Cine Mexicano. Y qué mejor manera de festejarlo que con un maratón patrocinado por los patriotas de FilminLatino.

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En esta ocasión, la plataforma de streaming se lució con una selección de películas nacionales que estarán disponibles durante todo este día. Algunas permanecerán en el sitio durante, al menos, una semana más.

Les cuento: podrán encontrar joyas como El sueño de Mara’akame (2016), de Federico Cecchetti, cinta ganadora del premio Ariel a Mejor Ópera Prima en el 2017; El lugar sin límites (1977), de Arturo Ripstein, adaptación de la novela homónima de José Donoso; y Llámenme Mike (1979), de Alfredo Gurrola, una sátira de las películas gringas de género negro; entre muchas más.

Incluso, por ahí aparece un título que no pertenece al cine nacional, pero que fue ampliamente reconocido por la crítica mexicana y se llevó el premio Ariel a Mejor Película Iberoamericana en este año. Se trata de Pájaros de Verano (2018), de Cristina Gallego y Ciro Guerra, una cinta que retrata el boom del narcotráfico en Colombia desde la perspectiva de una familia wayuu.

Así que ya saben, es momento de preparar las palomitas y buscar su frazada favorita para acurrucarse y ser parte de esta jornada maratónica. Les voy a dejar el link para que vayan directamente a la selección mencionada. Píquenle aquí.

Por otro lado, Filmadores se ha sumado al festejo y por eso les voy a dejar un capítulo de Historia(s) del Cine, dedicado, precisamente, a la Historia del Cine Mexicano. Para que lo añadan a su maratón mexicanísimo. En éste podrán encontrar los sucesos que edificaron el cine nacional y los mitos que han surgido a raíz del mismo.

¡Feliz Día Nacional del Cine Mexicano!

 

Por: Fernando Valdez

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Festival Internacional Stop Motion MX

Festival Internacional Stop Motion MX

 

Del 15 al 17 de agosto del 2019 se llevará a cabo la 6ª edición del Festival Internacional Stop Motion MX en distintas sedes de la capital mexicana: el Centro Nacional de las Artes, el Centro de Capacitación Cinematográfica, el Centro de Cultura Digital, el Faro Indios Verdes, el Centro Cultural El Rule,  la Universidad de la Comunicación y la Facultad de Cine.

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Es un evento dedicado al tema de la animación en general. Aunque, por supuesto, tiende a enfocarse en la animación fotograma a fotograma. Habrá conferencias, talleres, clases magistrales, proyecciones, exhibiciones y un montón de actividades im-per-di-bles.

El festival reunirá a cineastas, estudios profesionales y a gran parte de la comunidad internacional stopmotionera. Es un festejo que no sólo sirve como un espacio para empaparse de cultura y conocimiento acerca del stop motion y otras técnicas de animación; sino también para generar redes de trabajo entre los asistentes y los profesionales que se presentan como parte de la programación.

Para que se den una idea, por ahí saltan los nombres de Barry Purves, ganador del Óscar a Mejor Cortometraje Animado; Matias Liebrecht, cuyo estudio de animación ha participado con Laika en cintas como Kubo y The Boxtrolls y que, además, ha sido parte de películas de Tim Burton, Wes Anderson y otros grandes realizadores; y Damien Pousse, director creativo Just Dance, que dará una conferencia magistral sobre UX en el desarrollo de videojuegos.

Esto es sólo una probadita de todo lo que abarcará el Festival Internacional Stop Motion MX. Les voy a dejar el link para consulten la programación completa aquí y armen su itinerario.

Para cerrar con broche de oro, les dejo un capítulo de Historia(s) del Cine con la Historia del Stop Motion: pioneros, películas y todo lo que necesitan saber acerca del surgimiento y consolidación de esta fascinante técnica.

 

Por: Fernando Valdez

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Mira en línea todos los capítulos de Los Cuentos de la Calle Broca

Mira en línea todos los capítulos de Los Cuentos de la Calle Broca

 

Cuando era niño me gustaban los viernes de “junta de consejo técnico” porque se cancelaban las clases y yo podía quedarme acostado y prender la televisión. Sí, se notaba a leguas que después me iba a convertir en un ñor netflixero.

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Encendía la tv y casi siempre encontraba El Coyote y el Correcaminos o Tom y Jerry en la programación. Pero a veces, cuando me desesperaba tanta repetición, porque prácticamente todos los capítulos son iguales, le ponía a Canal Once y me encontraba con una joya: Los Cuentos de la Calle Broca.

Una serie animada de fábulas y relatos fantásticos que marcaron mi infancia y la de toda mi generación. Es una producción francesa creada por Alain Jaspard, Gilles Gay y Claude Allix en 1995, basada en las narraciones homónimas de Pierre Gripari –por eso el personaje del señor Pierre­, que es el metiche que se la pasa contando historias en la tienda de Papá Said–.

Bueno, no es un metiche, es un cliente, pero está claramente enganchado en el vicio del consumismo salvaje, porque se la pasa en la tienda todo el tiempo. Y la tienda bien podría ser como Amazon o algo así. ¡Ah, estoy desvariando!

Es una broma. Aunque es muy probable que Los Cuentos de la Calle Broca tengan implicaciones que van más allá del entretenimiento de un niño que no tiene clases los viernes.

¿Saben qué? Estaría bueno armar el maratón de la serie y luego discutir en equipos acerca del contenido de cada relato. En una de ésas, el señor Pierre, Bachir, Nadia y Papá Said resultan personajes de trasfondo oscuro.

Así que les voy a dejar aquí el link para ver todos los episodios de Los Cuentos de la Calle Broca. Son 26 en total, repartidos en dos temporadas. Sí, al final terminaban por repetirse en televisión y por eso los seguía campechaneando con Tom y Jerry.

¡Que los disfruten!

Por: Fernando Valdez

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Vuelve al cine Conozca la Cabeza de Juan Pérez, de Emilio Portes

Vuelve al cine Conozca la Cabeza de Juan Pérez, de Emilio Portes

 

Conozca la Cabeza de Juan Pérez, ópera prima de Emilio Portes (Belzebuth), tiene una de las sinopsis comerciales más chingonas de la comedia mexicana. Dice: “Alejada de su cuerpo, la cabeza del mago Juan Pérez empieza a recordar cómo terminó decapitada…”

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Uno se imagina de inmediato la tremenda historia que se avecina. Pero lo que más llama la atención es: ¿cómo rayos le van a hacer para retratar eso en la pantalla? No les voy a contar cómo le hicieron porque no quiero convertirme en el tío de los spóilers; lo que sí les voy a decir es que la cinta se llevó 4 premios Ariel en el 2010, entre los cuales destacan Mejores Efectos Especiales y Mejores Efectos Visuales.

Por cierto, ¿cuál es la diferencia entre efectos especiales y efectos visuales? En el primer caso, se toman en cuenta todos los efectos que se aparecen frente a la cámara, que se graban de verdad; es decir, aquellos que no se añaden después del rodaje, en el proceso de edición (posproducción).

En el segundo caso sucede lo contrario. Los efectos visuales son los que se agregan luego del rodaje.

Y bien, Conozca la Cabeza de Juan Pérez es una gran película para los amantes de la comedia, para los que buscan cine mexicano del bueno y para los que gustan de encontrarse con efectos especiales y/o visuales bien logrados.

Les cuento todo esto porque ayer se inauguró la 4ª edición de 24 risas por segundo, Festival de Cine y Comedia y en el programa alcancé a ver que Conozca la Cabeza de Juan Pérez estará proyectándose esta noche en el Autocinema Coyote de Insurgentes Sur.

Me emocioné muchísimo. Observar esta película en la pantalla grande es algo que no sucede todos los días. Y además la experiencia debe ser mucho mejor en un autocinema, pues te puedes carcajear y soltar patadas sin molestar a nadie, en la comodidad de la privacidad absoluta del interior de tu auto.

¡Nos vemos allá!

Por: Fernando Valdez

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Distanciamiento Brechtiano, ¿qué es y con qué se come?

Distanciamiento Brechtiano, ¿qué es y con qué se come?

 

Para contar una historia, ya sea a través del cine o de manera escrita o cualquiera que sea el método, es común que uno se preocupe por crear personajes y situaciones con los que el espectador genere un fuerte lazo de empatía.

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El éxito, en ese sentido, se vería reflejado en el momento en el que el receptor pasa por un proceso catártico a causa de una total inmersión en la obra.

Pero existen piezas cuya intención es distinta. Están cargadas de contenido de denuncia; buscan provocar la reflexión acerca de la sociedad, la política, la realidad misma, etc.

Tal es el caso de la obra íntegra de Bertolt Brecht, dramaturgo alemán cuya vena política, de lucha social, quedó impregnada en cada una de sus líneas. No está de más recordar que fue perseguido por el régimen nazi, toda vez que el autor alzó la voz en contra de Hitler y sus tropas.

Para Brecht, el éxito del contenido que producía era diferente. No se enfocaba en la generación de personajes y situaciones que hicieran surgir la empatía exacerbada. Lo que proponía era un modelo estructural que mantuviera al espectador alejado de los acontecimientos.

Me explico: a esto se le conoce como “Distanciamiento Brechtiano”. Bertolt Brecht estaba convencido de que el público necesitaba distanciarse de la obra de tal manera que observara cada situación de manera objetiva.

La empatía y la catarsis, según Brecht, provocan la pérdida de perspectiva. Por ello, si la intención de la obra es sembrar la reflexión (o incluso la acción) ante la crudeza de la realidad representada en el mundo ficticio, el autor debe trazar una barrera que suprima lo emocional entre el público y la misma pieza.

Por supuesto, el Distanciamiento Brechtiano funciona bien con un nicho específico de contenido, como ya apuntaba antes. La obra de Brecht surge por la necesidad de denunciar la ponzoña de la realidad en la que vivía (y vivimos). Y, justamente, es en estos casos donde podría aplicarse de forma efectiva.

De otro modo, si se apelara a la empatía, el contenido de la obra, por más crudo que sea, podría romantizarse.

¿Qué les parece? ¿Conocen películas que no generen lazos de empatía con los espectadores? Los leo en los comentarios.

 

Por: Fernando Valdez

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La importancia del montaje y el Efecto Kuleshov

La importancia del montaje y el Efecto Kuleshov

 

El cine es como la memoria. Un recuerdo es un acopio de imágenes que la mente obtiene de una experiencia para luego estructurarlas y darles sentido. Una especie de secuencia cinemática que la memoria realiza de forma automática.

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La memoria trabaja de forma similar a un realizador cinematográfico. Captura imágenes y después las une para proveerlas de sentido, justo como pasa en el cine con el montaje.

El montaje es la unión de las piezas logradas durante el rodaje; el instrumento para crear un ‘todo’ mediante múltiples partes. Una película se compone de distintas tomas que el realizador ha reunido de manera particular; les ha dado un orden pensado específicamente para darles el sentido que requiere la historia o el filme en general.

Uno de los grandes estudiosos del montaje, Lev Kuleshov, realizó un experimento en los años 20 que demostró la influencia del montaje en el sentido de cada imagen de una película.

La cosa funcionó de la siguiente manera: filmó el rostro inexpresivo de un actor (Iván Mozzhujin) que veía directamente hacia la cámara. Posteriormente, superponía una imagen distinta. Después volvía al actor. Y así, sucesivamente.

Realizó el mismo experimento con 3 imágenes diferentes superpuestas al primer plano y descubrió que los espectadores interpretaban la inexpresividad del actor de maneras distintas de acuerdo a la imagen sucesora.

A esto se le conoce como el Efecto Kuleshov. El efecto que el montaje tiene sobre el sentido que le otorgamos a las imágenes.

Posteriormente, Sergei Eisenstein, que era alumno de Kuleshov, y otros grandes cineastas, ahondaron en este tema y dedicaron sus estudios a este experimento y al montaje en general.

Pero, para que esto se entienda mejor y puedan ver de qué se trata el Efecto Kuleshov y cómo se hizo el experimento, les dejo el primer capítulo de Historia(s) del Cine, dedicado precisamente a este asunto.

Por: Fernando Valdez

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Introducción a la realización cinematográfica, por Quentin Tarantino

Introducción a la realización cinematográfica, por Quentin Tarantino

 

Luego del estreno de Inglorious Bastards, hace casi 10 años, Quentin Tarantino ofreció una plática en donde trató distintos temas particulares de la película. Los asistentes le lanzaban preguntas y él se explayaba al responderlas.

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La idea era, por supuesto, meterse con asuntos relacionados meramente con esta cinta; una especie de charla promocional de la misma. Sin embargo, el director (que es todo un nerd desquiciado del cine, en el buen sentido) fue más allá y, tomando como base Inglorious Bastards, trató temas del séptimo arte en general.

Esto podría pasar a la historia como una clase exprés del director por distintas razones: habló de su proceso de escritura, del rodaje, de la elección de actores para interpretar a sus personajes, etc.

Es decir, dio un pequeño curso intensivo acerca de lo que debe cuidar un realizador cinematográfico, los obstáculos que enfrenta, los desafíos en el set, entre otras cosas.

Como todo mundo sabe, Quentin Tarantino no sólo dirige, también escribe los libretos de las películas en las que se inmiscuye y, en ocasiones, le entra a la producción.

Así que aquella breve charla podría considerarse, incluso, como un testimonio pedagógico de introducción a la práctica del cine.

Una década después, está por estrenarse Once Upon a Time in Hollywood (¡kemosión!), el noveno filme de Tarantino. Y como no creo que vaya a darse una vuelta por las salas para repetir el acontecimiento mencionado, les voy a dejar aquí abajo el video.

 

ADVERTENCIA!

El video está en muy baja calidad (240p), cualquier comentario o mentada de madre que esto provoque, no olviden contactar directamente al canal de YouTube que lo contiene.

Por: Fernando Valdez

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3 cosas que no sabías sobre Coraline

3 cosas que no sabías sobre Coraline

 

¿Coraline (2009) es una película para niños? No lo parece. Aunque la campaña publicitaria que se armó antes de su estreno así lo apuntaba, una vez que llegó a la pantalla grande todo mundo pegó un grito en el cielo. Es un universo totalmente aterrador.

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Y es que era de esperarse: la cinta está basada en la novela homónima de Neil Gaiman, autor de historias como American Gods, The Sandman, entre otras. Aunque tiene relatos e historietas de distintos géneros, es un escritor que tiende a crear mundos de tintes oscuros y espantosos.

Así que la película causó severos traumas en la comunidad infantil (ok no), pero a los demás les dejó un muy buen sabor de boca. La ópera prima de Laika es hoy una cinta de culto que debe estar en la filmoteca de cualquier cinéfilo y por ello les contaré algunas cosas que (probablemente) no sabían de la película.

1.  Al inicio del proyecto, Coraline había sido pensada como una película en live action. Sin embargo, Henry Selick, director de la cinta, propuso realizarla de forma animada, pues le parecía que los animales que aparecen en distintas escenas no podrían ser logrados de otra forma. 

Incluso, al principio de todo, se había tomado en cuenta a Dakota Fanning para protagonizar la película. Cuando optaron por realizarla en stop motion, se decidió que la joven actriz continuara en el proyecto y prestara su voz para el personaje de Coraline

 

2. Una de las técnicas más utilizadas en el stop motion es la técnica de Sustitución. Consiste en elaborar un montón de piezas distintas de un personaje –específicamente de su rostro–, que denoten emociones y gestos distintos. Así, el rostro se sustituye una y otra vez de acuerdo a la escena que se desarrolle. 

En el caso de Coraline, el equipo contaba con más de 15 mil piezas distintas del rostro de los personajes. Más de 6 mil de éstas pertenecían a la protagonista.

 

3. El cuidado de cada detalle es esencial en la elaboración de una cinta como Coraline. Por ello, el equipo de producción contactó a Deborah Book, quien fue contratada para realizar el diseño de vestuario en miniatura para cada uno de los personajes. 

En este video pueden conocer el proceso creativo de esta genial diseñadora.

 

Por: Fernando Valdez

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Cine y surrealismo, por Jan Švankmajer

Cine y surrealismo, por Jan Švankmajer

 

El surrealismo es, grosso modo, una corriente artística que deforma los límites de la realidad hasta volverla irracional. En el cine, no hay mejor exponente de lo surreal que Jan Švankmajer, realizador checo que ha dedicado su carrera a la animación fotograma a fotograma –mejor conocida como stop motion–.

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Sus cortometrajes entregan relatos extrañísimos: comensales que devoran los platos y cubiertos, así como las mesas, en lugar de la comida; una lucha entre un montón de verduras contra un grupo de utensilios escolares; etc.

Situaciones que precisamente destacan por su irracionalidad, a simple vista. Aunque, por supuesto, tienen implicaciones (políticas, sociales, etc.) y significados que van mucho más allá de un mundo alucinante y deformado.

Por otro lado, ¿no es el stop motion la técnica más surrealista para hacer cine? Capturar imágenes de objetos estáticos y después, mediante el montaje, hacer que éstos parezcan estar en movimiento. Es el camino más largo e irracional (en el sentido surreal de la palabra).

Mezclar este tipo de narraciones con esta técnica de animación no es sencillo. Sin embargo, Jan Švankmajer logra entregar producciones bien logradas y, además, tremendamente entretenidas. Sus cortometrajes tienen millones de reproducciones en internet y, en general, su trayectoria lo coloca como uno de los mejores cineastas de nuestro tiempo.

Es importante darle énfasis al asunto del entretenimiento. Ya decía Hitchcock que “el cine es cuatrocientas butacas que llenar”. Hoy podemos manipular la frase y cambiar las butacas por views, pero el sentido es el mismo.

Jan Švankmajer, entonces, además (o a pesar) de llevar el surrealismo al extremo, consigue masificar sus producciones y, mediante lo irracional, explorar asuntos que pertenecen al campo de la realidad cruda y compleja en la que se encuentra la sociedad.

Y bueno, hace un año vino a México y ofreció una clase magistral para hablar acerca de su quehacer cinematográfico, se las dejo aquí para que le entren de lleno al tema.

Por: Fernando Valdez

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