La importancia de la paleta de colores en el cine

La importancia de la paleta de colores en el cine

 

 

En esta ocasión, me complace presentarles un capítulo más de la serie que está en boca de toda la comunidad de nuevos realizadores. Me refiero, por supuesto, a: Escuela para Cineastas. En esta producción de Filmadores, podrán aprender un montón acerca de todas esas disciplinas que forman parte del cine. Desde cómo estructurar un guion al mero estilo de Christopher Nolan, hasta cómo encontrar la paleta de colores perfecta para que sus cortos queden bien pinches bonitos los cabrones.

Precisamente, en este episodio de Escuela para Cineastas, se revisará la importancia del color en una producción audiovisual. Y es que la paleta de colores que se elige para una película no sólo está relacionada con el aspecto de las imágenes que la componen, sino también con aquellas implicaciones del color en la creación de atmósferas y en la forma en que el público interpreta, inconscientemente, el mood de las acciones que se desarrollan en la pantalla.

Así que, si quieren saber más sobre la paleta de colores y obtener algunos tips para elegir los colores que mejor podrían funcionar para las escenas de esos cortometrajes que tanto han soñado, este capítulo es para ustedes.

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Y otra cosa, si les gustó Escuela para Cineastas, no olviden suscribirse al canal de YouTube de Filmadores y activar la campanita para recibir todas las actualizaciones. Allí podrán encontrar un montón de contenido para aprender más acerca del séptimo arte y poner en práctica distintas habilidades que irán adquiriendo en el camino. 

Por cierto, ¿de qué otros temas les gustaría que habláramos en el canal? Los leemos en los comentarios.

Ahora sí, aquí va el capítulo prometido. ¡Que lo disfruten!

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Los 5 mejores slashers para maratonear

Los 5 mejores slashers para maratonear

 

 

Filmadores, aunque todavía no es Halloween, eso no importa, cualquier momento es bueno para maratonear con algunos buenos slashers, ese subgénero del cine de terror en el que principalmente vemos muertes a puñaladas y en el que digamos hemos aprendido que una de las reglas para sobrevivir en una película de este tipo es, mantenerse sobrio y no tener sexo.

 

HALLOWEEN (1978)

 

Quizá sea la película más conocida de John Carpenter, en ella vimos debutar a Jamie Lee Curtis y aunque inicialmente muchos no confiaban en que tendría éxito, logró convertirse incluso hasta en una fructífera franquicia, de hecho, el próximo Halloween y también en 2021 tendremos nuevas entregas de la saga.

FRIDAY 13TH (1980)

 

Jason Vorhees, es después de Michael Myers, uno de los personajes más famosos del slasher.

Curiosamente, quizá muchos ya lo saben y otros no, en la primera entrega de Viernes 13, él no es quien comete los homicidios.

A diferencia de Halloween, Viernes 13 nos ha mostrado toda una evolución del personaje de Vorhees, ya que hasta hay una entrega que se desarrolla en el espacio. Próximamente les compartiremos un video de la evolución de Jason Vorhees.

Y además, en Viernes 13, en la primer película de la franquicia, vimos debutar a Kevin Bacon.

 

MADMAN (1981)

 

Si vieron la novena temporada de American Horror Story, titulada “1984”, seguro identificaron varias de las películas slasher en las que se inspiraron para realizarla. Bueno pues Madman es justo el personaje loco, asesino que va tras los consejeros de un campamento, tal como también ocurre en la serie AHS 1984.

 

THE BURNING (1981)

 

Pues sí, tal parece que en los 80 era muy común que las cintas slasher se desarrollaran en un campamento, porque ésta, también es la misma historia que Viernes 13 y Madman, un grupo de jóvenes son asesinados durante un campamento de verano, a las orillas de un lago.

Aquí, un consejero que sufrió bullying, vuelve para cobrar venganza, así como la mamá de Vorhees y luego Jason, lo hacen, porque se burlaban de él.

 

CHUCKY (1988)

 

Con su cuchillo como arma favorita, porque a lo largo de la cinta y de la saga, ha empleado otras herramientas para asesinar, el muñeco diabólico atrapó a toda una generación en los 90.

He de decirles que, en lo personal, sí me gustó la nueva versión estrenada en 2019. Porque nos muestra el reflejo de la maldad que hay en la humanidad y cómo ésta puede ser aprendida.

En la versión original, de 1988, en realidad el muñeco tiene toda la maldad de Charles Lee Ray, un asesino serial que gracias a la magia vudú, le pasa su alma al muñeco.

Por Dany Boo

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Consejos para nuevos escritores, por Alan Moore

Consejos para nuevos escritores, por Alan Moore

 

Dedicarse al arte, en general, y a la escritura, en particular, es un acto de valentía. Es muy difícil vivir del arte en un sistema cuyos valores están enfocados en la sobreproducción de bienes materiales. En este sentido, escribir es un vehículo cargado de rebeldía. Los mundos, las historias y los personajes que surgen de la pluma no pertenecen al terreno material, sino al plano de las ideas. Por ello, la escritura juega un papel esencial en la sociedad actual, pues representa un discurso que no se supedita a los valores acartonados que jerarquizan los bienes tangibles por encima de las relaciones humanas, del arte, de los sueños, etc.

Por otro lado, como en todo, existen ciertas contradicciones. Para dedicar la vida al arte es necesario generar los recursos indispensables tanto para vivir como para continuar con la práctica de la disciplina que fuere. Precisamente de este tema habla Alan Moore en la siguiente entrevista. El creador de Watchmen y de V de Venganza realiza una reflexión acerca de las implicaciones de las palabras, de la práctica de la escritura, de las contradicciones de la misma y de cómo debe enfrentarse un escritor a su labor como creador.

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Es un testimonio imperdible para todo apasionado de la escritura y del arte en conjunto. Quizá no encuentres la fórmula del éxito en las palabras de Alan Moore, pero sí que encontrarás la inspiración y el impulso necesarios para seguir tus sueños en el terreno artístico.

¡Sigue escribiendo, sigue filmando, sigue haciendo lo que te apasiona y hallarás la felicidad! Nos leemos pronto.

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Diferencias entre un productor y un productor ejecutivo

Diferencias entre un productor y un productor ejecutivo

 

 

El cine es un trabajo en equipo y hay muchas personas involucradas en la realización de una película. El guionista, que escribe la historia que se llevará a la pantalla; el cinefotógrafo, que se encarga de la iluminación y del aspecto de las imágenes; el director, que lleva la batuta de la forma en la que se llevará a cabo cada toma; etc.

Grosso modo, todo mundo está familiarizado con estos roles del medio cinematográfico. Sin embargo, existe un papel en especial que siempre provoca confusión: el del productor de cine. ¿Qué rayos hace un productor de cine? Es la pregunta del millón. Y la cosa se pone peor cuando uno descubre que hay diferentes tipos de productores. El productor ejecutivo y el productor así nomás, a secas.

Pues bien, si esta cuestión te quita el sueño y tus ojeras ya te llegan hasta las rodillas, aquí vamos a esclarecer este asunto para ayudarte a dormir y a saber más acerca de la producción cinematográfica.

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Si quieres ver más videos como el siguiente, no olvides suscribirte al canal de YouTube de Filmadores, donde podrás encontrar contenido excelente y afilar tus habilidades y conocimientos. Para que tengas una idea, puedes adentrarte a profundidad en temas que van desde la Historia del cine hasta la importancia de la paleta de colores en una película.

Y ahora sí, veamos qué hace un productor de cine y cuáles son las diferencias entre el rol del productor ejecutivo y el del productor. 

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Cómo crear a un superhéroe en 3 pasos, por Stan Lee

Cómo crear a un superhéroe en 3 pasos, por Stan Lee

 

 

Toda buena historia debe tener a un personaje central. Éste, a su vez, debe tener una meta que alcanzar. Ambos elementos, el personaje central y su objetivo, son esenciales para comenzar a escribir un relato. Una vez que uno tiene bien claro lo anterior, puede empezar a planear los obstáculos que el personaje enfrentará para llegar a la meta que se ha planteado.

Pues bien, comencemos con lo primero: la creación de un personaje. Para ello, me tomaré la licencia de recurrir a uno de los creadores más geniales que el mundo ha engendrado: Stan Lee. El genio creativo de Marvel Comics fue el responsable de personajes como Hulk, Iron Man, Capitán América, los X-Men y Spider-Man, entre otros.

Es precisamente el caso del superhéroe arácnido el que más llama la atención. Stan Lee ha narrado en repetidas ocasiones cómo fue que le dio vida a este personaje y cuáles fueron los elementos que tomó en cuenta para darle forma a sus fantásticas características.

Entonces, aquí revisaré los 4 pasos que, según Stan Lee, se requieren para crear a un superhéroe como Spider-Man.

 

 

1. Pensar en un superpoder

Parece una obviedad, pero no lo es. Un superpoder no es sólo una característica física esencial de un superhéroe; sino también un componente que aporta mucho a la creación global de su historia. Definir el superpoder que le darás te ayuda a pensar, por ejemplo, en cómo lo obtuvo –y esto te lleva a crear el background del personaje–; en qué tipo de metas podría tener de acuerdo con sus cualidades sobrehumanas; etc.

Además, precisar el tipo de superpoder de tu personaje contribuirá a encontrar el nombre perfecto para el mismo.

 

 

2. Darle problemas personales

Más allá de las propias condiciones extraordinarias de un superhéroe, que ya de por sí representan un conflicto, es necesario darle cierta complejidad al personaje. Ya tienes definido su superpoder y esto te ayudará a generar sus características físicas; ahora toca desarrollar sus rasgos psicológicos.

Piensa en los problemas personales de tu personaje y esto desencadenará en la precisión de asuntos como su carácter, su manera de enfrentarse a la realidad, sus actitudes, sus miedos, sus inseguridades, sus manías y muchos otros elementos que sirven para crear su historia

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3. Confia en tu idea

Tu personaje está casi listo, tanto física como psicológicamente, lo que sigue es definir una meta que quiera alcanzar y meterlo de lleno en un relato que lo lleve a enfrentarse con los aspectos que has definido anteriormente y con el mundo que lo rodea.

En este sentido, Stan Lee es claro. Confía en tu personaje, confía en tu historia, confía en tus ideas. "Si tienes una idea que realmente te parece buena, no dejes que ningún idiota te convenza de dejarla".

 

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Planos de cine inspirados en pinturas famosas

Planos de cine inspirados en pinturas famosas

 

El cine es producto de la mezcla de distintas disciplinas artísticas: la fotografía, la música, la actuación, la literatura, etc. Por ello, es común que los realizadores se inspiren en otras expresiones para llevar a cabo una película.

La literatura, por ejemplo, es fuente inagotable de mundos e historias que han sido llevados a la pantalla. La música, por su parte, además de ser elemento central para la creación de atmósferas en el cine, ha sido el motor central de muchos relatos y películas que conocemos: The Jazz Singer (1927), primera película hablada en la Historia del cine; Whiplash (2014), nominada al Óscar a Mejor Película; entre otras.

Y así, podríamos encontrar cientos de ejemplos de cintas creadas a partir de otras artes y disciplinas. Sin embargo, en esta ocasión nuestro foco de atención se centrará en la pintura. Por su carácter visual, el cine ha tomado como fuente de inspiración a distintas obras pictóricas e incluso les ha rendido homenaje mediante sus propias imágenes.

Aquí, te voy a presentar 5 imágenes del cine que son un tributo a pinturas famosas y que, probablemente, habías pasado por alto. Lo mejor de todo es que estas imágenes no sólo se inspiraron en las obras plásticas –emulando su estilo–, sino que las replicaron de la forma más fiel posible en la pantalla. Vamos allá:

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  • Shutter Island  (2010), de Martin ScorseseEste momento icónico está inspirado en "El beso" (1908), de Gustav Klimt.

 

  • Melancholia  (2011), de Lars von Trier. Imagen que rinde tributo a Ofelia (1851), de John Everett Millais.

 

  • The Truman Show  (1998), de Peter Weir. El momento final de la película está basado en "Architecture au clair de lune" (1956), de René Magritte.

 

  • La ricotta  (1962), de Pier Paolo Pasolini. Esta impactante imagen se inspiró en el "Descendimiento de Cristo" (1521), de Rosso Fiorentino.

 

  • Dunkirk (2017), de Christopher Nolan. Este momento de la cinta rinde homenaje a "El caminante sobre el mar de nubes" (1918), de Caspar David Friedrich.

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Mira en línea Los olvidados, de Luis Buñuel, totalmente gratis

Mira en línea Los olvidados, de Luis Buñuel, totalmente gratis

 

 

No existe ningún villano más perverso que el Covid-19; excepto el "Jaibo", ese cabrón no tiene madre. Roberto Cobo interpretó a uno de los personajes más complejos y malvados de la filmografía de Luis Buñuel en aquella película que ganó el premio a Mejor Director en el Festival de Cannes, en 1951: Los olvidados.

Una obra que refleja la crudeza de la vida cotidiana de los sectores más vulnerables de México y que tiene el gran acierto de hacer un retrato fiel de las condiciones de pobreza y violencia sin romantizar la tragedia que esto supone.

En el México de los años 50, esto vino a romper con el ánimo nacionalista del cine de la época. El propio Jorge Negrete, por mencionar un ejemplo, hizo un berrinche monumental, pues según él la película denigraba la imagen del país.

Vale recordar que, en la década del estreno de Los olvidados, vieron la luz películas como Nosotros los pobres, Dos tipos de cuidado, entre otras. En el primer caso, la historia plantea el valor de ser honesto, trabajador y honrado a pesar de las carencias: refleja la pobreza como un elemento central para tener en especial estimación otros asuntos como el amor fraternal y la posibilidad de echarse unas canciones mientras se trabaja de sol a sol. En el segundo, se enaltece la figura del charro mujeriego y se narran sus "devastadores" conflictos de amores.

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La cinta de Buñuel rompió esta burbuja y develó la dolorosa tragedia de vivir en condiciones de miseria en los barrios de la Ciudad de México. Por esto, se ganó algunos enemigos; sin embargo, hoy es considerada como una de las mejores películas tanto del director como del cine en general.

Sin mayor preámbulo, les dejo aquí la película completa. ¡Que la disfruten!

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Nuevas normas para volver al set después de cuarentena

Nuevas normas para volver al set después de cuarentena

 

"¿Cuándo volveremos a la normalidad?", le preguntaron a Hugo López-Gatell en alguna entrevista. "Lo más probable es que nunca", sentenció el subsecretario de Prevención y Promoción de la Salud. Posteriormente, explicó que la única solución a la crisis actual y a los posibles rebrotes de éste (Covid-19) y otros virus es adaptarse a una nueva forma de lidiar con la vida y con las relaciones humanas.

En algún momento, el periodo de distanciamiento social y las regulaciones oficiales que procuran mitigar la velocidad de contagio del Covid-19 tendrán que concluir. Sin embargo, será inevitable implementar estas medidas de manera personal: lavarse las manos, mantener una sana distancia, desinfectar superficies, etc. Será algo difícil, pues la cultura mexicana –y latinoamericana en general– es una cultura de cercanía, de contacto físico, de apapachos. No obstante, explicó López-Gatell, será un proceso de adaptación similar a otros que ya hemos vivido, como acostumbrarse a vivir en una zona sísmica, por ejemplo.

Ahora bien, sabemos que esto tendrá implicaciones en todas las actividades sociales, culturales, laborales, etc. Pero, ¿qué pasará en el caso particular del trabajo en un set cinematográfico? Las medidas mencionadas anteriormente parten de la experiencia que se ha adquirido a lo largo de la contingencia y tendrán que ser asumidas de acuerdo a la consciencia de cada individuo. Sin embargo, lo que se espera es que la Secretaría de Salud y los organismos oficiales emitan algún tipo de reglamento protocolario que garantice la salud de todo el equipo que participa en el rodaje de una película.

Por supuesto, esto no ha ocurrido todavía. La jornada de distanciamiento social sigue en marcha y no es momento de adelantarse a la situación. Lo primero es resolver el problema de los contagios, que siguen en ascenso y, tarde o temprano, los reglamentos de higiene y seguridad para trabajar tanto en un set cinematográfico, de manera particular, como en el ámbito cultural, cualquiera que sea la actividad, tendrán que ser emitidos.

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Sin embargo, algunas asociaciones ya han comenzado a pensar en el futuro del medio cinematográfico y en la seguridad de quienes desempeñan su labor en un set de grabación. Tal es el caso de la Asociación Nacional de Actores (ANDA), que presuntamente está preparando un comunicado para emitir una serie de medidas preventivas que garanticen la integridad física de los actores y actrices afiliados a la asociación. Abajo dejaré el comunicado que circula en distintos medios y que sólo está en espera de ser confirmado o desmentido por la ANDA. En caso de ser ratificado, es muy probable que funcione como base para la toma de acciones tanto del gremio actoral como de la comunidad cinematográfica en su conjunto.

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¿Qué es el cine?, por Jan Švankmajer

¿Qué es el cine?, por Jan Švankmajer

 

Jan Švankmajer es uno de los artistas más fascinantes de la actualidad por varias razones. Primero, por ser un testimonio vivo del surrealismo, movimiento de vanguardia que se consolidó a partir de la publicación del manifiesto de André Breton, en 1924, y que tuvo su apogeo en los años 30, precisamente –casualidad de proporciones cósmicas– en la década del nacimiento de Švankmajer. Aunque el realizador checo no se enfrentó al cine desde una edad temprana, sino hasta llegar al tercer piso, llama la atención que haya sido precisamente el surrealismo la vena central de su obra.

Segundo, por su manera de enfrentarse a la animación. Švankmajer ha logrado crear atmósferas, escenarios y personajes tan fantásticos que sólo podrían pertenecer a un sueño tan maravilloso como terrible; y lo ha conseguido sin hacer uso de la animación digital. El propio realizador ha declarado en incontables ocasiones que está convencido de que trabajar de manera virtual con los elementos de una escena podría afectar el carácter artístico-artesanal que está estrictamente ligado con la creación de mundos a través del cine.

Otra de las razones que vale la pena enumerar es algo que ya mencionaba al inicio. Jan Švankmajer es un cineasta que inició "tarde" su carrera. Fue hasta cumplir 30 años cuando decidió que el cine era el mejor vehículo de expresión para las ideas que rondaban por su cabeza. El mito recurrente de los cineastas que desde antes de comenzar a gatear ya escribían guiones y analizaban la obra íntegra de Kurosawa queda señalado como la gran farsa pretenciosa a la que muchos recurren en un afán por autodenominarse como genios.

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Jan Švankmajer es la prueba viviente de que la genialidad cinematográfica no es, necesariamente, algo con lo que se nace; sino que puede construirse a través de las experiencias y el conocimiento que se adquieren con el paso del tiempo.

Ahora bien, podría seguir enlistando todos los aspectos que han convertido a Švankmajer en uno de los cineastas más reconocidos de esta era, pero será mejor escuchar de viva voz al director. En la siguiente entrevista, habló de su manera de concebir el cine, de sus principales influencias creativas, de su trayectoria como artista y –tema que recomiendo reflexionar con especial ahínco– de las coincidencias estructurales entre el cine y los sueños.

Hasta aquí mi reporte.

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Artistas que debutaron en el cine de terror (Parte 1)

Artistas que debutaron en el cine de terror (Parte 1)

El cine de terror no sólo es el que en la mayoría de las ocasiones permite destacar más a las mujeres como personajes con personalidad intrépida y fuerte, también ha servido como semillero de grandes talentos. Por eso hoy recordaremos algunos de ellos.

 

JENNIFER ANISTON

Definitivamente Aniston ha demostrado que tiene talento genuino y que puede desde provocarnos risas hasta sacar su lado badass. A lo largo de su trayectoria ha participado en más de 40 títulos tanto de películas como de series.

Jennifer Aniston nació en Sherman Oaks, Los Ángeles, un 11 de febrero de 1969, aunque la mayoría la ubica por su participación en la serie “Friends”, Aniston tuvo su gran debut en el cine con “Leprechaun” de 1993, dirigida por Mark Jones.

 

 

GEORGE CLOONEY

Si bien la fama llegó a Clooney cuando realizaba la serie televisiva “E.R” (Urgencias, 1994), su debut en la pantalla grande fue con la película “El retorno de los tomates asesinos” (Dir. John de Bello, 1988). Esta cinta fue la secuela de “El ataque de los tomates asesinos” de 1977, también de John de Bello.

 

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JOHNNY DEPP

El favorito de Tim Burton para interpretar desde al hombre manos de tijeras hasta a un sombrero loco inició también en el cine de terror.

Freddy Krueger no sólo nos ha dado a uno de los mejores personajes que son imprescindibles en las fiestas de Halloween, también nos presentó a Johnny Depp, quien dio vida a Glen, el novio de la protagonista en “Pesadilla en Elm Street”, cinta de 1985 dirigida por Wes Craven.

 

 

KEVIN BACON

Tuvo su debut en uno de los mejores slashers de los 80: “Viernes 13”. Es parte de uno de los chicos que van al campamento de “Crystal Lake”. Aunque su personaje es asesinado, afortunadamente le abrió la puerta al séptimo arte y gracias a este papel lo hemos visto en películas como “Río místico” o “El hombre sin sombra”.

 

 

JOHN TRAVOLTA

Antes de que Quentin Tarantino explotara su talento como bailarín en Pulp Fiction en la famosa escena donde Vince y Mía bailan en el Jack Rabbit Slim, Travolta también dio sus primeros pasos en el cine de terror.

Esto ocurrió en 1975 con la cinta “The devil’s rain”, del director Robert Fuest. Esta película habla sobre un sujeto que encuentra un libro con los nombres de personas que han vendido su alma al diablo.

Por Dany Boo

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