Margot Robbie, de actriz de telenovelas a estrella de Hollywood

Margot Robbie, de actriz de telenovelas a estrella de Hollywood

 

Quizá si hoy les digo que Donna Freedman, personaje femenino de telenovelas, fue muy querida en Australia, algunos no sabrán ni de qué les hablo. Pero, para Margot Robbie, esto tendría mucho sentido.

Fue con este papel como Robbie inició su carrera en las producciones de televisión de su país natal.Han pasado muchos años desde entonces. Actualmente, parece que Margot Robbie ya es parte fija de las carteleras, pues en los últimos meses hemos visto su nombre en los créditos de muchas películas, como en Once Upon a Time o Las Dos Reinas.

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En estas líneas intentaré hablar acerca de su evolución en cada personaje. Tal vez esto que ahora leen podría sonar como una oda a Margot Robbie, pero en realidad es mero reconocimiento a su capacidad como actriz (para olvidarse un poco de la cara bonita, pues ella es más que eso).Como ya les contaba, Robbie inició en las telenovelas en Australia y, posteriormente, en esa búsqueda por que su carrera despuntara aún más, decidió viajar a Estados Unidos para formar parte del elenco de la serie Pan Am.

En una entrevista, la protagonista de Birds of Prey (que por cierto, en el tráiler, su caracterización me recordó a Marilyn Monroe),

reveló que llegó con muy poco dinero y que fue Christina Ricci, su compañera en la serie y a quien muchos recordamos por la película de Gasper, quien la apoyó dándole hospedaje.Para entonces, Robbie nunca imaginó que terminaría compartiendo créditos, años después, con Leonardo DiCaprio, bajo la dirección de Martin Scorsese, en The Wolf of Wall Street.

Fue justamente con esta cinta que su carrera despegó por completo.Anteriormente ya había participado con pequeños papeles en otras películas, como Vigilante (2008) o I.C.U (2009), pero fue hasta su papel de Naomi, en la cinta de Scorsese, cuando finalmente los reflectores se posaron sobre ella.Según la misma Margot Robbie, tuvo miedo de no quedarse con el papel, ya que durante la audición le dio una cachetada tan fuerte a DiCaprio que pensó que se molestarían con ella, pero fue todo lo contrario, ya que se dieron cuenta de que ella estaba muy adentrada en su personaje.Por otro lado, en Focus, Maestros de la estafa, Margot comparte créditos con Will Smith y no sé ustedes, pero yo la verdad sentí que le daba un matiz diferente a su personaje.

De hecho creo que si revisamos sus interpretaciones, hasta la entonación en su voz es distinta.Cuando veo una película de Margot Robbie yo no siento que estoy viendo a Margot, sino a su personaje, es decir, si veo I, Tonya, hasta siento cierta empatía por la patinadora y creo que veo algo real de la vida de Tonya. A mi parecer, Margot logra darle vida a cada personaje y a su historia.No veo a la misma Margot Robbie en Las Dos Reinas que en los zapatos de Sharon Tate, por ejemplo; en esta última, incluso imitó el tono de voz de la modelo. Por cierto, la actriz llegó a interpretar a Sharon Tate en Once Upon a Time, luego de escribirle una carta a Quentin Tarantino en la que le decía cuánto admiraba su trabajo y que deseaba en algún momento trabajar con él.

Según señaló Robbie en una entrevista para la revista Vogue, ella siempre pensó en contactar al director. Y una vez que su trayectoria se consolidó e incluso produjo una película (I, Tonya), sintió que era el momento indicado de enviarle esa carta a Tarantino. Él lo tomó muy bien y decidió llamarla para realizar el casting...En 2017 lanzó su compañía productora LuckyChap Entertainment, junto con su esposo Tom Ackerley. Con su empresa, además de I, Tonya, ya ha realizado otros proyectos como Dollface, la cual vendió a la plataforma Hulu; y está por estrenar Birds of Prey, que es su mayor apuesta para posicionarse cada vez más en la industria cinematográfica.Con esto, Margot Robbie nos muestra que no sólo le interesa estar a cuadro, sino también ser parte de la labor cinematográfica en su conjunto. Y, por suerte, hay muchas películas en las que la seguiremos viendo, como Bombshell y Barbie.

Por Dany Boo

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Mira en línea el documental La Magia del Montaje Cinematográfico

Mira en línea el documental La Magia del Montaje Cinematográfico

 

La edición cinematográfica, específicamente el proceso de montaje, es una fase definitiva para la realización de una película. Es allí donde todos los elementos se unen para formar un solo bloque y adquirir sentido.

Todas las etapas de una producción cinematográfica son importantes, claro; pero la edición parece tener un papel preponderante sobre todas éstas. Es el último momento para dictaminar, elegir, desechar, el material generado durante los procesos previos.

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Prácticamente, en la sala de edición se decide el rumbo final de una producción cinematográfica. Por esta razón, muchos grandes cineastas y pensadores dedicaron su vida a teorizar y reflexionar acerca del montaje y sus implicaciones: Sergei Eisenstein, Lev Kuleshov, Andréi Tarkovski, Walter Murch, Alfred Hitchcock, entre otros.

Nunca está de más acercarse a los textos de estos personajes para comprender mucho mejor la relevancia de la edición; pero, para comenzar, sería bueno echarle un ojo a un documental realizado por Wendy Apple en el 2004 que reúne una serie de testimonios, entrevistas, imágenes, escenas emblemáticas del cine internacional, entre otros elementos, para arrojar luces sobre la edición y su impacto en la imagen y el sonido cinematográfico.

Se trata de The Cutting Edge: The Magic of Movie Editing, también conocido como La Magia del Montaje Cinematográfico. En este documental aparecen figuras de la talla de Quentin Tarantino, Steven Spielberg, Martin Scorsese, Jodie Foster, entre otros; y lo mejor: está narrado por Kathy Bates.

Qué mejor que aprender un poco de edición con personajes de larga trayectoria en la industria cinematográfica como los antes mencionados. Por esta razón, les voy a dejar el documental completito para que se sumerjan en las mágicas aguas del montaje cinematográfico y apliquen todo el conocimiento que adquieran en sus propios proyectos.

¡Que lo disfruten!

Por: Fernando Valdez

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Qué es el Slapstick y con qué se come

Qué es el Slapstick y con qué se come

Entre los muchos géneros y subgéneros de cine, uno de los consentidos para relajarnos y pasar un rato divertido es la comedia. Pero antes de que se le llamara como tal, las cintas de este tipo eran catalogadas como Slapstick. Su nombre se debe a los palos de madera que los payasos hacían chocar en los circos para indicarle a la gente que debía aplaudir. La característica principal de este género es la exageración de la comedia física.

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Entre los máximos representantes del Slapstick encontramos a Buster Keaton, Oliver Hardy, Harold Lloyd, Max Linder, Mack Sennet y, por supuesto, Charles Chaplin.

Nos damos cuenta de que vemos una película de Slapstick, principalmente, porque la mayoría pertenecen a aquella época en la que sólo había cine en blanco y negro; también porque tienen las clásicas escenas en las que todo sucede de pronto en cámara rápida (como cuando vemos a Charles Chaplin salir corriendo de algún lado porque la regó).

Otro punto es que en este tipo de películas vemos que un personaje, accidentalmente, le lanza un pastelazo a otro–de hecho, el Slapstick también es conocido como "comedia de pastelazo"–, o se golpean por error, se tropiezan y todo tipo de catástrofes físicas que invitan a la risa. Un ejemplo perfecto para ilustrar este género es el cine de Los Tres Chiflados, un grupo de amigos que, a causa de su torpeza, viven un montón de situaciones en las que ponen en riesgo la integridad de su cuerpo.

Este género en realidad permea a las películas de cine mudo, pues debían explotar al máximo lo visual para hacer reír a la gente: ya sea la gesticulación del actor, su forma de moverse o los embrollos chuscos en los que sus personajes se metían.

De acuerdo a Ronald Bergan, en su libro Cine… ismos, el primer ejemplo de una cinta de este género lo encontramos en El Regador Regado (1895), de los hermanos Lumiére. Por otro lado, el actor Mack Sennett, pionero de la comedia estadounidense, fue quien lanzó el primer pastelazo en el cine.

Aunque el las películas de Slapstick llegaron a su final hace mucho tiempo, todavía vemos muchas influencias de éstas en el cine actual. Por ejemplo, la cinta El Mundo Está Loco, Loco, Loco (1963), de Stanley Kramer, rinde un homenaje a este género.

¿Conocen algún otro ejemplo que pueda entrar dentro del Slapstick?

Por Dany Boo

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Clásicos de terror vuelven al cine: El Exorcista, La Profecía y más...

Clásicos de terror vuelven al cine

Preparen las botanas para el cine porque cada vez estamos más cerca de los ciclos terroríficos de Halloween y Día de Muertos.

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Para irnos alistando, una importante cadena comercial (no puedo mencionar su nombre porque me lo cobran, pero se caracteriza por tener ciclos de calidad proporcionalmente inversa al sabor de sus palomitas) tiene programado, de octubre a noviembre de 2019, su Ciclo de Cine de Terror, en el que proyectará clásicos de este género como El Exorcista (1973), de William Friedkin,

El Bebé de Rosemary (1968), de Roman Polanski, cinta que por cierto no sólo sirvió como catapulta en la carrera del cineasta polaco (que luego se vino abajo tras sus escándalos sexuales), sino también como un gran salvavidas para Paramount Pictures, que en aquel momento estaba al borde de la quiebra.

En la lista de películas que podremos ver también están Ghostbusters (1984), La Profecía (1976) y Del Crepúsculo al Amanecer (1996). En esta última –si ya la vieron– podrán revivir aquella escena en la que vemos a Salma Hayek bailar acompañada de una gran boa y, mientras deleita la pupila de Quentin Tarantino, Dany Trejo y George Clooney, se convierte en una vampiresa texana.

Si son fans de este género, cuéntennos: ¿ustedes qué películas pondrían en un ciclo de cine de terror? Yo no dejaría de lado los ya clásicos slashers; A Nightmare on Elm Street (1984), en la que vimos debutar a Johnny Depp; o Viernes 13 (1980), donde también tuvimos el debut de Kevin Bacon. O, ya entrando en el tema de las primeras apariciones de actores y actrices en películas del género, pensaría en Carrie (1976), que significó el estreno en papel protagónico para John Travolta; y en Leprachaun (1993), cinta en la que debutó Jennifer Aniston.

Tal parece que las películas de terror son una buena manera de iniciar una carrera en el cine...

Por Dany Boo

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Reboot de Mi Pobre Angelito ya tiene director

Reboot de Mi Pobre Angelito ya tiene director

 

 

Macaulay Culkin fue una de las estrellas jóvenes de mayor relevancia en la década de los 90. Una de las películas que lo llevó a la fama fue Home Alone –mejor conocida como Mi Pobre Angelito, en Latinoamérica; y Solo en Casa, en España–. Esta cinta, escrita por John Hughes y dirigida por Chris Columbus, narra la historia de una familia disfuncional que sale de viaje y olvida a Kevin (Macaulay Colkin) en casa.

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Además del abandono, Kevin tiene que lidiar con un par de ladrones (o “amantes de lo ajeno”, dirían los periódicos actuales) que, al pensar que la casa se ha quedado sola, deciden entrar a robar.

El filme fue un éxito inmediato. Kevin se convirtió en el héroe de la infancia de muchos millenials: tanto por su victoriosa lucha en contra de los rufianes, como por cumplir el sueño guajiro de quedarse solo en una casa y poder hacer lo que sea ante la falta de figuras de autoridad.

Actualmente, a casi 20 años del estreno de Home Alone, Disney está planeando hacer un reboot de la película. El plan es incluir este proyecto en el catálogo de la nueva plataforma de streaming de la compañía: Disney +, misma que será lanzada en diciembre del año en curso.

Aunque no es un proyecto a corto plazo y, por lo tanto, aún no se sabe ningún detalle acerca de la fecha de estreno o del nuevo giro que le darán a la historia, Disney ya puso las manos a la obra para disponer de todos los elementos necesarios y comenzar con la producción de la cinta.

El primer paso ha sido conseguir a un director. Por ello, la empresa se acercó a Dan Mazer, guionista de películas como Borat y The Dictator; y director de Dirty Grandpa (a.k.a. Mi Abuelo es un Peligro, protagonizada por Robert De Niro y Zac Efron).

Si bien no han firmado contrato y, por ello, cualquier cosa puede suceder: parece que Dan Mazer será el elegido pase lo que pase. ¿Les emociona revivir esta icónica historia de los 90 o equis con la vida? Los leo en los comentarios.

Por: Fernando Valdez

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4 datos que no sabías sobre Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos

4 datos que no sabías sobre Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos

Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos es de esas películas que a todo mundo le encantan. Además de reunir la excelente actuación de Kate Winslet y Jim Carrey (en uno de sus contados papeles fuera de la comedia), la cinta entrega uno de los relatos más entrañables del cine. Amor, desamor, relaciones tóxicas, infidelidades, etc.

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Prácticamente es un resumen de la vida adulta de cualquier persona que decida inmiscuirse en los retorcidos caminos de las relaciones humanas pasionales. Así que, antes de seguir proyectándome, les voy a dejar algunos datos que seguramente le echarán más leña al fuego y los llevarán a enamorarse aún más de esta fantástica película. Comencemos:

  • El título de Eternal Sunshine of the Spotless Mind fue tomado directamente de un verso de Alexander Pope, uno de los poetas más emblemáticos del siglo XVIII, que pertenece a su poema “Eloisa to Abelard”:

How happy is the blameless vestal's lot!

The world forgetting, by the world forgot.

Eternal sunshine of the spotless mind!

Each pray'r accepted, and each wish resign'd

 

 

(¡Qué feliz es la suerte virginal sin culpa!

Olvidando el mundo; por el mundo olvidada.

¡Eterno resplandor de una mente sin recuerdos!

Cada oración aceptada, cada deseo abandonado.)

 

  • Michel Gondry, antes de decidirse por contratar a Kate Winslet para el papel de Clementine (como la canción), había pensado en darle el protagónico a Björk. Resulta que, de hecho, se puso en contacto con la artista islandesa, pero ella rechazó el trabajo por cuestiones personales. ¿Les hubiera gustado ver a Björk o se quedan con Winslet?

  • Aunque la historia es original y el guion fue escrito por el mismísimo Charlie Kaufman, rockstar de la disciplina, muchos elementos de la cinta están basados en dos novelas de Boris Vian: La Hierba Roja y El Arrancacorazones. ¿Ya las leyeron? Si no es así, corran a hacerlo, pues muchos criticaron el premio que la Academia le otorgó a Kaufman a Mejor Guion Original, pues consideraron que el libreto debió ser categorizado como Guion Adaptado.

  • El diseño del casco que elimina los recuerdos de los pacientes en la película está inspirado en un aparato real. Resulta que Michel Gondry y el equipo de diseño trabajaron codo a codo con un grupo de neurocirujanos para encontrar el diseño adecuado. Cuenta la leyenda que, en el campo de la Neurocirugía, hay una máquina muy parecida que se usa para hallar tumores difíciles de detectar. ¿Será que el amor podría ser considerado como un tumor que se ha implantado en la memoria y nos lleva a idealizar las relaciones de pareja?

 

Esto ha sido todo. Si conocen otros datos sobre la película, no duden en dejarlos en los comentarios. ¡Nos leemos pronto!

 


Netflix confirma 4ª temporada de Stranger Things 

Netflix confirma 4ª temporada de Stranger Things 

Por fin fue confirmada la noticia que muchos esperábamos: ¡sí habrá cuarta temporada de Stranger Things!

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Afortunadamente, la creación de The Duffer Brothers se ha salvado del tijeretazo que Netflix ha aplicado a algunas series como Dark o Sense 8, entre otras.

Mediante sus redes, Netflix compartió un video muy sencillo en el que sólo se ve el título “Stranger Things 4”, acompañado con el mensaje “We’re not in Hawkins anymore” (Ya no estamos en Hawkins).

Y es justamente por esta buena noticia que les queremos compartir algunos datos interesantes.

Si ya han visto la serie, habrán notado que los hermanos Duffer se inspiraron y plasmaron referencias de Stephen King, Steven Spielberg y John Carpenter, sólo por mencionar algunos.

De hecho en muchas de sus escenas es inevitable no pensar en películas como Ghostbusters o E.T.,  incluso hasta en La mancha voraz.

Tomando en cuenta esto, no nos sorprende tanto una anécdota que compartieron alguna vez los Duffer, en la que contaban que para poder vender su idea realizaron un tráiler falso en el que combinaron fragmentos de más de 20 películas de los 80.Antes de iniciar las grabaciones, el cast juvenil tuvo que ver películas como Poltergeist o Los Goonies, para conocer mejor el sentido que tendría la serie.

Millie Bobby Brown, quien interpreta a Eleven, estaba sumamente ansiosa previo a que la raparan para su papel. Para tranquilizarla, Matt y Ross Duffer le dijeron que pensara en Charlize Theron cuando interpretó a Imperator Furiosa en Mad Max. Además, le pidieron que se inspirara en E.T. para su personaje, ya que su actuación tenía que parecerse un poco a la del extraterrestre.

Para escoger a los protagonistas, se realizó una audición a más de 900 niños y 300 niñas.

Winona Ryder dijo que para su personaje se inspiró en el estilo que Meryl Streep utilizó en la película Silkwood, de 1983.

La serie fue grabada con una cámara digital, pero, para darle un toque vintage, utilizaron una capa de granulado de película.

Por Dany Boo

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PRODUCCIÓN: LA ESPINA DORSAL DE UNA PELÍCULA.

PRODUCCIÓN: LA ESPINA DORSAL DE UNA PELÍCULA.

Producir una película no es algo que se haga de la noche a la mañana. Se trata de un proceso a mediano o largo plazo. Un buen rodaje es el resultado de una buena planificación. Lo primero que debe tener en cuenta el realizador antes de aventurarse en una producción es qué tipo de proyecto quiere; qué duración va a tener; y en qué categoría estará, a qué público se va a dirigir y cuáles son los recursos con los que va a contar. Cada historia es diferente y es importante entender sus necesidades en sus distintas etapas:  Preproducción, Rodaje y Postproducción… e incluso, la Distribución.

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El trabajo de preproducción consiste en conseguir todos los recursos necesarios para que la idea del director se pueda cumplir. Esto implica buscar y contratar a todo el equipo técnico, conseguir las locaciones adecuadas, alquilar los equipos audiovisuales necesarios, iniciar un proceso de castings –para encontrar a los intérpretes más adecuados–, elaborar un plan de rodaje que especifique la actividad de cada uno de los días de rodaje, presupuestar todo el proyecto, etc.

Una vez desarrollada la idea y planificado todo el trabajo milimétricamente, comienza la fase de producción. Desde el primer día de rodaje hasta el último. En esta fase se precisa del trabajo de todo el equipo técnico y artístico.

Luego viene la última fase en la elaboración de una obra audiovisual: la postproducción. Una vez finalizado el rodaje, y ya que se cuenta con todo el material, se inicia el montaje. Posteriormente llegan los procesos de distribución y difusión, que también son de gran importancia si se quiere conseguir que nuestro trabajo tenga el impacto que se merece y que sólo podrá verse reflejado a través de su comercialización.

Esta fase final – sobre todo lo relacionado con la distribución– es una etapa poco valorada por muchos. Craso error, pues es esencial, para llevar a buen puerto un proyecto, planear este último paso desde el momento mismo en el que el guion ha sido recibido. Esto ayuda a conocer cuál es tu público objetivo, dónde es el mejor lugar para presentar tu proyecto, cuáles son las nuevas plataformas para exhibirlo, etc.

Por esto, definitvamente, la Producción de Cine es la Espina Dorsal sobre la cual se sustentan los proyectos. Sustenta el trabajo de cada área: fotografía, diseño de arte, diseño sonoro, maquillaje, vestuario, música, etc., etc. Un buen Productor acompaña un proyecto desde su nacimiento hasta el FINAL… en todo momento.

Aprender a organizar un equipo de trabajo, y todo lo que involucra desde cero, es imprescindible para lograr un buen trabajo de Producción. Por ello, en Red Elephant Films estamos convencidos de quitarle el miedo de lanzarse al medio cinematográfico a muchos jóvenes y conformar una mejor industria fílmica en México. Te invitamos a conocer más en su nuevo Taller PRODUCCIÓN: LA ESPINA DÓRSAL DE UNA PELÍCULA.

Para mayor información escribe a info@redelephant.mx

o ingresa a la página de Facebook de Red Elephant Films


¿Rentar o comprar equipo para proyectos profesionales?

¿Rentar o comprar equipo para proyectos profesionales?

Estamos acostumbrados a pensar que siempre es mejor comprar equipo de foto/video que rentarlo. Lo compras, lo usas y después lo vendes cuando ya no lo necesitas, ¿no?. Pero comprar equipo electrónico no siempre es una buena inversión, pues la tecnología cambia rápidamente y estar al día implica desembolsar mucho dinero.

Comprar tu propia cámara te va a permitir realizar proyectos personales y profesionales con equipo que ya conoces. Tenerla puede representar, además, un ingreso extra, ya que es parte de lo que debes cobrarle a tu cliente cuando contratan tus servicios.

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Debes decidirte por la compra siempre y cuando esté dentro de un rango que puedas pagar cómodamente y que te permita recuperar la inversión en un plazo no mayor a 2 años. Esa inversión debe además considerar todos los accesorios extra que requieres: tarjetas, baterías suficientes, maleta, tripié de buena calidad, etc. Piensa bien en lo que vas a adquirir. No conviene endeudarse con un artículo que no se usará. Tip: el 4k y los megapixeles suelen ser una trampa.

Una vez que hayas consumado la adquisición de tu producto, te darás cuenta de que hay una amplia gama de accesorios que pueden facilitar y elevar la calidad de producción: lentes, opciones de iluminación, soportes, gimbals, monitores y un largo etcétera. Sin embargo, es probable que no puedas comprar todo o que no debas hacerlo, pues hay accesorios que se utilizan sólo en situaciones muy específicas y, por lo tanto, no se utilizan cotidianamente. Además, esto no beneficiaría tu economía.

Es entonces cuando las casas de renta llegan a salvar el día.

Rentar equipo para cualquier tipo de proyecto es algo muy común. Por ello, nos acercamos a R7D / Rentauna7d, un lugar con 9 años de experiencia en la industria, para hablar acerca de los beneficios de rentar equipo profesional:

1- Un mejor equipo, como al que puedes acceder a través de una casa de renta, mejora el nivel de tu producción. A veces necesitas cámaras más veloces, luminosas, 4k, 6k, que graben video con poca compresión, en RAW, etc. Lentes más luminosos, con mayor alcance, más angulares, macro, etc. Rentar te permite acceder a equipos que pueden darte un mejor nivel de producción o lograr cosas imposibles con el equipo que ya tienes. Esto resulta en un mejor trabajo y clientes más contentos.

2- Probar los equipos antes de comprarlos es una gran decisión. Si utilizas los equipos en situaciones reales de trabajo sabrás si realmente sería conveniente adquirirlos posteriormente, si es el equipo que necesitas o si, en realidad, sería mejor cambiar de marca o producto.

3- Tenemos que hablar de malas inversiones. Usar equipos de baja calidad parece ahorrarte dinero; lo cierto es que terminas gastando mucho más y comprometes la calidad de un proyecto. Si se tiene presupuesto, hay que invertirlo inteligentemente. Esto se reflejará en más y mejores proyectos.

4- Por tranquilidad, la mejor opción es rentar. Hay personas que no quieren preocuparse por tener equipo caro guardado, darle mantenimiento, reparaciones, estar al día con la tecnología. No quiero destinar capital a un pasivo que no sé si voy a recuperar.

5- Por seguridad económica, rentar puede ser mejor opción. Ya no tienes que encargarte de darle los cuidados necesarios a un equipo y pagar el mantenimiento mes con mes. Rentar te permite invertir en otras necesidades, tanto personales como relacionadas directamente con un proyecto cinematográfico.

6- Cada proyecto requiere de equipo distinto. Si esto te pasa es mejor no comprometer tu dinero en algo que no vas a recuperar y que utilizarás sólo en ocasiones aisladas.

TIP: Si quieres rentar equipo puedes asesorarte con R7D / Rentauna7d en la CDMX:

http://www.rentauna7d.com

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http://instagram.com/r7dmx/