Descarga y lee el guion de Manchester by the Sea

Descarga y lee el guion de Manchester by the Sea

 

Manchester by the Sea es, sin duda, una de las películas que entra en mi top 10 de toda la vida. Es una historia (SPOILER ALERT!) muy cruda de un matrimonio que se rompe tras un accidente terrible que temina con la vida de sus hijas.

El momento en el que uno descubre esta situación es magistral. Recuerdo la casa en llamas, Michel Williams desgarrándose en un grito de dolor y desesperación y Casey Affleck contemplando el momento, impasible.

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Affleck se llevó el Óscar a Mejor Actor por su papel en esta película. Premio más que merecido, pues prácticamente es él quien lleva la batuta de las acciones –si es que se le puede decir “acción” a la actitud del personaje, cuya perturbación nunca estalla, permanece contenida como en una olla de vapor (por supuesto, deliberadamente)–.

¿Cómo es posible crear un personaje así? ¿Es todo mérito de Casey Affleck, sus técnicas de improvisación y su total comprensión del papel que encarna? ¿O es acierto de Keneth Lonergan, quien además de dirigir la cinta escribió el libreto de la misma?

Manchester by the Sea también ganó el premio de la Academia a Mejor Guion Original, así que la estrellita podría colocarse en la frente de ambos. Sin embargo, es Keneth Lonergan quien concibió al personaje de Affleck desde el guion cinematográfico de la película. Por ello, me di a la tarea de localizar el texto que le dio vida a Manchester by the Sea.

Es un ejercicio interesante observar la manera en la que Lee Chandler, el personaje protagónico, fue creado; y luego compararlo con la interpretación de Casey Affleck. Keneth Lonergan desarrolló a un gran protagonista, eso es seguro; y a esto se sumaron los matices que el actor le infundió al mismo. Prácticamente, fue la fusión de ambos lo que hizo posible el nacimiento de una joya cinematográfica del calibre de Manchester by the Sea.

Sin mayor preámbulo, les dejo el link aquí para descargar el libreto de la película.

Por: Fernando Valdez

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Descarga y lee el guion de Her, de Spike Jonze

Descarga y lee el guion de Her, de Spike Jonze

 

Nunca lo había pensado así, pero recientemente, Ros Borbolla, colaboradora de esta plataforma, publicó en sus redes sociales una imagen que comparaba elementos de Her (2013), de Spike Jonze, con Lost in Translation (2003), de Sofia Coppola.

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No recuerdo exactamente cómo iba el asunto, pero ella decía que en ambas películas se retrataban las relaciones de la misma forma. En el primer caso, Theodor Twombly (Joaquin Phoenix) es un tipo que se dedica a escribir cartas personales por otros. Prácticamente, el cariño es su instrumento de trabajo –finge expresarlo en cada línea–, pero este elemento no se encuentra en su propia vida. Está rodeado de soledad y esto lo lleva a enamorarse de un sistema operativo –que, curiosamente, Scarett Johansson (protagonista de Lost in Translation) prestó su voz para este virtual personaje–.

En el segundo caso, Charlotte (también Scarlett Johansson) es una mujer que vive en Tokio y debe soportar la ausencia constante de su pareja, un personaje egoísta que nunca se toma un momento para demostrar su cariño. Así es como Charlotte se ve hundida en la soledad y termina por buscar una salida en un romance muy extraño, un acercamiento más psicológico que carnal.

En ambas cintas, entonces, observamos a un personaje que se enamora de lo imposible, de lo intangible, como salida a la voraz soledad que lo rodea. Y en algún momento de estas películas, uno comienza a idealizar las relaciones que se forman y se olvida también de los espacios vacíos que permean la estructura visual de ambos filmes.

Y la coincidencia no es meramente interpretativa. Ros Borbolla incluso hacía la comparación entre distintos planos de Her que parecen una calca de Lost in Translation y, así, confirmaba las similitudes tanto del relato como de la estructura cinematográfica de ambas cintas.

¿Ustedes qué piensan? ¿Les parece que la comparación es pertinente en este caso? Sólo espero no haber cambiado radicalmente lo que Ros proponía en aquel post. Tal vez, para hacer un análisis más profundo de esta situación, sería bueno comenzar cotejando el guion de Her con el de Lost in Translation. Denle click al título de las películas para descargarlos.

Por: Fernando Valdez

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Descarga y lee el guion de Dunkirk, de Christopher Nolan

Descarga y lee el guion de Dunkirk, de Christopher Nolan

 

El cine de Christopher Nolan no podría ser concebido sin la música de Hans Zimmer. Han trabajado juntos por muchos años y han formado una dupla como ninguna otra. Generalmente se cree que el sonido participa en función de la imagen; como si fuera un accesorio o un simple complemento. Y, aunque es verdad que en muchas ocasiones sucede así, las películas de Nolan se caracterizan por darle el mismo valor tanto a lo visual como a lo auditivo.

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Prueba de ello es la última cinta del director: Dunkirk. La película, de género bélico, retrata un conflicto histórico que tuvo lugar durante la invasión nazi en Francia. La estructura de Dunkirk es un poco extraña: hay secuencias en donde no sucede mucho, como aquellas en donde vemos a Tom Hardy sobrevolando el muelle en donde se lleva a cabo la evacuación. Recuerdo que, casi al final de la película, vemos al actor en primer plano cuando su aeronave pierde potencia, él sucumbe ante el cansancio y se desvanece; el avión continúa su trayectoria, con las helices sin movimiento y el piloto inerte, y así lo seguimos por un rato.

El volumen de la música se acentúa y parece tomar el mando de la acción. La escena se torna muy emotiva gracias a esto. Tal parece que, en esta ocasión, la imagen sirvió como complemento para el sonido y no lo contrario.

Esto me llevó a hacerme una pregunta, ¿cómo se escribe una escena así? Una escena que ha sido pensada en función del sonido. Christopher Nolan no es sólo un gran director –aunque sus detractores afirmen lo contrario–, es también un excelente guionista. Él mismo escribió el guion de Dunkirk y de toda su filmografía.

La única manera de resolver esta duda es acudir al libreto de la película y observar la manera en que fueron escritas las gloriosas escenas de la misma. Si ustedes también tienen ésta u otras inquietudes acerca de este filme les dejo el link aquí para que lo descarguen.

¡Que lo disfruten!

Por: Fernando Valdez

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Clase magistral de Guillermo Arriaga

Clase magistral de Guillermo Arriaga

 

“No, ustedes no pueden ver Amores Perros, es una película para grandes”, decían las tías cuando se estrenó la cinta de Iñárritu, en el 2000 –¡olv, ya pasó mucho tiempo!–. Así que nos prendían la mecha y teníamos que ver por qué diablos no nos dejaban verla. El caso es que la veíamos “a escondidas”, según nosotros, y pasó de ser una travesura que transgredía las normas adultescas a un gusto adquirido por las tres historias que se mezclan en la película.

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Nos sabíamos los diálogos de memoria, utilizábamos referencias de la cinta en la vida cotidiana –como si se tratara de Los Simpson– y, en fin, se convirtió en una de las películas favoritas de nuestra infancia.

Por eso recuerdo con mucha nostalgia este filme. Yo estaba acostumbrado a ver un montón de películas animadas de Disney y DreamWorks e intempestivamente salté hacia una historia muy cruda que me dejó fascinado y me llevó a buscar, posteriormente, relatos similares en el cine.

El principal responsable de este suceso fue Guillermo Arriaga –esto lo sé ahora, claro, de niño sólo sabía el nombre de Gael García y conocía a los personajes que participaban en la historia, del crew que realizó la cinta no tenía pistas–. Amores Perros es una película cuyo libreto fue pensado y escrito por el guionista capitalino.

 

Hoy se ha convertido en uno de los exponentes nacionales de mayor relevancia en el mundo del cine. Luego de Amores Perros, trabajó en el libreto de 21 Gramos (2003) y Babel (2006), completando así la trilogía que le daría impulso internacional a Iñárritu.

También es autor del libreto de Los Tres Entierros de Melquiades Estrada (2005), cinta dirigida por Tommy Lee Jones, que le valió el premio a Mejor Guion en el Festival de Cannes. Y, por si fuera poco, hace un par de años recibió el Premio Mazatlán de Literatura por su novela El Salvaje (2016).

Guillermo Arriaga marcó mi infancia con los relatos de Amores Perros y hoy, que se ha convertido en una voz autorizada en el mundo del guion y de la escritura en general, sigue apareciendo en mi cabeza cuando busco algún concepto o idea que me ayude a elaborar un texto.

Por esto mismo, quiero compartirles una clase magistral que impartió en Argentina en el 2014, como parte de Tecnópolis, un evento que reúne exposiciones de distintas disciplinas científicas, tecnológicas, artísticas y culturales.

Allí habló de la escritura cinematográfica, de literatura, de aquellos autores o pensadores que inspiraron su quehacer textual, entre otros temas. Es una charla a la cual se puede recurrir constantemente en búsqueda de elementos de apoyo para realizar un guion o para encontrar inspiración en momentos de titubeo, etc.

Ojalá que les sirva y que influya poderosamente en sus vidas. Nos leemos pronto.

Por: Fernando Valdez

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Cómo escribir el guion de tu corto sin morir en el intento

Cómo escribir el guion de tu corto sin morir en el intento

 

Es muy común que las personas armen su primer cortometraje sin tener un guion. Y no está mal pues, como diría Guillermo del Toro, el fracaso es el mejor instrumento de aprendizaje. Aventurarse a grabar sin libreto provocará bastantes problemas en el camino y eso llevará a entender la importancia de plasmar las ideas en papel antes de comenzar el rodaje.

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Y por supuesto, ahí dará inicio una nueva travesía: aprender a escribir un guion cinematográfico. Se echaran a perder muchas líneas pero, poco a poco, las cosas irán fluyendo. De la misma manera que antes: a prueba y error.

Sin embargo, ¿qué les parecería si les digo que pueden saltarse ese bache en el camino? No es necesario darse de topes y equivocarse una y otra vez si uno adquiere las herramientas necesarias antes de poner las manos a la obra.

Por ello, en Filmadores se llevó a cabo, en junio del año en curso, la primera edición del Festival de Guion en Línea #InvasiónDeGuionistas. Un espacio que reunió a distintos escritores, con varios años de trayectoria en el séptimo arte, que platicaron acerca de su experiencia y detallaron algunas estrategias para llevar a buen puerto un libreto cinematográfico.

Una de las mesas de diálogo que tuvieron lugar en el marco del festival estuvo dedicada, específicamente, al guion de cortometraje. Paula Hopf, directora y guionista egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), y Luis Mariano García, también director y guionista, egresado del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), fueron los encargados de transmitir su conocimiento, tanto académico como empírico, a nuestros seguidores.

No hace falta más que echarse un clavado en la interesante conversación que entablaron para adquirir ciertas nociones básicas para escribir un guion de cortometraje y llevarlas a la práctica en esos proyectos que apenas inician.

Esto puede servirles, como antes mencioné, para hacer más amable su primera experiencia con el rodaje de un corto. Espero que les sirva y que lo disfruten. Nos leemos pronto.

Por: Fernando Valdez

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Descarga y lee uno de los guiones de Los Simpson

Descarga y lee uno de los guiones de Los Simpson

 

Sucede algo muy extraño con Los Simpson. Son una de las series más longevas de todos los tiempos (sólo por debajo de algunas producciones japonesas); sin embargo, al menos la segunda mitad de sus temporadas (de la 15 para adelante) no termina de convencer a los espectadores.

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A pesar de esto, sigue manteniendo sus niveles de rating, con algunos altibajos, claro, pero nada grave. Y es que Los Simpson es más que una serie a la que uno recurre para entretenerse y pasar un buen rato de carcajadas; se ha convertido en un elemento fundamental de la cotidianidad.

Sí, ya sé, estoy exagerando un poco. Pero es cierto que esta serie animada ha permeado la realidad. Todo el tiempo nos encontramos con gente que cita momentos de Los Simpson para referirse a la vida misma; con personas que bromean con las predicciones futuristas de Homero y los demás personajes de Springfield; etc.

Prácticamente ha marcado a toda una generación y no parece que pronto vaya a detenerse. Curiosamente, como antes apuntaba, el éxito de Los Simpson se fraguó en sus primeras temporadas. Las siguientes sólo parecen el relleno para los constantes maratones de la serie en televisión.

Así que convendría darle una revisada a esos primeros pasos de Los Simpson y resolver algunas preguntas. ¿Por qué tuvieron tanto éxito? ¿Cómo es que todos sus personajes funcionan bien? ¿Cómo rayos se escriben historias como las que vemos en cada capítulo? ¿Quiénes son los genios detrás de la serie?

Estoy seguro de que será útil darle una leída a uno de los guiones de Los Simpson para comenzar a aclarar el panorama. Voy a dejar aquí el link para descargar el libreto del segundo capítulo de la octava temporada. Se trata de “You Only Move Twice” (Sólo se muda dos veces), escrito por John Swartzwelder, uno de los colaboradores más cercanos a Matt Groening.

En el texto podrán notar varios asuntos. Un montón de referencias al cine –incluso el título busca emular aquella popular cinta de James Bond: You Only Live Twice); situaciones cotidianas llevadas al absurdo –el hecho de mudarse, tener un nuevo jefe en el trabajo, etc.–; y, por supuesto, el talento dialógico de Swartzwelder y todo el equipo simpsonero.

Es decir: nostalgia, identificación y buenos diálogos (algo fundamental en una serie de comedia). Parece un buen esquema para lograr el éxito. De hecho, se podría decir que todas las producciones exitosas (de comedia animada) siguen esta línea, quizá trazada por Los Simpson.

¿O ustedes qué piensan? Los leo en los comentarios.

Por: Fernando Valdez

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Hitchcock, Rear Window y link para descargar el guion de la película

Hitchcock, Rear Window y link para descargar el guion de la película

 

“El maestro del suspenso”, le apodan propios y extraños. Aunque parece que convendría llamarle “el maestro del cine”, así nomás. Y es que Alfred Hitchcock no sólo era un gran conocedor de un género cinematográfico particular; sino del arte audiovisual en general.

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Teorizaba y reflexionaba acerca de cualquier técnica o recurso del séptimo arte y, además, era capaz de llevar estos principios a la práctica.

Este cúmulo de conocimiento y la curiosidad por aplicar el mismo en cada cinta, hace que la filmografía de Hitchcock sea un testimonio que podría considerarse, de cierto modo, didáctico.

Autores como Quentin Tarantino, Tim Burton, Cristopher Nolan, entre otros, tienen un estilo muy bien definido que puede ser reconocido en cada uno de sus filmes. En este sentido, parece que siempre realizan la misma película.

Con Hitchcock sucede algo distinto. Cada una de sus películas es radicalmente opuesta, técnicamente, a la anterior. Nunca filmaba la misma obra. De allí parte su riqueza y el valor de estudiarlo siempre.

OJO: no digo que Tarantino o Burton o Nolan, etc., sean autores menores. No emito un juicio de valor. Sólo intento resaltar que hay autores cinematográficos que se guían por un estilo particular; y otros, como Hitchcock, que prefieren experimentarlo todo.

Este múltiple uso de técnicas podría llevar a cualquiera directamente hacia el fracaso. Pero Alfred Hitchcock dominó esta práctica y se consolidó como “el hombre nacido para filmar”.

Una de sus obras más famosas es Rear Window (La Ventana Indiscreta, 1954), adaptación del relato homónimo de Cornell Woolrich. El libreto de la misma fue escrito por John Michael Hayes.

Narra la historia de un hombre postrado en una silla de ruedas que dedica su tiempo a espiar a los vecinos por la ventana. Lo bueno llega cuando cree descubrir que uno de ellos ha cometido un asesinato.

Hitchcock llevó el relato al extremo del minimalismo. Apenas si deja ver algunos elementos que aparecen en el guion, como si buscara ocultarlos. Esto transforma al espectador en una especie de fisgón que busca cuadrar las piezas por su parte. Como si él mismo fuera el personaje en silla de ruedas. Es tan extraño como fascinante.

Recientemente me topé con el guion técnico de la obra y descubrí cómo fue diseñado cada plano desde el papel. Les voy a dejar el link aquí para que lo descarguen y se metan de lleno en esta película y en la genialidad hitchcockiana.

Y espero traerles, más adelante, otra obra del director, para que la revisen y constaten lo que al inicio mencioné: Hitchcock es un realizador vigente y pueden recurrir a él para cualquier asunto relacionado con el cine. Su obra es tan variada como pedagógica, si se me permite usar la palabra.

¡Nos leemos pronto!

Por: Fernando Valdez

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Descarga y lee el guion de Lost in Translation

Descarga y lee el guion de Lost in Translation

 

 

“El mejor beso es el que no se da”, dice Ayala Blanco, citando a algún gran autor cinematográfico. No recuerdo quién era: si ustedes lo saben, dejen su nombre en los comentarios. Utilizaba la frase como una regla básica para mantener la tensión en una escena, o bien, en una obra completa.

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Y qué mejor ejemplo para ilustrar esta idea que Lost in Translation (2003), la cinta escrita y dirigida por Sofia Coppola. Es la historia de un amor pasajero que nunca da un salto carnal. Aunque la atracción y el cariño entre los personajes principales salta a la vista, nunca los vemos mantener contacto físico: ni un abrazo, un apretón de manos, mucho menos un beso.

Esto genera tensión. Hace que el espectador se mantenga alerta todo el tiempo, expectante del momento en el que, al fin, ellos decidan acercarse. Durante toda la película observamos a Bill Murray y Scarlett Johansson derretirse entre miradas y gestos de cariño, pero nunca dan el salto.

Esta cuestión se extiende hasta el final de la película, cuando se abrazan y uno no puede hacer otra cosa más que morir de amor: ya se ha roto la tensión y es momento de ponerle fin a la historia.

Sí, ya sé que después se besan, pero el primer contacto que quiebra el hilo que los separaba es un abrazo profundísimo.

Esta historia le valió a Sofia Coppola el premio Óscar a Mejor Guion Original en el 2004. Y era de esperarse, pues hizo de un relato muy simple una película entrañable. Y lo logra gracias a la regla básica que mencionaba Ayala Blanco.

Así que ya saben, es importane alargar el momento para generar tensión en cualquier tipo de situación, “el beso que no se da” es sólo una metáfora. En realidad, los personajes intentan alcanzar cosas distintas siempre y, mientras más se alargue el momento para que lo consigan, mayor será la tensión generada en el espectador (todo con medida).

Para concluir, les dejo aquí el link para que descarguen el guion de Lost in Translation y observen cómo le entró Sofia Coppola al asunto tratado en estas líneas.

Por: Fernando Valdez

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Descarga y lee uno de los guiones de Dr. House

Descarga y lee uno de los guiones de Dr. House

 

El sarcasmo llevado al extremo en una serie de televisión que se ganó a los espectadores precisamente por su incorrección política. Me refiero a Dr. House, una de las producciones más exitosas de todos los tiempos.

Durante 8 temporadas mantuvo la frescura de su personaje principal, interpretado por el encantador ojiazul Hugh Laurie, y la comedia ácida de cada episodio nunca perdió vigencia.

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Dr. House no sólo marcó una época en la televisión, sino que sentó una nueva fórmula de éxito para las producciones episódicas. Al inició se basó en la repetición: presentar extraños casos médicos que Gregory House conseguía resolver luego de pasar por investigaciones exhaustivas, tanto clínicas como sociales –allanar el hogar de los pacientes, hacerlos confesar la pila de mentiras que habían acumulado por años, etc.–.

De esta manera, los espectadores se acostumbraron a cada uno de los personajes y se adaptaron a las relaciones que se desenvolvían entre ellos.

Posteriormente, la situación cambió: los casos médicos perdieron relevancia y el foco de atención se centró en los conflictos personales de los médicos. Por ejemplo: la 5ª temporada, la cumbre de la serie, se basa en un solo caso médico. A partir de ahí, se revisan los conflictos en las relaciones interpersonales entre Gregory House, su explotado equipo y, por supuesto, Wilson.

Este tipo de estructura se retomó después en infinidad de series. Me viene a la mente Grey’s Anatomy o The Walking Dead. En el segundo caso, por ejemplo, todo inicia con la repetición: defenderse de los zombies para sobrevivir. Cada capítulo es igual, pero provoca que identifiquemos a cada personaje y sus características: si es valiente, si es cobarde, si es mentiroso, etc. Una vez que estamos en el mood necesario, los zombies pasan a segundo plano y es hora de descubrir los conflictos entre personajes. Ya después la serie se volvió asquerosa, a causa de la necedad de extenderla hasta el cansancio, pero eso es otro tema.

Así que Dr. House no sólo entregó a uno de los mejores protagonistas en la historia de la televisión, sino que marcó el camino que las series seguirían en el futuro.

El genio detrás de todo esto es el canadiense David Shore, creador del mundo de Gregory House. Recientemente revisé uno de los guiones que escribió para la serie y resulta que me encontré con asuntos muy interesantes. Más allá de generar una historia que atraparía a cualquiera, Shore parece tener muy claro lo que se necesita para una producción televisiva.

Por ejemplo, ¿recuerdan esos momentos en los que vemos el hospital de Princeton desde lo alto y después saltamos a la acción dentro del edificio? Eso está escrito en el guion; es parte del ambiente que el autor quiere crear; es parte de la repetición necesaria para que el contenido sea indeleble en la mente del espectador.

Así como el intro de cualquier serie se queda plasmado en la memoria, estos guiños también son indelebles y uno ni siquiera se da cuenta. Mensajes subliminales (casi publicitarios) para atrapar al televidente y traerlo de vuelta al asunto: probablemente después de los cortes comerciales.

Un fragmento como el descrito es el siguiente:

 

Pero bueno, para no hacerles el cuento largo, les dejo el guion del tercer capítulo de la primera temporada aquí.

Por: Fernando Valdez

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Descarga y lee el guion piloto de Mr. Robot

Descarga y lee el guion piloto de Mr. Robot

 

Al inicio del piloto de Mr. Robot, el protagonista (Rami Malek) rompe la cuarta pared y le habla al espectador. Le dice que es su amigo imaginario. Recordé eso y pensé que algo así sucede cuando escribo un artículo: no sé quién está leyendo pero yo le hablo con naturalidad, como si lo conociera.

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Uno debe inventarse a un receptor para no volverse loco. Porque al final no estoy escribiendo un diario, sino un montón de líneas que esperan ser leídas por ti, amigo imaginario.

Esto de romper la cuarta pared es una herencia del teatro. Supone quebrar los límites entre ficción y realidad para incluir al público en el mundo representado en una obra dramática.

En Mr. Robot se utiliza este recurso para que el espectador se vuelva parte de la conciencia de Elliot, el personaje principal. Y funciona bien en un mundo esquizofrénico como el de esta serie.

El genio detrás de esta producción de TV es Sam Esmail, guionista y director de la misma, quien además de usar el recurso mencionado logró crear una de las mejores historias de la televisión.

No quiero entrar en detalles porque cualquier spóiler sería catastrófico. Si ya la viste, sabes de lo que hablo; si no, corre a buscarla, no te arrepentirás (¡qué envidia!, me gustaría volver a experimentar la primera impresión que tuve cuando la conocí).

Mr. Robot pronto llegará a su final, se espera que a finales del 2019 se estrene la cuarta y última temporada, que constará de 12 capítulos. Así que, antes de llegar al ocaso, quisiera mirar atrás y recordar cómo empezó todo.

El piloto se estrenó en el 2015. Es un episodio larguísimo que nos presenta a Elliot y los bifurcados laberintos de su mente. Todo este universo comenzó en papel, cuando Sam Esmail escribió el libreto del capítulo. Aquí dejaré el enlace para que descargues el guion y seas testigo de la génesis de esta fascinante serie.

 

Por: Fernando Valdez

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