Descarga y lee el guion de Mother!

Descarga y lee el guion de Mother!

 

Más allá de revisar la simbología religiosa de la última película de Darren Aronofsky o de hablar de las implicaciones alegóricas de sus personajes, hay un aspecto específico que es necesario resaltar: la estructura de la cinta.

Mother! es un filme que busca incomodar al espectador, desquiciarlo y envolverlo en un ritmo caótico y vertiginoso para provocar el hartazgo. Se trata de una película de horror psicológico que precisamente en el caos encontró su principal fortaleza.

Para empezar habría que recordar el inicio de la película, cuando Mother (Jennifer Lawrence) y su esposo (Javier Bardem) se presentan ante nosotros en un ambiente relativamente común y pacífico –aunque el esposo tenga algunos demonios rondando por su cabeza, según lo que él mismo dice acerca del bloqueo creativo por el que atraviesa–.

Y poco a poco, se van añadiendo elementos y personajes en este ambiente, mismos que, desde su aparición, rompen con la armonía. Lo que parecía un espacio cálido y seguro comienza a transformarse en un lugar que propicia un sentimiento de claustrofobia, de soledad, de vulnerabilidad –para Mother y para el espectador–.

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Aquí ocurre algo particularmente interesante. A mayor cantidad de objetos y personajes, menor es el campo de visión de la cámara –o, en su defecto, el espacio en el que se desarrolla la acción es mucho más reducido–.

En algún momento, se vuelve casi imposible asimilar todo lo que ocurre en escena, pues no hay un momento para tomar un respiro. Por el contrario, el ritmo en el que aparecen nuevos elementos se va incrementando y el caos se apodera de la pantalla.

Hasta ahora todo claro con la estrategia de Aronofsky para resolver el asunto durante el rodaje: más elementos, menor campo; pero, ¿cómo plasmar una historia de este tipo en el guion de una pellícula?

En este link puedes descargar el libreto de Mother! y observar la forma en la que lo hizo. Llama la atención, por ejemplo, que en lugar de marcar las escenas con el encabezado propio de las mismas, salta de un momento a otro marcando simplemente el lugar en donde se desenvuelve la acción.

Desde la escritura, Aronofsky avanza con un ritmo frenético y en aceleración constante. La saturación de elementos y la nula aparición de momentos de calma que desembocan en el desquiciamiento que mencioné al principio fueron muy bien planeadas desde el relato.

Hasta aquí mi reporte.

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Descarga y lee el guion de Midsommar

Descarga y lee el guion de Midsommar

 

Ari Aster es el autor de dos de las mejores obras de terror de la actualidad: Hereditary y Midsommar. En esta ocasión, haremos un repaso por las cualidades de esta última. Una película que ha rescatado al género de los vicios que lo lastiman.

Midsommar narra la historia de una pareja que acude a una aldea de Suecia para pasar las vacaciones de verano. La pareja y su grupo de amigos son recibidos por los pobladores locales, quienes pronto los incluyen en las dinámicas rituales del lugar.

El conflicto inicia cuando los mencionados rituales dan un giro violento y los protagonistas quedan atrapados en una perversa secta pagana que abusa de ellos y los obliga a cometer distintas atrocidades.

Primer acierto: contar una historia que no apela a lo sobrenatural para impresionar al espectador. No es que los relatos sobrenaturales sean malos por sí mismos; sin embargo, en muchas ocasiones parece que los autores no pueden ir más allá, quizá encasillados por las demanda del mercado.

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Segundo acierto: es del grupo de las películas que apelan al horror psicológico y al desarrollo argumental macabro por encima de los jump scares. Hay que aceptarlo, los sobresaltos que provocan algunas cintas como El Conjuro o toda la serie que de ésta se desprende son divertidos, no escalofriantes.

Midsommar no necesita hacerte brincar del asiento para hacerte sentir incómodo frente a lo que ocurre en cada escena. Es puro horror psicológico: desde el suspenso de la primera mitad hasta la violencia exacerbada de la segunda.

Tercer acierto: Midsommar le da un giro al estilo visual que uno espera en una película de terror. Gran parte de la cinta se desarrolla en el exterior, en un ambiente totalmente iluminado y saturado de colores. No es casualidad, por supuesto. La incomodidad por la violencia es mayor si ésta se ejerce con total cinismo.

El espacio abierto y la iluminación no permiten que ni las víctimas ni los victimarios puedan ocultarse. Así que la atrocidad te pega en la cara sin atenuantes.

 

Y podría seguir ennumerando aciertos, pero necesitaría mucho más espacio para ello. Así que mejor les voy a dejar el guion de la película, para que se den una idea de cómo desarrollar este tipo de terror psicológico desde el papel.

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Descarga y lee el guion de Jojo Rabbit

Descarga y lee el guion de Jojo Rabbit

 

Jojo Rabbit pudo ganar el Óscar a Mejor Película y nadie hubiera protestado. Una sátira de los absurdos del fanatismo que combina la comedia con un estilo visual muy particular que recuerda, en muchas ocasiones, a Moonrise Kingdom, de Wes Anderson.

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Y no, no fue galardonada con el máximo reconocimiento, pero sí obtuvo la estatuilla a Mejor Guion Adaptado, primer Óscar en la carrera de Taika Waititi. El libreto, basado en la novela Caging Skies, de Christine Leunens, es un texto lleno de aciertos. Recupera lo mejor del argumento de la obra y lo reconfigura para que funcione de forma muy específica con el elenco que ya figuraba en el proyecto de Waititi desde la concepción del mismo.

Por eso es que las acciones se desarrollan con tal naturalidad y fluyen sin contratiempos, porque los personajes fueron creados para ser interpretados por este grupo particular de actores y actrices. Cuando el guion y el reparto hacen click, no hay forma de detener el éxito de una historia.

Incluso el propio Taika Waititi, que suele destacar por su tendencia a sobreactuar, funciona bien en el papel de Hitler, pues es un personaje motivado por su necesidad de atención y por demostrar(se) su determinación por ser un tipo deleznable. Ojo: no digo que Taika sea deleznable, ¿eh? Digo que la sobreactuación le aporta mucho al tipo de personaje que interpretó.

Por último, vale destacar que el guion de Jojo Rabbit es casi un manual de cómo crear escenas que mezclen la tensión y la risa sin morir en el intento. La primera que me viene a la mente es aquella en donde los agentes de la Gestapo catean el hogar de Jojo. A pesar de ser un momento terrible para el protagonista y para Elsa, Taika se dio el tiempo de ridiculizar el saludo ritual de los nazis y de sacarle una carcajada a los espectadores, que deciden ponerle una pausa a su propio terror (es un momento de incertidumbre que consumiría a cualquiera).

Esto ocurre en repetidas ocasiones y uno no puede hacer más que dejarse llevar por el poder narrativo de un guion muy bien estructurado.

Sin más por el momento, les voy a dejar aquí el link para descargar el guion de la película. ¿Qué otros aciertos añadirían a los ya revisados? Los leo en los comentarios.

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Descarga y lee el guion de El Padrino

Descarga y lee el guion de El Padrino

 

En 1972 se estrenó la primera entrega de El Padrino, obra basada en la novela homónima de Mario Puzo. Los aciertos de la película son bien conocidos, pero me parece que hay un aspecto de especial relevancia en la magnitud del éxito de la misma: el guion.

Escrito por Francis Ford Coppola y el propio Mario Puzo, el libreto de El Padrino es un texto que cumple con todas las normas que, a través del tiempo, se han planteado en todos los estudios y manuales de esta disciplina.

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Un ejemplo de esto son los diálogos de los personajes: no hay conversaciones casuales; todo lo que se dice en la película tiene una implicación dramática. “Es un hechizo simple, pero inquebrantable”, dirían algunos.

Por otro lado, tampoco hay acciones casuales. Hasta los rasgos más sutiles de los personajes y su manera de desenvolverse son parte de la atmósfera del relato e incluso conforman un bastión importante para el desarrollo de la historia.

Un ejemplo que ilustra perfectamente lo anterior es el momento en el que Michael Corleone (Al Pacino) va a visitar a su padre al hospital. Encuentra a Vito Corleone (Marlon Brando) desprotegido y decide sacarlo de la habitación y ocultarlo. Luego de hacerlo, se encuentra con Enzo, un panadero que va a visitar al capo de la familia. Michael decide montar guardia afuera del hospital y el panadero se ofrece para acompañarlo.

En ese momento, un automóvil se acerca, de manera sospechosa, al edificio. Michael le pide al panadero que finja tener un arma. El vehículo se detiene frente al hospital pero, ante el inminente conflicto “armado”, se pone en marcha nuevamente.

El peligro ha pasado. Enzo saca un cigarrillo de su abrigo, luego toma el encendedor. Intenta prenderlo, pero la ansiedad provocada por lo ocurrido no permite que deje de temblar. En ese momento, Michael estira la mano, toma el encendedor y prende el cigarrillo sin mayor complicación.

Esta pequeña acción, casi pasajera, es el primer indicio del temple de acero de Michael Corleone, un personaje creado para ser el capo de la familia. Y no es casualidad que este tipo de momentos sean retratados en la película, todo está planteado desde el libreto de la misma.

Por esto –los diálogos con implicaciones mayúsculas y las pequeñas acciones que apuntalan toda una historia– y más, el guion de El Padrino es un testimonio imprescindible para aprender muchas de las estrategias propias del arte de la escritura cinematográfica.

En este link pueden descargar el documento. Espero que les sirva y que disfruten de su lectura. Hasta aquí mi reporte.

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Lee aquí el guion de "Atrápame si puedes"

Lee aquí el guion de "Atrápame si puedes"

 

En el 2002 se estrenó Atrápame si puedes (Catch Me If You Can) en Estados Unidos. El éxito que tuvo era de esperarse. Tenía entre sus armas a una joven estrella, Leonardo DiCaprio; a un actor de esos que no puedes odiar y que siempre es consistente en su desempeño, Tom Hanks; y a un famoso director con una carrera envidiable, Steven Spielberg

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Sin embargo, esta inercia de la crítica cinematográfica por desdeñar cualquier tipo de contenido que esté dedicado a un público masivo y no sólo a los jurados de festivales hizo que la película pasara desapercibida en cuanto a premios y menciones. Por ejemplo, en los premios Óscar sólo obtuvo dos nominaciones: una para Christopher Walking como Mejor Actor de Reparto y una a Mejor Música Original para John Williams. Ocurrió lo mismo en otras ceremonias.

Atrápame si puedes es una cinta integral que cumple en todos los aspectos; pero su estilo no es pretencioso ni está pensado específicamente para presentarse en un festival. Por eso el "castigo" de la crítica.

Si la dinámica fuera distinta, esta cinta estaría considerada hoy como una de las mejores de Spielberg. Los aciertos más evidentes del proyecto ya los he mencionado; no obstante, hay una característica principal que falta revisar: el libreto. La película está basada en un libro autobiográfico escrito por el propio Frank Abagnale Jr. y la adaptación corrió a cargo de Jeff Nathanson

Es un guion perfectamente estructurado: el camino del héroe se repite una y otra vez, como en un espiral, y nunca pierde la tensión. Una cuestión particularmente interesante del desarrollo del personaje principal es la siguiente. Generalmente, la norma dictaría que el personaje busque alcanzar una meta y se encuentre con obstáculos que le dificulten alcanzar la misma.

En este caso ocurre algo distinto y fascinante: el personaje logra las metas de inmediato y los obstáculos se presentan al intentar mantenerse en la posición alcanzada. Les voy a dejar el link aquí para que lo revisen ustedes mismos y dejen en los comentarios sus impresiones.

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1917, un plano secuencia que nació desde el guion (descarga)

1917, un plano secuencia que nació desde el guion (descarga)

1917 es una oda a los planos secuencia. Un plano secuencia es, prácticamente, una escena larga que se narra sin cortes a través del ojo de la cámara. Ahora: 1917 no está grabada en sólo dos planos secuencia, como aparenta la estructura de la película. Este efecto se logró en la edición posterior. Sin embargo, sí es una suma de planos secuencia larguísimos que se llevaron a cabo durante el rodaje, según lo aclaró el propio director de la cinta, Sam Mendes.

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Este filme competirá por el Óscar a Mejor Película y es muy probable que se lleve el premio, a pesar de medirse contra las producciones de dos geniales directores como Quentin Tarantino y Martin Scorsese. Y también está en la justa por la estatuilla a Mejor Guion Original. Es precisamente en este asunto donde me gustaría detenerme. El libreto de la película parece estar estructurado para filmarse en un plano secuencia.

El texto fue escrito por el propio Sam Mendes, en conjunto con Krysty Wilson-Cairns. Algo que llama la atención es el encabezado de cada escena, pues los guionistas se esmeraron por especificar siempre que el tiempo avanza sin detenerse ni dar saltos, que los sucesos ocurren de principio a fin en "tiempo real". No estoy seguro de que tuvieran en la mente que la película se realizara de la manera en que se hizo, pues una de las reglas para escribir un buen guion es pensar únicamente en lo que se narra y no en la estructura que tendrá en el rodaje. No obstante, el acierto comenzó desde la propia escritura del guion.

Como mencioné, ahora lucha por el Óscar a Mejor Guion Original, al lado de cintas como Parasite y Marriage Story. ¿Les parece que tiene la posibilidad de obtener el preciado galardón? Les dejo el link aquí para que descarguen el guion de la película y armen su quiniela a conciencia.

Por: Fernando Valdez

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Descarga y lee el guion de The Irishman

Descarga y lee el guion de The Irishman

 

Hace unos días vi un post de Facebook con la pelea final de Endgame. Es un momento muy emocionante: el Capitán América sosteniendo el martillo de Mjolnir, los Avengers unidos de nuevo, etc.

El video fue grabado en vivo desde una sala de cine presuntamente gringa. Todos en el público están gritando, se escuchan mil expresiones de asombro y, en general el ambiente está totalmente exaltado.

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Y es que el cine es así, una experiencia colectiva. Luego de haber visto el post, pensé que Martin Scorsese tenía toda la boca llena de razón. Lo que ocurría en esa sala se parecía mucho a lo que se vive en una montaña rusa: gritos, emoción, un ambiente contagioso.

Uno va al cine a ver cintas de Marvel no con ojo crítico, sino por el puro placer de divertirse y pasar un buen rato. El problema viene, según lo que apuntaba Scorsese, cuando las salas de todo el planeta se llenan con esta clase de cintas todo el tiempo.

Ya no hay espacios para disfrutar de otro tipo de experiencia cinematográfica, salvo honrosas excepciones, por supuesto. Y si los espectadores esperan siempre acudir a un parque de diversiones cuando van al cine, terminan por demeritar cualquier tipo de propuesta que no se apegue a esos estándares de excitación absoluta.

De allí parte la mediana aceptación de películas con un ritmo distinto como The Irishman o Once Upon a Time in Hollywood (a pesar del final puramente tarantinesco). Son cintas que no apelan a la emoción genuina y nostálgica como un producto de superhéroes, sino que mantienen su propia escencia y requieren de una participación activa del espectador, que ya no puede simplemente dejarse llevar por el ambiente de júbilo.

No digo que una experiencia sea mejor que la otra, cada una tiene sus propias virtudes. Sin embargo, lo que ocurre es que no hay un balance en cartelera. Se le da siempre mayor peso al cine de superhéroes y los demás contenidos se desechan o son mal recibidos por un público acostumbrado a consumir el éxtasis marvelesco.

Así que siempre es bueno que aparezcan cintas como The Irishman; y siempre es bueno tener a Martin Scorsese para hablar de todo lo que está bien y mal con el cine, ya sea que lo exprese verbalmente o que nos dé una cachetada con guante blanco con sus películas.

¿O ustedes qué piensan? Dejen sus comentarios y que se armen los pinches chingadazos.

Por lo pronto, les dejo acá el guion de The Irishman, escrito por el mismísimo Steven Zaillian (La lista de Schindler).

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Descarga y lee el guion de Parasite

Descarga y lee el guion de Parasite

 

 

Para muchas personas, Parasite es la mejor película del 2019, por encima de otras como The Irishman, Once Upon a Time… in Hollywood, Dolor y gloria, etc. Cintas de aclamados directores que, normalmente, acaparan todos los premios que se cruzan en su camino.

Parecía que una vez más la contienda por los reconocimientos se libraría entre Tarantino, Scorsese y un revalorado Almodóvar que entregó una de las mejores cintas de su carrera. Bong Joon-ho no figuraba entre los favoritos no por falta de calidad, sino por la postura antinétflix de la crítica norteamericana que lo catalogó como un autor menor luego de Okja, que se estrenó en Netflix en 2017.

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Sin embargo, los aciertos de Parasite lograron transformar el panorama. Una historia llena de intriga y suspenso, escrita por el propio director en conjunto con Han Jin Won, que retrata los conflictos sociales que genera la desigualdad económica; así como el mito aspiracional de la escala de los estratos vulnerables hacia mejores condiciones de vida.

Si bien, no es un tema nuevo, es destacable la manera en la que fue llevado a la pantalla. La tensión escala entre un tono tragicómico y, en muchas ocasiones, podemos hallar analogías entre la premisa de la película y la estructura de la misma.

No quiero dejar spóilers, pero éste es necesario para ilustrar lo anterior: en algún momento, el joven de la familia que trabaja en la casa de los ricos (Woo-sik Choi) permanece debajo de un sofá para no ser descubierto por los dueños de la casa (el joven y su familia habían estado bebiendo en la residencia mientras los dueños estaban fuera de la misma, pero éstos volvieron antes de lo esperado).

En un master shot (si no mal recuerdo), vemos a la pareja de dueños disfrutando de su espacio sin preocupaciones, por un lado, y al joven escondido esforzándose al máximo por escapar sin hacer ningún ruido, por el otro.

Por supuesto, era de esperarse, estás cometiendo un delito al ingresar a propiedad privada sin consentimiento; sin embargo, parece que cada una de las partes cumple con el rol que la premisa de la película sostiene: los ricos ocupan los espacios sin temor ni preocupaciones, pareciera que el mundo les pertenece; mientras que los pobres deben andar a tientas en cualquier espacio, público o privado.

Es precisamente en esta estructura, tanto del guion como de las escenas en pantalla, donde reside el gran acierto de Parasite. Por eso se ha ganado al público y a la crítica y hoy se mantiene entre las mejores películas del 2019. Si no la han visto, ¡corran, que todavía está en carteleras!

Mientras tanto, les dejo aquí el link para descargar el guion de la cinta. ¡Que lo disfruten!

 

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Descarga y lee el guion piloto de Prison Break

Descarga y lee el guion piloto de Prison Break

 

Las buenas series de televisión suelen aumentar poco a poco la intensidad de los conflictos que se desarrollan en la trama. Es un esquema muy sencillo, pero infalible. Todo comienza con el planteamiento de la cuestión. Luego viene un detonante que le inyecta tensión al relato y esta misma tensión va creciendo hasta llegar al clímax de la historia.

Genios como Vince Gilligan (Breaking Bad) o David Chase (The Sopranos) saben estructurar muy bien este tipo de esquemas narrativos. De allí parte el éxito de las series que crearon.

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Hay otro tipo de series que comienzan de manera distinta. Tal es el caso de Prison Break, por ejemplo. Paul Scheuring desarrolló un conflicto interesantísimo, pero incurrió en un desliz. Desde la primera temporada se detona el conflicto entre reos y conocemos la naturaleza de cada uno de los personajes, T-Bag se muestra como un criminal despiadado, Michael Scofield como un genio invencible, Lincoln Burrows como un ridículo iracundo, etc.

No es que esté mal desnudar a los personajes frente al espectador, pero si procuras hacer contenido episódico, deberías guardar algunos aspectos. Prison Break inició con la intensidad a tope y el esfuerzo fue titánico para mantener la tensión a ese nivel durante todas las temporadas. Y, por supuesto, terminó por derrumbarse un poco después de la mitad de la serie.

Ya no había nada que esperar. Uno sabía perfectamente cómo actuaría cada personaje, pues conoció todos sus secretos desde el primer episodio de la serie. Quizá el conflicto de Prison Break fue plantear la historia para adaptarse a la televisión. Probablemente hubiera funcionado mucho mejor como una película.

Sin embargo, tampoco hay que pegar un grito en el cielo. Prison Break fue una muy buena serie mientras mantuvo la tensión. Es una lástima que el esquema inicial le jugara en contra.

Para recordar los buenos momentos, les voy a dejar aquí el guion del primer episodio de la serie. Un relato tan intenso como fascinante que se antoja como para ser reproducido en pantalla grande.

Por: Fernando Valdez

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Descarga y lee el guion de Pulp Fiction

Descarga y lee el guion de Pulp Fiction

 

Antes de escribir un guion, uno debe tener en mente uno de los conceptos básicos de la disciplina: un libreto cinematográfico no es una obra por sí mismo, es un texto guía para la realización de una producción audiovisual.

Un guion, entonces, no es una pieza de literatura, sino una herramienta cinematográfica. Uno debe escribir con la cabeza puesta en las imágenes que el texto representará y no en la estética propia de la narración en papel.

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Es una regla básica, pero infalible. Sirve mucho, sobre todo, cuando se dan los primeros pasos en el camino del guion. Sin embargo, guionistas como Quentin Tarantino, no están del todo seguros de este principio.

En alguna entrevista, Tarantino declaró que él concibe sus libretos como piezas independientes. No escribe pensando en el rodaje, sino que lo hace por el puro placer de escribir.

Básicamente aseguró que, para él, un guion cinematográfico es una obra terminada. “Cuando pongo el punto final creo que el trabajo ya está hecho. Escribo un guion como si escribiera una novela.” Por supuesto, después lleva el guion a la pantalla, pero, si no lo hiciera, igual quedaría conforme con el trabajo realizado, añadió Tarantino.

Precisamente en esta concepción del arte del guion se encuentra el secreto del estilo de Quentin Tarantino: la pasión por los diálogos, los personajes presentados a detalle, el ritmo de sus relatos. Sí, podría pensarse que sus películas se asemejan mucho a una experiencia literaria.

Tal es el caso de la cinta insignia del director: Pulp Fiction. Por ello, les voy a dejar el link aquí para descargar el guion de la película. ¿Les parece que puede leerse como un texto literario? ¿Están de acuerdo con la postura de Tarantino? Dejen sus comentarios…

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