Qué es un Storyboard y para qué se utiliza

Qué es un Storyboard y para qué se utiliza

 

 

Para hacer una película es necesario realizar un proceso de planeación antes del rodaje. A esta etapa se le conoce como 'preproducción'. Es entonces cuando se escribe el guion, se consiguen los fondos y todos aquellos elementos necesarios para empezar a grabar, entre otras cosas.

Dentro de este proceso, es común que se realice un Storyboard. Un Storyboard es un guion gráfico que sirve para la previsualización de cada plano de una escena. Es decir, una serie de dibujos que representan las imágenes que serán llevadas a la pantalla. Así, es más sencillo planear el rodaje y tener bien claro, antes de comenzar a grabar, cuál es el tipo de plano que se necesitará, cuáles son los elementos que aparecerán a cuadro y, en general, cómo será la composición de cada imagen a realizar.

Ahora, es común que, en producciones profesionales, el Storyboard sea realizado por un profesional del dibujo, con la finalidad de ser lo más fiel posible a la imagen que se busca. Sin embargo, es importante tener en cuenta que esto es opcional. En realidad, tú puedes realizar tus propios dibujos. No es necesario igualar a Gustave Doré para que un Storyboard funcione. Puedes hacer el diseño del plano con palitos y bolitas siempre y cuando estos trazos te guíen hacia lo que estás buscando.

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Aquí te voy a dejar algunos ejemplos en donde podrás ver tanto el Storyboard como la imagen final que se llevó a cabo. El primer caso es el Storyboard y el resultado en pantalla de algunas escenas de  Parasite, de Bong Joon-ho. El segundo es el guion gráfico de "Do Ya Thing" y el producto final de cada imagen en el videoclip de esta canción de Gorillaz.

Hasta aquí mi reporte.

 

PARASITE, de Bong Joon-ho

DO YA THING, de Gorillaz

 

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Descarga y lee el guion de La Forma del Agua

Descarga y lee el guion de La Forma del Agua

 

 

Guillermo del Toro es un amante de los monstruos y los mundos fantásticos; un creador de historias fascinantes perfectas para ser llevadas a la pantalla. El mexicano ha sido siempre fiel a sus pasiones y esto lo ha convertido en uno de los realizadores más aclamados de la industria cinematográfica internacional.

El relato que coronó su genial trayectoria fue aquel que lo llevó a ganar el Óscar en el 2017. Me refiero a La forma del agua, una historia de amor entre una mujer sin voz y un monstruo acuático. El guion de esta película, además de ser una anécdota entrañable, es un documento perfecto para toda persona que quiera entrarle a la escritura cinematográfica por primera vez.

Me explico: una de las reglas básicas pero infalibles para los escritores principiantes es narrar cada escena mediante acciones y evitar el uso de diálogos. Y es que el cine es así. En las escenas deben ocurrir las cosas para que su representación en la pantalla tenga sentido (acciones), por un lado; y por el otro, es común que un guionista que apenas inicia caiga en el vicio de generar conversaciones casuales entre sus personajes que no aportan al argumento de la historia ni logran que ésta avance.

Aquí debo hacer un paréntesis. Esta norma funciona perfectamente para empezar a escribir guiones para cine y generar la pericia que todo escritor cinematográfico debe tener. Sin embargo, es una regla que tiene sus matices y que, conforme un guionista adquiere experiencia, puede adaptar a las necesidades particulares de cada historia. Por ejemplo, los guiones de Quentin Tarantino son un claro ejemplo de cómo mantener la tensión y el hilo de un relato mediante conversaciones casuales. No obstante, hay que tener claro que su pericia con los diálogos se formó a través de los años: cuando uno inicia, es mejor evitar este recurso. Cierro paréntesis.

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Ahora bien, en La forma del agua los personajes principales no hablan. Ella por una imposibilidad física y el monstruo por las características propias de su especie (quién sabe cómo se comunique). Así que cada momento en el que ambos participan es un ejemplo perfecto de cómo narrar una escena sólo con acciones y sin diálogos eventuales. Les voy a dejar el guion aquí para que lo descarguen. Así pueden darle una revisada y darse una mejor idea de cómo escribir sus propias historias sin romper la regla básica antes mencionada.

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Apps móviles para guionistas

Apps móviles para guionistas

 

 

Alguna vez, en una conferencia sobre guion cinematográfico, alguien levantó la mano y preguntó lo siguiente: "¿cuál es la diferencia entre un cuento y un guion de cortometraje". Luego explicó que tenía una buena historia escrita en prosa y que se preguntaba si ésta podía ser llevada a la pantalla.

Esta pregunta es más común de lo que uno podría pensar. La gran mayoría de las personas está acostumbrada a enfrentarse a historias escritas en prosa y no a relatos vaciados en libretos cinematográficos. Por ello, es importante aclarar la duda mencionada.

La diferencia entre una historia en prosa y un guion cinematográfico es el formato de cada uno. En el primer caso, el relato ha sido creado para ser leído; por ello, no es necesario darle un formato especial, sólo debe ser narrado como se narra cualquier anécdota.

En el segundo caso, el relato enmarcado en un guion cinematográfico ha sido creado para ser llevado a la pantalla. Por esta razón, necesita de un formato especial. Un libreto cinematográfico es una guía para realizar una película; por ello, debe contener las instrucciones precisas para el crew que participará en el rodaje.

Así que no puede ser narrado como una anécdota; debe ser escrito como una guía.

Para empezar, cada escena requiere de un encabezado que contiene distintas indicaciones: INT./EXT. que indica si la acción se lleva a cabo en un espacio cerrado o abierto; la locación específica de la escena; y el momento del día en el que se desarrollan los hechos (Día/Noche/Atardecer), lo cual ayudará al equipo de iluminación a encontrar el tono perfecto de cada imagen.

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Luego, hay otros aspectos que requieren de un formato especial: los diálogos, que deben estar al centro de la página; los personajes, que deben aparecer en MAYÚSCULAS la primera vez que se mencionan; etc.

Esto podría parecer todo un conflicto, pero en realidad es muy sencillo una vez que se lleva a la práctica. 

Ahora bien, para evitar que el formato de un guion cinematográfico te dé dolores de cabeza, puedes recurrir a algún tipo de software que te facilite las cosas. Tal es el caso de las siguientes apps móviles que te ayudarán a escribir un libreto desde donde estés.

 

1. Celtx Script

Es una de las apps más utilizadas en el mundo del guion. Te ayudará a escribir sin mayores complicaciones y le dará el formato necesario a cada uno de los elementos de tu libreto. Está disponible para iOS y Android.

Además, los guiones escritos en esta aplicación se sincronizan automáticamente con los estudios online de Celtx, así que podrás acceder a tus textos desde donde estés. Uno de los beneficios de encontrar tus libretos en la nube es la posibilidad de trabajar de manera remota con tu equipo de escritores.

 

2. Fade In Mobile

Una app totalmente intuitiva, disponible en iOS y Android. Además de ayudarte con el formato, esta aplicación móvil sincroniza tu contenido de manera automática con la aplicación de escritorio: así que podrás comenzar escribiendo en tu teléfono y concluir en tu estación de trabajo o viceversa.

 

3. Final Draft Mobile

Disponible únicamente para iOS. Es la aplicación de guion más vendida del mundo. Por supuesto, le dará el formato necesario a todas tus historias. Uno de los principales beneficios de esta app es que la gran mayoría de los guionistas profesionales la utiliza; así que obtenerla te podría ayudar para exportar, compartir y trabajar sin dificultades en las grandes ligas.

 

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Descarga y lee el guion de Mother!

Descarga y lee el guion de Mother!

 

Más allá de revisar la simbología religiosa de la última película de Darren Aronofsky o de hablar de las implicaciones alegóricas de sus personajes, hay un aspecto específico que es necesario resaltar: la estructura de la cinta.

Mother! es un filme que busca incomodar al espectador, desquiciarlo y envolverlo en un ritmo caótico y vertiginoso para provocar el hartazgo. Se trata de una película de horror psicológico que precisamente en el caos encontró su principal fortaleza.

Para empezar habría que recordar el inicio de la película, cuando Mother (Jennifer Lawrence) y su esposo (Javier Bardem) se presentan ante nosotros en un ambiente relativamente común y pacífico –aunque el esposo tenga algunos demonios rondando por su cabeza, según lo que él mismo dice acerca del bloqueo creativo por el que atraviesa–.

Y poco a poco, se van añadiendo elementos y personajes en este ambiente, mismos que, desde su aparición, rompen con la armonía. Lo que parecía un espacio cálido y seguro comienza a transformarse en un lugar que propicia un sentimiento de claustrofobia, de soledad, de vulnerabilidad –para Mother y para el espectador–.

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Aquí ocurre algo particularmente interesante. A mayor cantidad de objetos y personajes, menor es el campo de visión de la cámara –o, en su defecto, el espacio en el que se desarrolla la acción es mucho más reducido–.

En algún momento, se vuelve casi imposible asimilar todo lo que ocurre en escena, pues no hay un momento para tomar un respiro. Por el contrario, el ritmo en el que aparecen nuevos elementos se va incrementando y el caos se apodera de la pantalla.

Hasta ahora todo claro con la estrategia de Aronofsky para resolver el asunto durante el rodaje: más elementos, menor campo; pero, ¿cómo plasmar una historia de este tipo en el guion de una pellícula?

En este link puedes descargar el libreto de Mother! y observar la forma en la que lo hizo. Llama la atención, por ejemplo, que en lugar de marcar las escenas con el encabezado propio de las mismas, salta de un momento a otro marcando simplemente el lugar en donde se desenvuelve la acción.

Desde la escritura, Aronofsky avanza con un ritmo frenético y en aceleración constante. La saturación de elementos y la nula aparición de momentos de calma que desembocan en el desquiciamiento que mencioné al principio fueron muy bien planeadas desde el relato.

Hasta aquí mi reporte.

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Descarga y lee el guion de Midsommar

Descarga y lee el guion de Midsommar

 

Ari Aster es el autor de dos de las mejores obras de terror de la actualidad: Hereditary y Midsommar. En esta ocasión, haremos un repaso por las cualidades de esta última. Una película que ha rescatado al género de los vicios que lo lastiman.

Midsommar narra la historia de una pareja que acude a una aldea de Suecia para pasar las vacaciones de verano. La pareja y su grupo de amigos son recibidos por los pobladores locales, quienes pronto los incluyen en las dinámicas rituales del lugar.

El conflicto inicia cuando los mencionados rituales dan un giro violento y los protagonistas quedan atrapados en una perversa secta pagana que abusa de ellos y los obliga a cometer distintas atrocidades.

Primer acierto: contar una historia que no apela a lo sobrenatural para impresionar al espectador. No es que los relatos sobrenaturales sean malos por sí mismos; sin embargo, en muchas ocasiones parece que los autores no pueden ir más allá, quizá encasillados por las demanda del mercado.

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Segundo acierto: es del grupo de las películas que apelan al horror psicológico y al desarrollo argumental macabro por encima de los jump scares. Hay que aceptarlo, los sobresaltos que provocan algunas cintas como El Conjuro o toda la serie que de ésta se desprende son divertidos, no escalofriantes.

Midsommar no necesita hacerte brincar del asiento para hacerte sentir incómodo frente a lo que ocurre en cada escena. Es puro horror psicológico: desde el suspenso de la primera mitad hasta la violencia exacerbada de la segunda.

Tercer acierto: Midsommar le da un giro al estilo visual que uno espera en una película de terror. Gran parte de la cinta se desarrolla en el exterior, en un ambiente totalmente iluminado y saturado de colores. No es casualidad, por supuesto. La incomodidad por la violencia es mayor si ésta se ejerce con total cinismo.

El espacio abierto y la iluminación no permiten que ni las víctimas ni los victimarios puedan ocultarse. Así que la atrocidad te pega en la cara sin atenuantes.

 

Y podría seguir ennumerando aciertos, pero necesitaría mucho más espacio para ello. Así que mejor les voy a dejar el guion de la película, para que se den una idea de cómo desarrollar este tipo de terror psicológico desde el papel.

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Descarga y lee el guion de Jojo Rabbit

Descarga y lee el guion de Jojo Rabbit

 

Jojo Rabbit pudo ganar el Óscar a Mejor Película y nadie hubiera protestado. Una sátira de los absurdos del fanatismo que combina la comedia con un estilo visual muy particular que recuerda, en muchas ocasiones, a Moonrise Kingdom, de Wes Anderson.

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Y no, no fue galardonada con el máximo reconocimiento, pero sí obtuvo la estatuilla a Mejor Guion Adaptado, primer Óscar en la carrera de Taika Waititi. El libreto, basado en la novela Caging Skies, de Christine Leunens, es un texto lleno de aciertos. Recupera lo mejor del argumento de la obra y lo reconfigura para que funcione de forma muy específica con el elenco que ya figuraba en el proyecto de Waititi desde la concepción del mismo.

Por eso es que las acciones se desarrollan con tal naturalidad y fluyen sin contratiempos, porque los personajes fueron creados para ser interpretados por este grupo particular de actores y actrices. Cuando el guion y el reparto hacen click, no hay forma de detener el éxito de una historia.

Incluso el propio Taika Waititi, que suele destacar por su tendencia a sobreactuar, funciona bien en el papel de Hitler, pues es un personaje motivado por su necesidad de atención y por demostrar(se) su determinación por ser un tipo deleznable. Ojo: no digo que Taika sea deleznable, ¿eh? Digo que la sobreactuación le aporta mucho al tipo de personaje que interpretó.

Por último, vale destacar que el guion de Jojo Rabbit es casi un manual de cómo crear escenas que mezclen la tensión y la risa sin morir en el intento. La primera que me viene a la mente es aquella en donde los agentes de la Gestapo catean el hogar de Jojo. A pesar de ser un momento terrible para el protagonista y para Elsa, Taika se dio el tiempo de ridiculizar el saludo ritual de los nazis y de sacarle una carcajada a los espectadores, que deciden ponerle una pausa a su propio terror (es un momento de incertidumbre que consumiría a cualquiera).

Esto ocurre en repetidas ocasiones y uno no puede hacer más que dejarse llevar por el poder narrativo de un guion muy bien estructurado.

Sin más por el momento, les voy a dejar aquí el link para descargar el guion de la película. ¿Qué otros aciertos añadirían a los ya revisados? Los leo en los comentarios.

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Mira aquí Hair Love, cortometraje ganador del Óscar

Mira aquí Hair Love, cortometraje ganador del Óscar

 

Todo comenzó cuando Mathew A. Cherry escribió el guion de Hair Love y decidió lanzar una campaña de Kickstarter para recaudar fondos y llevar su idea a la pantalla. Sí, Cherry no tuvo el apoyo de grandes productoras ni contó con un presupuesto millonario como el que suelen tener las películas gringas.

La meta establecida en Kickstarter fue de 75 mil dólares. No obstante, el proyecto tuvo tanto alcance y aceptación por parte de los usuarios de la plataforma que logró recaudar casi 300 mil dólares para la realización del cortometraje.

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Hoy, ese proyecto independiente que surgió como una idea descabellada (o cabellada, en todo caso) ha recibido el premio Óscar como Mejor Cortometraje Animado y ha llevado a su realizador hasta la cima del éxito.

Pero, ¿cuál es el principal acierto de Hair Love y por qué obtuvo el preciado galardón?

 

Primero, por ser una película con un guion escrito prácticamente sin diálogos (a excepción del video de la madre de la pequeña niña). El libreto de Hair Love ilustra perfectamente lo que se ha dicho siempre acerca de la escritura cinematográfica: una historia poderosa es aquella que lo dice todo mediante las acciones de sus personajes, sin necesidad de recurrir al diálogo (una vez más: a excepción, por supuesto, de los grandes maestros como Quentin Tarantino que se las sabe todas acerca de los diálogos y sus implicaciones).

Por otro lado, Hair Love es un corto que visibiliza un conflicto tan cotidiano como interesante: la manera de lidiar todos los días con el cabello, en especial con el cabello afro. Busca generar empatía con esta situación y reconfigurar la forma de afrontar la misma. No avanzaré más en este asunto porque llenaría estas líneas con spóilers. Sin embargo, es importante identificar tanto el guion como el fondo del relato como las principales armas que llevaron a Hair Love a obtener el Óscar.

Les dejo el cortometraje aquí:

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Cómo dirigir actores y no actores, por Alfonso Cuarón

Cómo dirigir actores y no actores, por Alfonso Cuarón

 

 

Las aguas se han calmado y ya no hay más discusiones acerca de Roma, de Alfonso Cuarón, que probablemente se postula como la película mexicana más controvertida de todos los tiempos.

Así que ahora podemos ver la cinta desde panoramas distintos, sin necesidad de volver a revivir las viejas rencillas. Y una de las cuestiones principales que valdría la pena recuperar es la manera en la que se llevó a cabo el rodaje de la película.

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Se sabe que Alfonso Cuarón decidió explorar y explotar las emociones del elenco sin develar el guion de la cinta. El libreto, por supuesto, existía; sin embargo, el director estaba convencido de que era mejor trabajar con la espontaneidad.

Pero, ¿cómo lograr que las escenas funcionen si el elenco no tiene idea de lo que “debe” ocurrir? Cuarón habló precisamente de esto en una entrevista que Jean-Christophe Berjon le realizó para Mi cine, tu cine, en el marco del 16º Festival Internacional de Cine de Morelia.

El director mexicano reveló algunas estrategias para dirigir actores –y no actores–; habló del proceso creativo necesario para realizar un rodaje sin guion; y rescató algunos datos curiosos como la reacción de Marina de Tavira al enfrentarse a una forma distinta de encarnar a un personaje.

Sin mayor preámbulo, les dejo la entrevista y les recomiendo hacer una segunda revisión de la película: en esta ocasión, con el ojo puesto en los elementos técnicos y/o como mero ejercicio didáctico –porque la postura que tengan sobre el contenido de la cinta no va a cambiar, lo puedo jurar, y no vale la pena agarrarse del chongo una maldita vez más–.

 

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Descarga y lee el guion de El Padrino

Descarga y lee el guion de El Padrino

 

En 1972 se estrenó la primera entrega de El Padrino, obra basada en la novela homónima de Mario Puzo. Los aciertos de la película son bien conocidos, pero me parece que hay un aspecto de especial relevancia en la magnitud del éxito de la misma: el guion.

Escrito por Francis Ford Coppola y el propio Mario Puzo, el libreto de El Padrino es un texto que cumple con todas las normas que, a través del tiempo, se han planteado en todos los estudios y manuales de esta disciplina.

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Un ejemplo de esto son los diálogos de los personajes: no hay conversaciones casuales; todo lo que se dice en la película tiene una implicación dramática. “Es un hechizo simple, pero inquebrantable”, dirían algunos.

Por otro lado, tampoco hay acciones casuales. Hasta los rasgos más sutiles de los personajes y su manera de desenvolverse son parte de la atmósfera del relato e incluso conforman un bastión importante para el desarrollo de la historia.

Un ejemplo que ilustra perfectamente lo anterior es el momento en el que Michael Corleone (Al Pacino) va a visitar a su padre al hospital. Encuentra a Vito Corleone (Marlon Brando) desprotegido y decide sacarlo de la habitación y ocultarlo. Luego de hacerlo, se encuentra con Enzo, un panadero que va a visitar al capo de la familia. Michael decide montar guardia afuera del hospital y el panadero se ofrece para acompañarlo.

En ese momento, un automóvil se acerca, de manera sospechosa, al edificio. Michael le pide al panadero que finja tener un arma. El vehículo se detiene frente al hospital pero, ante el inminente conflicto “armado”, se pone en marcha nuevamente.

El peligro ha pasado. Enzo saca un cigarrillo de su abrigo, luego toma el encendedor. Intenta prenderlo, pero la ansiedad provocada por lo ocurrido no permite que deje de temblar. En ese momento, Michael estira la mano, toma el encendedor y prende el cigarrillo sin mayor complicación.

Esta pequeña acción, casi pasajera, es el primer indicio del temple de acero de Michael Corleone, un personaje creado para ser el capo de la familia. Y no es casualidad que este tipo de momentos sean retratados en la película, todo está planteado desde el libreto de la misma.

Por esto –los diálogos con implicaciones mayúsculas y las pequeñas acciones que apuntalan toda una historia– y más, el guion de El Padrino es un testimonio imprescindible para aprender muchas de las estrategias propias del arte de la escritura cinematográfica.

En este link pueden descargar el documento. Espero que les sirva y que disfruten de su lectura. Hasta aquí mi reporte.

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Lee aquí el guion de "Atrápame si puedes"

Lee aquí el guion de "Atrápame si puedes"

 

En el 2002 se estrenó Atrápame si puedes (Catch Me If You Can) en Estados Unidos. El éxito que tuvo era de esperarse. Tenía entre sus armas a una joven estrella, Leonardo DiCaprio; a un actor de esos que no puedes odiar y que siempre es consistente en su desempeño, Tom Hanks; y a un famoso director con una carrera envidiable, Steven Spielberg

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Sin embargo, esta inercia de la crítica cinematográfica por desdeñar cualquier tipo de contenido que esté dedicado a un público masivo y no sólo a los jurados de festivales hizo que la película pasara desapercibida en cuanto a premios y menciones. Por ejemplo, en los premios Óscar sólo obtuvo dos nominaciones: una para Christopher Walking como Mejor Actor de Reparto y una a Mejor Música Original para John Williams. Ocurrió lo mismo en otras ceremonias.

Atrápame si puedes es una cinta integral que cumple en todos los aspectos; pero su estilo no es pretencioso ni está pensado específicamente para presentarse en un festival. Por eso el "castigo" de la crítica.

Si la dinámica fuera distinta, esta cinta estaría considerada hoy como una de las mejores de Spielberg. Los aciertos más evidentes del proyecto ya los he mencionado; no obstante, hay una característica principal que falta revisar: el libreto. La película está basada en un libro autobiográfico escrito por el propio Frank Abagnale Jr. y la adaptación corrió a cargo de Jeff Nathanson

Es un guion perfectamente estructurado: el camino del héroe se repite una y otra vez, como en un espiral, y nunca pierde la tensión. Una cuestión particularmente interesante del desarrollo del personaje principal es la siguiente. Generalmente, la norma dictaría que el personaje busque alcanzar una meta y se encuentre con obstáculos que le dificulten alcanzar la misma.

En este caso ocurre algo distinto y fascinante: el personaje logra las metas de inmediato y los obstáculos se presentan al intentar mantenerse en la posición alcanzada. Les voy a dejar el link aquí para que lo revisen ustedes mismos y dejen en los comentarios sus impresiones.

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