Selección Oficial del festival 24 Risas por Segundo

Selección Oficial del festival 24 Risas por Segundo

 

Cuando se habla de cine de comedia contemporáneo, normalmente surgen opiniones que denuestan el género. Y es que estamos acostumbrados a chutarnos los peores churros derbezianos; la cansada fórmula de las comedias románticas heredada de la televisión; y otros tantos vicios que se han apoderado de la cartelera nacional (salvo honrosas excepciones).

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Sin embargo, existe otra cara de la moneda. En México no todo son chistes gastados y repetitivos, que utilizan a sectores vulnerables de la población para hacer mofa de sus conductas; también hay otra vertiente que, a través de la comedia, entrega relatos entrañables y argumentos muy bien logrados. Además, los cineastas mexicanos que están en este lado del asunto explotan distintos recursos que van más allá de la carcajada incómoda. Me refiero al uso del sarcasmo, la ironía, el absurdo, etc.

Justamente, los patriotas de 24 Risas por Segundo, Festival de Cine y Comedia, se han dado a la tarea de reunir a los cineastas mexicanos que le entran a la comedia de manera seria (aunque suene extraño).

La 4ª edición de esta fiesta cinematográfica se llevará a cabo del 7 al 12 de agosto del 2019 y aquí les voy a contar de qué se trata. La Selección Oficial está conformada por 20 cortometrajes y 4 largometrajes que serán proyectados en distintas sedes: la Cineteca Nacional, el Autocinema Coyote, el Cine Tonalá, La Casa del Cine MX y el Parque Hundido.

Los cineastas participantes buscarán llevarse a casa el Premio del Público, que se otorga de acuerdo a la cantidad de votos que reciba cada película en las sedes mencionadas. Así que, al asistir a cualquiera de las funciones, uno se convierte en jurado del festival. Estén pendientes: la programación será dada a conocer el 18 de julio.

Sin más por el momento, les presento las obras que engalanarán esta nueva edición de 24 Risas por Segundo, Festival de Cine y Comedia:

 

SELECCIÓN OFICIAL LARGOMETRAJE MEXICANO

  1. ¿Quieres ser mi rehén? de Alex Sánchez y Carlos Preciado
  2. Mi mariachi, de Jorge Adrián Espíndola
  3. Moronga, de John Dickie
  4. Pacífico Norte, de Valentina Sachetti

SELECCIÓN OFICIAL CORTOMETRAJE MEXICANO

  1. Ambiente hostil, de Alan Gutiérrez
  2. Bola negra, de Víctor Rejón
  3. Boulangerie de Barrio, de Roberto Chávez
  4. Cohete, de Alexis Rios
  5. Después de todo volviste, de Pablo Arredondo y Arisbeth Márquez
  6. Documental para mis compas, de Diego Hernández
  7. Dulce venganza, de Francisco Atristain
  8. El primer beso, de Carmen González
  9. El último romántico, de Natalia García Agraz
  10. El vampiro de Coyoacán, de Francisco Nachón
  11. Espuma de mar, de Luis Mariano García
  12. Gandalf, de Ana González Bello y José Luis Isoard
  13. Gina, de David Diomedes Heras
  14. Golden Malibu, de Natalia Bermúdez
  15. Hablamos en la cena, de Andrea Quintero y Sergio Trasviña
  16. La irónica muerte de Lorenzo Mokai, de Carlos Rodmar
  17. Los Cadenas Chow, de Aarón Álvarez
  18. Quinto malo, de J.M. Mariscal
  19. Sonreír, de Francisco Fernández Andrew
  20. Tanto arroz para tan poco pollo, de Alejandra Carreño Perea

Por: Fernando Valdez

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Qué es la Regla de los Tercios y con qué se come

Qué es la Regla de los Tercios y con qué se come

 

En artes visuales, la Composición sirve para ordenar los objetos (o sujetos) que intervienen en una escena. Ya sea en una pintura, una fotografía o en un plano cinematográfico.

Hay muchos patrones y normas que sirven de apoyo para darle mayor relevancia a los elementos que uno desea destacar. Una de las reglas más conocidas y utilizadas en el cine es la Regla de los Tercios y aquí vamos a revisar de qué se trata.

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Lo primero que debemos hacer al enfrentarnos a un plano es identificar el Centro de Interés. Éste es el elemento más importante del encuadre, aquel que debe sobresalir en el mismo y sobre el cual debe recaer la atención del espectador.

Imaginemos una escena de tensión en la que un personaje apunta un arma contra otro. Si identificamos el arma como el Centro de Interés, deberemos ordenar los elementos del plano de tal manera que el artefacto llame la atención con mayor intensidad que los demás objetos.

Ahora, ¿cómo hacemos para que el Centro de Interés sea el asunto más relevante de un plano? Aquí es donde interviene la básica pero infalible Regla de los Tercios. Divide el encuadre en tres partes de forma horizontal; luego haz lo mismo, pero de forma vertical. Entonces tendrás una rejilla de 3x3 que guiará la Composición de la imagen que pretendes obtener.

Bien, las intersecciones que se forman producen 4 puntos, conocidos como Puntos Fuertes, como se muestra en la siguiente imagen:

Está comprobado que, si colocas el Centro de Interés específicamente en alguno de estos puntos, generarás que la atención de los espectadores sea mayor y se enfoque en el elemento que deseas.

Por supuesto, existen combinaciones que producen efectos distintos. Si colocas el Centro de Interés en dos Puntos Fuertes, por ejemplo, provocarás que el espectador recorra el plano de un lado a otro. Y hay muchas otras posibilidades, pero, para fines prácticos, sería bueno comenzar utilizando un Punto Fuerte para comprobar su efectividad.

Para concluir, voy a revisar un plano de La Favorita (2018).

En éste vemos a Rachel Weisz apuntar un arma, precisamente, contra Emma Stone (fuera de campo). El arma está colocada exactamente en uno de los Puntos Fuertes, lo que atrae poderosamente la mirada de cualquiera. Hace que el revólver salte a la vista y adquiera protagonismo.

Y podríamos añadir que el hombro izquierdo de la actriz coincide con otro de los Puntos Fuertes. Esto produce una línea en diagonal que inicia en su hombro y concluye en el arma. Este tipo de composición, además de hacernos recorrer el plano entero, nos hace transitar por la agresiva postura de Weisz.

Bueno, esto ha sido sólo una introducción al mundo de los Tercios y la Composición. Espero que les sirva para rifarse en sus cortometrajes. Continuará…

Por: Fernando Valdez

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¿Cuál es la diferencia entre Efectos Especiales y Efectos Visuales?

¿Cuál es la diferencia entre Efectos Especiales y Efectos Visuales?

 

Es muy común que después de ver una película se escuche algún comentario acerca de los Efectos Especiales de la misma. “Me encantaron los efectos especiales”. Y, para fines prácticos, no hay problema, me parece que a todo mundo le queda claro a lo que se refiere la expresión. Es como decir que te agradó visualmente.

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Pero si nos ponemos estrictos, es altamente probable que el comentario no sea acertado. Tal vez ni siquiera se refiere a los mentados efectos especiales sino a otra cosa.

Generalmente, se confunde a los efectos especiales con los efectos visuales y viceversa. En estas líneas intentaré aclarar a qué se refiere cada uno de estos conceptos en la realización cinematográfica.

Bien, en el rodaje de una película existen elementos que se colocan de manera física en el set y otros que se agregan posteriormente con la edición. En los primeros podemos contar con personajes volando (sujetados por cables, por supuesto), explosiones o choques de objetos (el mejor caso para ilustrar esto puede encontrarse en el detrás de cámaras de Mad Max: Fury Road), o incluso el maquillaje de los personajes, etc. A esto se le conoce como Efectos Especiales (FX).

En el segundo caso nos enfrentamos a elementos meramente virtuales. Mientras que en el rodaje un hombre es ayudado por cables para volar a través del set verde, a la hora de llevarlo a la edición se le dará otra apariencia. Parecerá que vuela por las nubes o entre grandes edificios, por ejemplo. Este tipo de efectos, añadidos en postproducción, son conocidos como Efectos Visuales (VFX).

Así que la diferencia entre un caso y otro radica en lo que se coloca frente a la cámara al momento del rodaje y lo que se añade después del mismo en la edición. Espero haber aclarado esta duda del millón. No olviden dejar sus comentarios.

Por: Fernando Valdez

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Curso de Producción: Cómo levantar tu película y no morir en el intento

Curso de Producción: Cómo levantar tu película y no morir en el intento

Imparte: Natalia Contreras

Duración: 10 Sesiones

Modalidad: Online

Dirigido a: Productores, cineastas, estudiantes de cine, producción, comunicación, productores audiovisuales  o al público en general interesado en conseguir fondos en el sector público y privado para levantar un proyecto cinematográfico.

"Este curso incluye material complementario: formatos de contratos, breakdown y desglose descargables"

Temario:

Sesión 1
INTRODUCCIÓN ¿TIENES UNA HISTORIA... QUÉ HACER?
Idea, guion, desglose, presupuesto, carpeta y pitch
Sesión 2
El Pitch
La historia, tú, la presentación y los tipos de pitch
Sesión 3
Fondos Públicos
Eficine, Fidecine y Foprocine
Sesión 4
Características de los fondos públicos que existen en México
Sesión 5
La Carpeta de Producción
¿Qué es? ¿Qué elementos la conforman?
Sesión 6
La Carpeta Madre (Eficine 189)
Propuesta, personal creativo, plan de producción, presupuesto, exhibición, esquema financiero y legales
Sesión 7
Cronología de Desarrollo
Lectura, subrayado, duración, desglose, hollywood board, plan de trabajo, DOD, equipo de trabajo.
Sesión 8
Mapa Presupuestal
Desarrollo, producción, postproducción y otros
Sesión 9
Cómo elaborar un presupuesto
Sesión 10
Flujo de Efectivo y Conclusiones

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Playstation Productions anuncia su primera serie de TV

Playstation Productions anuncia su primera serie de TV 

Recientemente, Sony Interactive Entertainment anunció la creación de su propia casa productora: Playstation Productions. El estudio se encargará de desarrollar series y películas basadas en los videojuegos de la empresa.

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Esto es una gran noticia para el mundo del cine por varias razones. Primero, si algo caracteriza a Playstation son sus grandes historias. La consola japonesa busca hacerse de licencias que entreguen relatos entrañables y no personajes pintorescos como sucede con su competencia (no lo critico, sólo digo que hay una estrategia distinta, ni mejor ni peor).

Lo anterior provocará, cruzo los dedos, que los proyectos de Playstation Productions no apelen a la nostalgia de sus seguidores, sino que busquen ofrecer series y películas de calidad que sean equivalentes a lo que se ofrece en la consola.

Por otro lado, desde ya existen posibilidades que emocionarían a cualquiera. ¿Qué tal una película de The Last Of Us o una serie de acción basada en Uncharted?

¿O recuerdan el último tráiler de Death Stranding? No me sorprendería que tal universo, desarrollado por Hideo Kojima y estelarizado por Norman Reedus y Guillermo del Toro, fuera el primer proyecto nacido de la idea de fusionar el cine y los videojuegos en un lanzamiento conjunto, algo así como una entrega doble.

Pero antes de seguir proyectándome durísimo y haciendo suposiciones, déjenme les cuento que el primer título que pasará de la consola a la TV ya ha sido elegido.

Se trata de Twisted Metal, saga creada por David Jaffe, el mismo desarrollador de God Of War. Aunque aún no hay detalles sobre la producción, podría esperarse (si siguen la línea del videojuego) una serie tipo Mad Max o algo de terror que reinstaure el pánico por los payasos asesinos.

El reto será adaptar la saga más longeva de Playstation, cuyo lanzamiento data de 1995 y que siguió vigente hasta el 2012, a una serie de TV de unos cuantos capítulos.

¿Ustedes qué piensan? ¿Les gusta todo esto de Playstation Productions? Dejen sus comentarios.

Por: Fernando Valdez

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Mexicano se duerme tras borrachera y despierta en el Festival de Cannes

Mexicano se duerme tras borrachera y despierta en el Festival de Cannes

Un mexicano (Eric Ortiz), un gringo (Tarantino), un alemán (Werner Herzog) y un coreano (Bong Joon-ho) se encuentran en un festival de cine… Suena como el inicio de uno de esos chistes perrones, pero no lo es.

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Y es que resulta que Eric Ortiz García, periodista cinematográfico de la Ciudad de México, se lanzó al festival más importante de la industria fílmica: el Festival de Cannes. Ahí se topará con distintas personalidades como los directores mencionados y otros grandes del cine.

Además de realizar la cobertura de distintas funciones y premieres mundiales (e incluir sus respectivas reseñas de las películas que logre ver por allá), Eric nos mostrará cómo se vive un evento de tal magnitud.

El héroe mexicano no sólo nos traerá lo mejor de la cartelera internacional, sino que hará un profundo recorrido por las experiencias que complementan el Festival: desde los problemas para ingresar a una función y los agarrones que se arman en la fila (se resuelven con un duelo de crítica cinematográfica), hasta las monumentales pedas organizadas por cineastas y agregados.

En una de ésas el mexicano, el gringo, el alemán y el coreano se encuentran en un bar; y ahí sí se arma el chiste… y hasta los besos. Acá entre nos, es de las cosas que más deseo ver.

Para estar al tanto de esta gran aventura sólo deben ir a YouTube y seguir el canal de Filmadores, que además está chulísimo. Allí podrán encontrar cada capítulo de la travesía de Eric Ortiz García y enterarse de todas las novedades del Festival de Cannes.

Me complace darles la bienvenida y espero que disfruten de este nuevo viaje. Esto es:

Un Mexa En Cannes

 

Por: Fernando Valdez

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¿Qué hace un Director de Fotografía?

¿Qué hace un Director de Fotografía?

 

Realizar una película es un proceso tan interesante como complejo. Se necesita de un equipo de personas que realicen labores específicas y se encarguen de que cada aspecto de la cinta quede bien: la escenografía, el sonido, el vestuario, etc.

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Una de las tareas principales es la Dirección de Fotografía. El encargado de esto trabaja de la mano con el Director de la película para que la imagen que se registra frente a la cámara y la que se presenta en la proyección final sean fieles a la idea del realizador.

Un Director de Fotografía debe cuidar todos los aspectos relacionados con la imagen; su trabajo consiste en tomar decisiones relacionadas con la iluminación, la composición, el etalonaje y todos aquellos elementos necesarios para llevar a buen puerto cada plano de la película.

 

La Iluminación

La iluminación es muy importante en el cine. Tiene distintas funciones entre las cuales destacan las siguientes: dar continuidad a los planos de cada escena, expresar el momento del día en el que ocurre la acción y reforzar el sentido de cada imagen.

Por ejemplo, en una situación de misterio que ocurre por la noche, el Director de Fotografía deberá decidir qué tipo de iluminación es mejor para una escena nocturna y podría jugar con sombras pronunciadas para el ambiente de misterio. La iluminación de cada plano de la escena deberá coincidir con el fin de darle continuidad a la acción, como dije antes.

 

La Composición

En este caso, el Director de Fotografía deberá tomar decisiones acerca de la disposición de los elementos que registra la cámara y deberá elegir el tipo de plano que conviene para registrar la imagen. Por supuesto, esta decisión se trabaja de manera conjunta con el Director de la película. Él es quien demanda cierto tipo de imágenes y quien, al final, decide si el plano se queda o se reformula.

 

El Etalonaje

Esta fase tiene que ver con el color de las imágenes. Desde un inicio se establece la paleta de colores que llevará cada escena, o cada personaje (en ocasiones cada personaje cuenta con una paleta distinta, como el caso de Sin City (2005) o de El Complot Mongol (2018)) y, de acuerdo con esto, el Director de Fotografía debe supervisar que todo coincida con lo establecido: que se igualen los colores, el contraste, etc., en cada plano.

 

Esto es, grosso modo, lo que hace un Director de Fotografía. Sus funciones primarias, podría decirse. Es un trabajo que requiere mucho conocimiento para emplear las técnicas adecuadas. Su labor es imprescindible, sobre todo en un trabajo profesional, y se le debe dar la importancia que requiere (también en los créditos y en los premios...).

Por: Fernando Valdez

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Un gran maestro y la primera escuela de cine en Iztapalapa

Un gran maestro y la primera escuela de cine en Iztapalapa

 

Jesús Villaseca ha dedicado más de 36 años de su vida al fotoperiodismo y otros tantos a impartir talleres de fotografía en el FARO de Oriente, en Iztapalapa. Es conocido, además, por su trabajo en La Jornada y por haber recibido, en el 2003, el Premio Nacional de Periodismo.

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No, no vengo a dejarles todo el currículum de Villaseca. Lo que quiero contarles es que el fotógrafo está participando con la alcaldesa de Iztapalapa para fundar la primera escuela de cine de la demarcación.

Esto, lamentablemente, implica que Chucho tenga que abandonar su labor docente en el FARO de Oriente. Sin embargo, todo es por un bien mayor: Iztapalapa es cuna de grandes historias y, si el proyecto se concreta, bien podría convertirse en el nuevo semillero de cineastas.

Aunque aún se encuentran en la fase de planeación, ya conocemos algunos detalles. La sede será el antiguo cine Vicente Guerrero (en la colonia del mismo nombre), que hoy se conoce como Centro Cultural Iztapalapa. Se impartirán diplomados gratuitos que pueden durar desde 3 hasta 6 meses. En un inicio, la oferta estará enfocada, principalmente, en cine documental.

Si todo marcha como dicta el calendario de la alcaldía, en un mes se darán a conocer los pormenores del asunto. Por ahora, sólo queda esperar y pensar en todas las posibilidades de una iniciativa como ésta.

Lo que sí se sabe desde ya es que todo luce muy prometedor. Éste podría ser un gran paso para visibilizar la vocación artística de los habitantes de Iztapalapa (que en muchas ocasiones no se toma en cuenta). Y qué mejor que hacerlo de la mano de Jesús Villaseca, un tipo comprometido con la formación académica, con la transmisión del conocimiento, con el apoyo a los jóvenes, etc.

Hasta aquí mi reporte.

Por: Fernando Valdez

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Green Book y el guion ganador del Óscar (para descargar)

Green Book y el guion ganador del Óscar (para descargar)

 

Julia Roberts abrió el sobre rojo, sonrió, se acercó al micrófono y anunció: “Green Book”. Ante la sorpresa de los asistentes, el filme de Peter Farrelly ganó el premio Óscar a Mejor Película. Esta vez no hubo error, como aquella ocasión del desliz de Warren Beatty, pero sí hubo polémica.

A mi parecer, el reconocimiento le fue arrebatado a La Favorita, de Yorgos Lanthimos; para otros, Roma debió llevarse el premio a casa; y Spike Lee piensa que su película era la mejor.

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Terminó la ceremonia y comenzó la discusión en distintos medios, como era de esperarse. Y entre la batalla por defender una cinta y denostar a la otra, desde cualquiera de los bandos (La Favorita, Roma, Spike Lee, Green Book), se perdió de vista hablar de algo importante: ¿cuáles son los aciertos que llevaron a Green Book a ganar el reconocimiento de la Academia?

Sí, entiendo que influyó poderosamente una cuestión política, pero no se puede negar que el filme tuvo las armas necesarias para, primero, colocarse entre los nominados y, segundo, derribar a los favoritos de la ceremonia.

Bien, aquí no quiero ahondar en el análisis íntegro de la cinta, pero sí es necesario hablar de su mayor cualidad: el guion de la misma. Hay que recordar que en la premiación también fue ganadora del Óscar a Mejor Guion Original.

Si pensamos en el cine como el arte del entretenimiento (entiendo que el arte como expresión tiene muchas otras vertientes, pero, en estas líneas, nos enfocaremos en esta función específica), Green Book es una gran película.

La historia escrita por Nick Vallelonga, Brian Hayes Currie y el mismo Farrelly es muy buena. Tiene fuertes rasgos emotivos, como el hecho de desarrollar una amistad cercana entre dos personajes de personalidades opuestas (el clásico “cuando te conocí, pensaba que eras bien mamón”, con el que todo mundo se identifica); mantiene la tensión en todo momento, sobre todo si se pone sobre la mesa la dificultad que viven los protagonistas para mantenerse en vías libres de racismo; y, por si fuera poco, la manera en que se expresa The Lip parece inspirarse en otro personaje italoamericano: Tony Soprano, cuyo éxito es bien conocido.

Las fortalezas de esta historia no se encuentran en las demás películas nominadas, por esto el premio a Mejor Guion Original, claro. Ahora, el motor del cine (como entretenimiento, repito) son los relatos, y en Green Book se conjuga exitosamente una historia muy atractiva con otros aspectos destacables como el desempeño de Viggo Mortensen y Mahershala Ali, el vestuario, entre otros.

Más allá de si debió ganar o no el reconocimiento más prestigioso del cine de Hollywood, Green Book es una producción muy bien lograda que debe disfrutarse.

Aquí le paro, no sin antes dejarles este regalo…

Descarga el guion de la cinta dando click aquí.

Por: Fernando Valdez

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Aprende los tipos de Planos que existen (Parte 1)

Aprende los tipos de Planos que existen (Parte 1)

Un guion cinematográfico está dividido en escenas. Cada una de éstas narra cierto tipo de acciones que ocurren en un espacio y tiempo determinados. A su vez, las escenas están divididas en planos que, básicamente, son aquellas imágenes acotadas entre un corte y otro.

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Imaginemos que la escena cuenta lo siguiente: los Avengers intentan levantar el martillo de Thor. Para llevar esto a la pantalla, podríamos utilizar un plano en donde se vea el mentado martillo; hacemos un corte y grabamos otro del rostro burlón de Thor; corte de nuevo y filmamos un montón de planos en donde veamos a cada Vengador fallando en su intento.

Es sólo una posibilidad, pero cada quién podría idear una forma distinta de llevar a buen puerto la escena que quiere retratarse. Posteriormente, a la hora del montaje, uniremos los planos y le daremos coherencia a cada una de las imágenes que grabamos.

Bien, ahora, es importante mencionar que hay ciertas normas y códigos que sirven de apoyo para darle sentido a una imagen, ya sea fija o en movimiento. Estas reglas tienen que ver con la posición de la cámara (horizontal (encuadre) o con cierto grado de angulación) y la distancia entre ésta y el objetivo:.

En esta ocasión, nos ocuparemos de algunos tipos de planos horizontales que te servirán para realizar cualquier producción.

    1. Plano General (Long Shot):

Ofrece una mirada general del espacio en el que ocurre una acción. La cámara se centra no sólo en el personaje, que debe aparecer de cuerpo entero, sino también en el ambiente que lo rodea. Este tipo de plano es utilizado, comúnmente, cuando se quiere mostrar un paisaje o cualquier espacio abierto.

     2. Plano Medio (Medium Shot):

Aquí se muestra el cuerpo del personaje de la cintura a la cabeza. Se utiliza para darle mayor relevancia al mismo y a su lenguaje corporal. Como en este plano de Los Juegos del Hambre:

       3. Primer Plano (Close Up):

Este plano es básicamente un retrato. Nos muestra las expresiones faciales del personaje y nos permite conocer a profundidad las características de su rostro. La distancia ideal debe ser aquella que muestre al objetivo de la clavícula hasta el tope de su cabeza. Aquí dejo el póster de Her (2013) para ilustrarlo, pero bien podríamos utilizarlo para el plano del rostro de Thor que mencioné al principio del texto, ¿no?.

     4. Primerísimo Primer Plano (Big Close Up):

En este caso, el rostro llena la pantalla de la barbilla hasta la frente. Es un plano mucho más arriesgado y se utiliza, generalmente, para exacerbar los gestos de un personaje.

      5. Plano Detalle (Extreme Close Up):

Este plano muestra una característica específica del objetivo: un ojo, una oreja… Es un plano muy cerrado que pretende darle relevancia a la parte que retrata. Lo he visto muchísimas veces en escenas de Tarantino.

       6. Plano Americano:

Se muestra al personaje de las rodillas hasta la cabeza. Se utiliza, principalmente, en escenas de peleas. Se le conoce como “americano” por el uso constante del mismo en los westerns gringos.

Existen muchas otras alternativas cuando se trata de planos, pero esta primera parte concluye aquí. Pronto seguiremos con este recorrido para darle a todas las otras variantes de planos horizontales y entrarle de lleno al tipo de angulación. Nos vemos en la versión 2.0.

Por: Fernando Valdez

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