Historia del SEXO en el Cine

Historia del SEXO en el Cine

 

Seguramente lo han notado: en cualquier sala de cine, cuando aparece una escena cachonda en la pantalla, se genera un ambiente lleno de risillas nerviosas, conversaciones evasivas (y molestas: ¡en el cine no se habla, “cagajo”!), y respiraciones agitadas.

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Y es que el sexo es un tema que provoca bastante escozor, un tema tabú, ¡en pleno siglo XXI! Aún con la apertura hacia este tipo de contenido y con la revolución tecnológica de la última década, que ha puesto a nuestro alcance un montón de información acerca de este asunto, no se ha podido superar ese bache que tantos males ha provocado.

Por supuesto, la indigestión que provoca el retrato del sexo en el cine, y en el arte en general, tiene una historia muy larga. Desde escenas de baile que fueron repudidadas por ser “sugestivas” hasta la férrea censura del código Hays (un profesor le llamaba “código ojeis”, por ojete –el código, no el profesor–).

Todo este espinoso camino que el sexo ha tenido que transitar está documentado en un capítulo de Historia(s) del Cine. Además de detallar la censura que antes mencioné, tiene elementos muy interesantes acerca de la forma en la que directores como Alfred Hitchcock se burlaron del código ojete e hicieron que sus parámetros funcionaran para sugerir el sexo en lugar de prohibirlo.

Además, el episodio cuenta cómo fue derrotada la censura, gracias a una cinta con fuertes escenas sexuales que fue todo un éxito en taquilla; y produce un panorama general con datos que documentan la Historia del sexo en el cine desde la censura hasta la total explosión de este tipo de contenido en la pantalla grande.

¿Ustedes qué piensan acerca de llevar el sexo al cine (me refiero a proyectarlo, no a practicarlo en la sala)? ¿Les ha pasado lo de las risillas nerviosas? Es un mal que no parece tener final. Pero bueno, ya habrá tiempo para conversar acerca de eso… Por ahora, les dejo el capítulo sexoso de Historia(s) del Cine.

Por: Fernando Valdez

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¿Qué hace un diseñador sonoro?, por Samuel Larson

¿Qué hace un diseñador sonoro?, por Samuel Larson

 

El sonido es un elemento fundamental para la realización de una película. Aunque en muchas ocasiones se piensa que es un asunto secundario –que complementa las imágenes–, hay momentos en los que se apodera de las acciones y se coloca en una posición protagónica, a la par de lo visual.

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Cuando hablo de sonido me refiero a una construcción sonora en general: que incluye silencios y ruidos, música, voces, etc. Esta construcción le da sentido, le inyecta intensidad –o le resta– a las imágenes que aparecen en pantalla.

Por eso es importante llevar a cabo una planeación sonora con el mismo cuidado con el que se elabora cada plano de una película. El cine es un arte audio-visual y, por ello, no puede relegarse ni el sonido ni la imagen a un nivel secundario.

Para un correcto o, mejor dicho, óptimo uso del sonido en una película se tiene que recurrir a un diseñador sonoro, para que transforme las ideas del director en sonidos. Una de las voces autorizadas en este campo es Samuel Larson, académico de la Universidad Nacional Autónoma de México y de la Facultad de Cine que ha dedicado su vida al estudio del séptimo arte y las implicaciones del sonido en éste.

Así que fuimos a buscarlo para platicar con él acerca de esto. Lo primero que nos dijo fue que no le gusta mucho el término de “diseñador sonoro”, toda vez que el encargado de sonido de una película no se encarga de diseñar sonidos, sino de mezclar o editar los mismos. Él prefiere utilizar la palabra “sonidista”.

Sí, se puso muy técnica –e interesante– la cosa. Posteriormente, nos habló de la importancia de generar un ambiente sonoro para cada imagen; de la propia mezcla y edición de sonido; y remató con algunos consejos para aquellos que buscan entrarle a esta profesión.

Para no darle más vueltas al asunto, les dejo el video con la entrevista completita.

¡Que lo disfruten!

Por: Fernando Valdez

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Consejos de Cine, por Guillermo del Toro

Consejos de Cine, por Guillermo del Toro

 

Guillermo del Toro tiene una característica muy especial: siempre tiene las palabras precisas para el momento preciso. Sin planearlo, cuando habla frente a las cámaras, o por Twitter o como sea, pronuncia frases entrañables que se quedan en la memoria.

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Prácticamente, se la pasa dando consejos sin saberlo. Se ha convertido en una voz autorizada del cine y de la vida misma. Si ya de por sí logra inspirar a propios y extraños a través de sus películas, también lo hace mediante sus discursos: en defensa de los migrantes, de las historias personales, del arte en general.

Entre los consejos que Guillermo del Toro me ha dado (repito: sin saberlo) tengo grabados dos especialmente. El primero tiene que ver con la escritura de un libreto cinematográfico. Dice del Toro que todo lo que se escriba en un guion “debe ser comprobable por la cámara o por el micrófono”. Así se evita uno un montón de paja y produce un texto muy bien diseñado, que puede ser interpretado en un set.

El segundo está relacionado con la felicidad. Dice Guillermo del Toro algo como esto: no importa a dónde llegues, siempre que llegues haciendo lo que disfrutas. Él decía que obtuvo dos premios Óscar porque decidió llevar al cine una historia que ama. Una mujer sordomuda se enamora de un dios anfibio del Amazonas.

“Sería un fracaso haber obtenido estos premios por haber realizado un documental de la vida y obra de Luis Pasteur”, bromeaba del Toro.

Y sé que parece un poco cliché esto de dedicarse a lo que te gusta. En la mayoría de las ocasiones es algo imposible. Pero nunca está demás tenerlo presente, por si acaso.

Este par de cuestiones surgieron de una clase magistral que, me parece, ofreció en Guadalajara. Así que anduve buscando eventos de este tipo en internet y me topé con esto: se trata de la primera clase magistral que Guillermo del Toro ofreció en la 15ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).

Les voy a dejar el video acá abajo. Como mencioné, el cineasta mexicano no para de dar consejos: de cine, de la vida, del arte en general. ¡Que lo disfruten!

Por: Fernando Valdez

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Introducción a la realización cinematográfica, por Quentin Tarantino

Introducción a la realización cinematográfica, por Quentin Tarantino

 

Luego del estreno de Inglorious Bastards, hace casi 10 años, Quentin Tarantino ofreció una plática en donde trató distintos temas particulares de la película. Los asistentes le lanzaban preguntas y él se explayaba al responderlas.

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La idea era, por supuesto, meterse con asuntos relacionados meramente con esta cinta; una especie de charla promocional de la misma. Sin embargo, el director (que es todo un nerd desquiciado del cine, en el buen sentido) fue más allá y, tomando como base Inglorious Bastards, trató temas del séptimo arte en general.

Esto podría pasar a la historia como una clase exprés del director por distintas razones: habló de su proceso de escritura, del rodaje, de la elección de actores para interpretar a sus personajes, etc.

Es decir, dio un pequeño curso intensivo acerca de lo que debe cuidar un realizador cinematográfico, los obstáculos que enfrenta, los desafíos en el set, entre otras cosas.

Como todo mundo sabe, Quentin Tarantino no sólo dirige, también escribe los libretos de las películas en las que se inmiscuye y, en ocasiones, le entra a la producción.

Así que aquella breve charla podría considerarse, incluso, como un testimonio pedagógico de introducción a la práctica del cine.

Una década después, está por estrenarse Once Upon a Time in Hollywood (¡kemosión!), el noveno filme de Tarantino. Y como no creo que vaya a darse una vuelta por las salas para repetir el acontecimiento mencionado, les voy a dejar aquí abajo el video.

 

ADVERTENCIA!

El video está en muy baja calidad (240p), cualquier comentario o mentada de madre que esto provoque, no olviden contactar directamente al canal de YouTube que lo contiene.

Por: Fernando Valdez

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Cine y surrealismo, por Jan Švankmajer

Cine y surrealismo, por Jan Švankmajer

 

El surrealismo es, grosso modo, una corriente artística que deforma los límites de la realidad hasta volverla irracional. En el cine, no hay mejor exponente de lo surreal que Jan Švankmajer, realizador checo que ha dedicado su carrera a la animación fotograma a fotograma –mejor conocida como stop motion–.

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Sus cortometrajes entregan relatos extrañísimos: comensales que devoran los platos y cubiertos, así como las mesas, en lugar de la comida; una lucha entre un montón de verduras contra un grupo de utensilios escolares; etc.

Situaciones que precisamente destacan por su irracionalidad, a simple vista. Aunque, por supuesto, tienen implicaciones (políticas, sociales, etc.) y significados que van mucho más allá de un mundo alucinante y deformado.

Por otro lado, ¿no es el stop motion la técnica más surrealista para hacer cine? Capturar imágenes de objetos estáticos y después, mediante el montaje, hacer que éstos parezcan estar en movimiento. Es el camino más largo e irracional (en el sentido surreal de la palabra).

Mezclar este tipo de narraciones con esta técnica de animación no es sencillo. Sin embargo, Jan Švankmajer logra entregar producciones bien logradas y, además, tremendamente entretenidas. Sus cortometrajes tienen millones de reproducciones en internet y, en general, su trayectoria lo coloca como uno de los mejores cineastas de nuestro tiempo.

Es importante darle énfasis al asunto del entretenimiento. Ya decía Hitchcock que “el cine es cuatrocientas butacas que llenar”. Hoy podemos manipular la frase y cambiar las butacas por views, pero el sentido es el mismo.

Jan Švankmajer, entonces, además (o a pesar) de llevar el surrealismo al extremo, consigue masificar sus producciones y, mediante lo irracional, explorar asuntos que pertenecen al campo de la realidad cruda y compleja en la que se encuentra la sociedad.

Y bueno, hace un año vino a México y ofreció una clase magistral para hablar acerca de su quehacer cinematográfico, se las dejo aquí para que le entren de lleno al tema.

Por: Fernando Valdez

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Selección Oficial del festival 24 Risas por Segundo

Selección Oficial del festival 24 Risas por Segundo

 

Cuando se habla de cine de comedia contemporáneo, normalmente surgen opiniones que denuestan el género. Y es que estamos acostumbrados a chutarnos los peores churros derbezianos; la cansada fórmula de las comedias románticas heredada de la televisión; y otros tantos vicios que se han apoderado de la cartelera nacional (salvo honrosas excepciones).

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Sin embargo, existe otra cara de la moneda. En México no todo son chistes gastados y repetitivos, que utilizan a sectores vulnerables de la población para hacer mofa de sus conductas; también hay otra vertiente que, a través de la comedia, entrega relatos entrañables y argumentos muy bien logrados. Además, los cineastas mexicanos que están en este lado del asunto explotan distintos recursos que van más allá de la carcajada incómoda. Me refiero al uso del sarcasmo, la ironía, el absurdo, etc.

Justamente, los patriotas de 24 Risas por Segundo, Festival de Cine y Comedia, se han dado a la tarea de reunir a los cineastas mexicanos que le entran a la comedia de manera seria (aunque suene extraño).

La 4ª edición de esta fiesta cinematográfica se llevará a cabo del 7 al 12 de agosto del 2019 y aquí les voy a contar de qué se trata. La Selección Oficial está conformada por 20 cortometrajes y 4 largometrajes que serán proyectados en distintas sedes: la Cineteca Nacional, el Autocinema Coyote, el Cine Tonalá, La Casa del Cine MX y el Parque Hundido.

Los cineastas participantes buscarán llevarse a casa el Premio del Público, que se otorga de acuerdo a la cantidad de votos que reciba cada película en las sedes mencionadas. Así que, al asistir a cualquiera de las funciones, uno se convierte en jurado del festival. Estén pendientes: la programación será dada a conocer el 18 de julio.

Sin más por el momento, les presento las obras que engalanarán esta nueva edición de 24 Risas por Segundo, Festival de Cine y Comedia:

 

SELECCIÓN OFICIAL LARGOMETRAJE MEXICANO

  1. ¿Quieres ser mi rehén? de Alex Sánchez y Carlos Preciado
  2. Mi mariachi, de Jorge Adrián Espíndola
  3. Moronga, de John Dickie
  4. Pacífico Norte, de Valentina Sachetti

SELECCIÓN OFICIAL CORTOMETRAJE MEXICANO

  1. Ambiente hostil, de Alan Gutiérrez
  2. Bola negra, de Víctor Rejón
  3. Boulangerie de Barrio, de Roberto Chávez
  4. Cohete, de Alexis Rios
  5. Después de todo volviste, de Pablo Arredondo y Arisbeth Márquez
  6. Documental para mis compas, de Diego Hernández
  7. Dulce venganza, de Francisco Atristain
  8. El primer beso, de Carmen González
  9. El último romántico, de Natalia García Agraz
  10. El vampiro de Coyoacán, de Francisco Nachón
  11. Espuma de mar, de Luis Mariano García
  12. Gandalf, de Ana González Bello y José Luis Isoard
  13. Gina, de David Diomedes Heras
  14. Golden Malibu, de Natalia Bermúdez
  15. Hablamos en la cena, de Andrea Quintero y Sergio Trasviña
  16. La irónica muerte de Lorenzo Mokai, de Carlos Rodmar
  17. Los Cadenas Chow, de Aarón Álvarez
  18. Quinto malo, de J.M. Mariscal
  19. Sonreír, de Francisco Fernández Andrew
  20. Tanto arroz para tan poco pollo, de Alejandra Carreño Perea

Por: Fernando Valdez

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Qué es la Regla de los Tercios y con qué se come

Qué es la Regla de los Tercios y con qué se come

 

En artes visuales, la Composición sirve para ordenar los objetos (o sujetos) que intervienen en una escena. Ya sea en una pintura, una fotografía o en un plano cinematográfico.

Hay muchos patrones y normas que sirven de apoyo para darle mayor relevancia a los elementos que uno desea destacar. Una de las reglas más conocidas y utilizadas en el cine es la Regla de los Tercios y aquí vamos a revisar de qué se trata.

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Lo primero que debemos hacer al enfrentarnos a un plano es identificar el Centro de Interés. Éste es el elemento más importante del encuadre, aquel que debe sobresalir en el mismo y sobre el cual debe recaer la atención del espectador.

Imaginemos una escena de tensión en la que un personaje apunta un arma contra otro. Si identificamos el arma como el Centro de Interés, deberemos ordenar los elementos del plano de tal manera que el artefacto llame la atención con mayor intensidad que los demás objetos.

Ahora, ¿cómo hacemos para que el Centro de Interés sea el asunto más relevante de un plano? Aquí es donde interviene la básica pero infalible Regla de los Tercios. Divide el encuadre en tres partes de forma horizontal; luego haz lo mismo, pero de forma vertical. Entonces tendrás una rejilla de 3x3 que guiará la Composición de la imagen que pretendes obtener.

Bien, las intersecciones que se forman producen 4 puntos, conocidos como Puntos Fuertes, como se muestra en la siguiente imagen:

Está comprobado que, si colocas el Centro de Interés específicamente en alguno de estos puntos, generarás que la atención de los espectadores sea mayor y se enfoque en el elemento que deseas.

Por supuesto, existen combinaciones que producen efectos distintos. Si colocas el Centro de Interés en dos Puntos Fuertes, por ejemplo, provocarás que el espectador recorra el plano de un lado a otro. Y hay muchas otras posibilidades, pero, para fines prácticos, sería bueno comenzar utilizando un Punto Fuerte para comprobar su efectividad.

Para concluir, voy a revisar un plano de La Favorita (2018).

En éste vemos a Rachel Weisz apuntar un arma, precisamente, contra Emma Stone (fuera de campo). El arma está colocada exactamente en uno de los Puntos Fuertes, lo que atrae poderosamente la mirada de cualquiera. Hace que el revólver salte a la vista y adquiera protagonismo.

Y podríamos añadir que el hombro izquierdo de la actriz coincide con otro de los Puntos Fuertes. Esto produce una línea en diagonal que inicia en su hombro y concluye en el arma. Este tipo de composición, además de hacernos recorrer el plano entero, nos hace transitar por la agresiva postura de Weisz.

Bueno, esto ha sido sólo una introducción al mundo de los Tercios y la Composición. Espero que les sirva para rifarse en sus cortometrajes. Continuará…

Por: Fernando Valdez

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¿Cuál es la diferencia entre Efectos Especiales y Efectos Visuales?

¿Cuál es la diferencia entre Efectos Especiales y Efectos Visuales?

 

Es muy común que después de ver una película se escuche algún comentario acerca de los Efectos Especiales de la misma. “Me encantaron los efectos especiales”. Y, para fines prácticos, no hay problema, me parece que a todo mundo le queda claro a lo que se refiere la expresión. Es como decir que te agradó visualmente.

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Pero si nos ponemos estrictos, es altamente probable que el comentario no sea acertado. Tal vez ni siquiera se refiere a los mentados efectos especiales sino a otra cosa.

Generalmente, se confunde a los efectos especiales con los efectos visuales y viceversa. En estas líneas intentaré aclarar a qué se refiere cada uno de estos conceptos en la realización cinematográfica.

Bien, en el rodaje de una película existen elementos que se colocan de manera física en el set y otros que se agregan posteriormente con la edición. En los primeros podemos contar con personajes volando (sujetados por cables, por supuesto), explosiones o choques de objetos (el mejor caso para ilustrar esto puede encontrarse en el detrás de cámaras de Mad Max: Fury Road), o incluso el maquillaje de los personajes, etc. A esto se le conoce como Efectos Especiales (FX).

En el segundo caso nos enfrentamos a elementos meramente virtuales. Mientras que en el rodaje un hombre es ayudado por cables para volar a través del set verde, a la hora de llevarlo a la edición se le dará otra apariencia. Parecerá que vuela por las nubes o entre grandes edificios, por ejemplo. Este tipo de efectos, añadidos en postproducción, son conocidos como Efectos Visuales (VFX).

Así que la diferencia entre un caso y otro radica en lo que se coloca frente a la cámara al momento del rodaje y lo que se añade después del mismo en la edición. Espero haber aclarado esta duda del millón. No olviden dejar sus comentarios.

Por: Fernando Valdez

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Curso de Producción: Cómo levantar tu película y no morir en el intento

Curso de Producción: Cómo levantar tu película y no morir en el intento

Imparte: Natalia Contreras

Duración: 10 Sesiones

Modalidad: Online

Dirigido a: Productores, cineastas, estudiantes de cine, producción, comunicación, productores audiovisuales  o al público en general interesado en conseguir fondos en el sector público y privado para levantar un proyecto cinematográfico.

"Este curso incluye material complementario: formatos de contratos, breakdown y desglose descargables"

Temario:

Sesión 1
INTRODUCCIÓN ¿TIENES UNA HISTORIA... QUÉ HACER?
Idea, guion, desglose, presupuesto, carpeta y pitch
Sesión 2
El Pitch
La historia, tú, la presentación y los tipos de pitch
Sesión 3
Fondos Públicos
Eficine, Fidecine y Foprocine
Sesión 4
Características de los fondos públicos que existen en México
Sesión 5
La Carpeta de Producción
¿Qué es? ¿Qué elementos la conforman?
Sesión 6
La Carpeta Madre (Eficine 189)
Propuesta, personal creativo, plan de producción, presupuesto, exhibición, esquema financiero y legales
Sesión 7
Cronología de Desarrollo
Lectura, subrayado, duración, desglose, hollywood board, plan de trabajo, DOD, equipo de trabajo.
Sesión 8
Mapa Presupuestal
Desarrollo, producción, postproducción y otros
Sesión 9
Cómo elaborar un presupuesto
Sesión 10
Flujo de Efectivo y Conclusiones

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Playstation Productions anuncia su primera serie de TV

Playstation Productions anuncia su primera serie de TV 

Recientemente, Sony Interactive Entertainment anunció la creación de su propia casa productora: Playstation Productions. El estudio se encargará de desarrollar series y películas basadas en los videojuegos de la empresa.

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Esto es una gran noticia para el mundo del cine por varias razones. Primero, si algo caracteriza a Playstation son sus grandes historias. La consola japonesa busca hacerse de licencias que entreguen relatos entrañables y no personajes pintorescos como sucede con su competencia (no lo critico, sólo digo que hay una estrategia distinta, ni mejor ni peor).

Lo anterior provocará, cruzo los dedos, que los proyectos de Playstation Productions no apelen a la nostalgia de sus seguidores, sino que busquen ofrecer series y películas de calidad que sean equivalentes a lo que se ofrece en la consola.

Por otro lado, desde ya existen posibilidades que emocionarían a cualquiera. ¿Qué tal una película de The Last Of Us o una serie de acción basada en Uncharted?

¿O recuerdan el último tráiler de Death Stranding? No me sorprendería que tal universo, desarrollado por Hideo Kojima y estelarizado por Norman Reedus y Guillermo del Toro, fuera el primer proyecto nacido de la idea de fusionar el cine y los videojuegos en un lanzamiento conjunto, algo así como una entrega doble.

Pero antes de seguir proyectándome durísimo y haciendo suposiciones, déjenme les cuento que el primer título que pasará de la consola a la TV ya ha sido elegido.

Se trata de Twisted Metal, saga creada por David Jaffe, el mismo desarrollador de God Of War. Aunque aún no hay detalles sobre la producción, podría esperarse (si siguen la línea del videojuego) una serie tipo Mad Max o algo de terror que reinstaure el pánico por los payasos asesinos.

El reto será adaptar la saga más longeva de Playstation, cuyo lanzamiento data de 1995 y que siguió vigente hasta el 2012, a una serie de TV de unos cuantos capítulos.

¿Ustedes qué piensan? ¿Les gusta todo esto de Playstation Productions? Dejen sus comentarios.

Por: Fernando Valdez

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